1 de marzo de 2010

Lucas Niggli - Peter Conradin Zumthor: Profos

Aunque publicado como uno, Profos bien podría haber sido un CD doble. No tanto por la duración, sino por el planteamiento de la música, dividida claramente en dos partes bien diferenciadas. Por un lado estaría el último tema, "All", que ocupa 30 de los casi 66 minutos del disco, y por otra parte las nueve piezas restantes.

En cuanto a la música de estos temas, y conociendo el trabajo de Niggli, uno no debiera esperarse uno de esos dúos de baterías consistentes en un derroche e intercambio de golpes, tal y como así ocurre. Lo suyo, acompañado magníficamente por Peter Conradin Zumthor, es trabajar con las percusiones investigando sobre sus posibilidades sonoras, que en algún momento son como mínimo sorprendentes. Insistiendo en este aspecto, no es hasta el tercer tema cuando la propuesta de ambos músicos ofrece algo similar a lo que se pudiera sospechar a priori en un dúo de baterías. El disco transcurre por caminos en los que lo importante por encima del exhibicionismo individual es la complementación y la escucha. En él toma una parte muy importante el aspecto compositivo de la música ("Ester Tanz" y "Zweiter Tanz" son dos piezas encargadas al compositor Felix Profos, cuyo apellido da título al disco), sin olvidar por ello la libertad improvisadora individual.

Por su parte, "All" bien hubiera merecido haber sido dispuesta en un CD inidividual. Durante su media hora de duración resulta sorprendente el modo en el que ambos músicos manejan la dinámica de la música. Para ello tanto Niggli como Zumthor trabajan con un conjunto mínimo de elementos percusivos y con un micrófono, logrando conducir por medio de la música a un estado casi hipnótico y atemporal cercano al producido por las músicas de trance.

Pachi Tapiz

Lucas Niggli - Peter Conradin Zumthor: Profos

Lucas Niggli (batería, gongs y percusión), Peter Conradin Zumthor (batería, gongs y percusión)

"Gold" (Niggli / Zumthor) 5:42, "Where I End..." (Zumthor) 1:37, "Erster Tanz" (Felix Profos) 7:30, "...And You Begin" (Niggli / Zumthor) 1:15, "Zweiter Tanz" (Felix Profos) 9:29, "Stoff" (Niggli / Zumthor) 1:17, "Luso" (Niggli) 3:34, "Gang" (Zumthor) 5:10, "All" (Niggli / Zumthor) 30:15

Grabado entre el 29 y el 31 de enero de 2009 en Will-Y Klangdach, Gunterhausen. Publicado en 2010 por Not Two. MW822-2

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24 de febrero de 2010

Y el viernes en el Johnny... Portico Quartet, un nuevo umbral para el jazz


Les hemos conocido gracias a su segundo trabajo, Isla (Real World/Resistencia), con el que se han hecho con el premio “Grupo revelación” del jazz británico. Ahora sabemos que los cuatro jóvenes que conforman Portico Quartet fueron candidatos también al Mercury Music Price de hace dos años, por su ópera prima Knee Deep In The North Sea (Babel/Vortex). El cuarteto lo componen dos bateristas-percusionistas, Duncan Bellamy y Nick Mulvey, un contrabajista, Milo Fitzpatrick, y un saxofonista, Jack Wyllie. Su música suena a todo: desde el minimalismo de Win Mertens al jazz camerístico de Oregon; desde el rock inteligente de Radiohead al arrebato improvisado de Art Ensemble Of Chicago. Una vez más nos encontramos ante una banda que quiere sonar y ser diferente, a pesar de que en su propuesta se reconozcan todas estas influencias. No se sabe qué va a ser de ellos a partir de ahora pero, de seguir unidos, estos cuatro chavales de Portico alcanzarán grandes cimas musicales.

Lo de la unidad no es literatura gratuita, ya que el grupo basa su éxito en la resolución colectiva de cada uno de sus temas. Aquí el virtuosismo individual cede su protagonismo al discurso total, como en las grandes formaciones que hoy representan el mejor jazz, desde los grupos de Coltrane o Miles Davis a Ornette Coleman o Wayne Shorter. Ya sólo con estos mínimos datos basta para entender por qué John Leckie
–productor de Radiohead o The Stone Roses, entre otros– decidió embarcarse en la segunda aventura discográfica de la banda, que ya tiene prolongación: Black & White Sessions, de próxima comercialización en nuestro país.

Pese a que la delantera del grupo la ocupa el saxofonista (tenor y soprano) Jack Wyllie, el sonido que identifica a Portico Quartet procede desde los hang de Bellamy y Mulvey; el hang es un instrumento de percusión que recuerda a los steeldrums steelpans (tambores metálicos) característicos de Trinidad y Tobago. A ello se le suman ciertas programaciones electrónicas que equivocadamente les han situado, por parte de cierta prensa especializada, en los dominios del nu jazz; a pesar de la artificialidad de algunos de sus recursos instrumentales y expresivos, en Portico Quartet todo es orgánico, muy racial. Quizás esa combinación entre lo mecánico y lo natural sea lo que acabe dotando a la banda de ese elemento distintivo con el que hoy nos visitan.

Pablo Sanz Magdaleno. Texto original publicado en la revista Scherzo

Portico Quartet Isla

"Paper Scisor Stone", "The Visitor", "Dawn Patrol", "Line", "Life Mask (Interlude)", "Clipper", "Life Mask", "Isla", "Shed Song (Improv. Nº1)"
Todos los temas compuestos, arreglados y ejecutados por Portico Quartet.

Jack Wyllie (saxos y electrónica), Milo Fitzpatrick (contrabajo), Duncan Bellamy (batería y piano), Nick Mulvey (hang y percusión)
Arreglos de cuerda por Milo Fitzpatrick. Sección de cuerdas: Mizuka Yamamoto (violín), David Larkin (violín), Jose Gandia (viola), Gregg Duggan (violonchelo)

Grabado en Abbey Road Studios en mayo de 2009. Publicado en 2009 por Real World. Distribuido en España por Resistencia

Portico Quartet actuará el próximo viernes 26 de febrero en la primera jornada del 18º Ciclo Jazz Es Primavera. Festival Eurojazz 2010. CMU San Juan Evangelista. Madrid

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23 de febrero de 2010

Jorrit Dijkstra: Pillow Circles


De homenajes en esencia sin perder la identidad. De clásicos del jazz, compositores contemporáneos, grupos de pop o músicos de vanguardia. Esos son algunos de los homenajeados por Jorrit Dijkstra con sus "Pillow Circle". Compuestas por encargo del North Sea Jazz Festival y el Muziek Centrum Nederland, Pillow Circles se estrenó en la edición de 2009 del festival holandés. Su música se mueve por los terrenos de ese jazz contemporáneo que no echa demasiado la vista atrás, que se abre a inspiraciones ajenas al jazz, y en el que son tan importantes las composiciones (que se inspiran magníficamente en la obra de los homenajeados), como los solos. A lo largo del disco no sorprenden las participaciones de Tony Malaby o Jeb Bishop, que están en un momento magnífico. No se puede decir lo mismo (en cuanto a la falta de sorpresa, no de la calidad), de Oene van Geel con la viola. Un instrumento no demasiado habitual en el jazz, y que aporta una sonoridad magnífica.

Escuchando obras como ésta surgen varias preguntas. La primera de todas es por qué las creaciones por encargo de los festivales no son algo más frecuente en nuestro país. La segunda, por qué es tan difícil encontrar a músicos nacionales que se atrevan a realizar su trabajo partiendo de tradiciones como las que utiliza Jorrit Dijkstra. Y para finalizar, si sería posible que las discográficas nacionales hiciesen un hueco a propuestas como ésta o similares.

Pachi Tapiz

Jorrit Dijkstra: Pillow Circles

Jorrit Dijkstra (saxo alto, lyricon, sintetizador analógico, crackle box), Tony Malaby (saxos tenor y soprano), Jeb Bishop (trombón), Oene van Geel (viola), Paul Pallesen (guitarra, banjo), Raphael Vanoli (guitarra), Jason Roebke (contrabajo, crackle box), Frank Rosaly (batería, percusión, crackle box)

"Pillow Circle 34" (For Henry Threadgill), "Pillow Circle 41" (For Benoit Delbecq), "Pillow Circle 18" (For Fred Frith), "Pillow Circle 55" (For George Lewis), "Pillow Circle 65" (For Rogier Van Otterloo), "Pillow Circle 88" (For Robert Ashley), "Pillow Circle 19" (For Ernie Henry), "Pillow Circle 10" (For Michel Waisvisz), "Pillow Circle 23" (For Jonny Greenwood)
Todos los temas compuestos por Jorrit Dijkstra.

Grabado el 12 de julio de 2009 en PowerSound, Amsterdam. Publicado en 2010 por Clean Feed Records. CD160CD

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18 de febrero de 2010

Free Unfold Trio: Ballades


Ballades. Uno de los discos más breves que he escuchado en bastante tiempo: apenas supera los 28 minutos de duración. Su inicio está lleno de espacios amplios que permiten el transcurrir de las notas tranquilamente, sin prisas. Libre e improvisado, con espacio para que el piano teja sus líneas con gran amplitud, apoyado suavemente por las escobillas o por el trabajo sobre los platos, "Au départ, les oisseaux", muestra una música que no oculta cierta oscuridad en su lirismo. La primera parte de "Seulement l'air" comienza distinta. El contrabajo y los platos toman el mando. Hay algo más de nervio y de intensidad que se contagia al piano, pero sin perder por ello el carácter de balada. Ensoñadora y melódica, a la vez que amplia y oscura, la música que ocupa los cinco minutos de la segunda parte de "Seulement l'air" son un ejemplo magnífico de que son posibles otros acercamientos a una música que si bien en ningún momento renuncia a su carácter libre e improvisado, tampoco renuncia a su forma de entender el género de las baladas.


Pachi Tapiz

Free Unfold Trio - Ballades

Jobic Le Masson (piano), Didier Lasserre (batería), Benjamin Duboc (contrabajo)

1 - 2 "Au départ, les oisseaux puis" 16:09, 3 - 4 "Seulement l'air" 12:31
Toda la música por Benjamin Duboc, Didier Lasserre y Jobic Le Masson

Grabado el 9 de julio de 2009 en Gaël Mevel's, Abbéville-la-Rivière, Francia. Publicado en 2009 por Ayler Records. AYLCD-092

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16 de febrero de 2010

Una conversación entre Monk y Nellie

Monk: It's the High Priest of Bebop talking.
Nellie: (Laughing) Oh, God!
Monk: The one and only Thelonious Monk. The greatest pianist in the world.
Nellie: Who'd you say you were?
Monk: The High Priest of Bebop.
Nellie: And?
Monk: The one and only great musician.
Nellie: And?
Monk: The greatest musician who ever lived.
Nellie: And?
Monk: Huh? How much other shit you want me to be?
Nellie: I don't know, darling, anything you want to be.
Private recording, circa 1961.

Robin D.G. Kelley. Thelonious Monk. The Life and Times of an American Original. Free Press. 2009

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12 de febrero de 2010

Matemáticas y jazz: pararelismos y convergencias (el Carnaval de matemáticas en Tomajazz)

Desde pequeño siempre me han llamado mucho la atención las Matemáticas. Tanto que con poco más de seis o siete años ya tenía claro que quería ser matemático sin saber exactamente para qué, salvo para saber más sobre ese mundo tan enigmático y maravilloso de las Matemáticas. Con la música y visto desde una cierta distancia me ha sucedido algo parecido. Unos años (pocos) más tarde, empecé a sentir una pasión y una afición irremediables por escuchar diferentes propuestas musicales; con poco criterio (no había tenido tiempo de formarlo), mucha curiosidad y sin nadie que me guiase en mis “investigaciones” fui escuchando todo lo que caía en mis manos, que no era mucho todo hay que decirlo. Un poco más tarde y en el momento en que pude hacerlo, empecé a “investigar”, cuyo resultado provocó el Efecto Dominó. Explicado en lenguaje llano, consiste en partir de una propuesta e ir buscando tanto las influencias que hay en sus orígenes como el desarrollo que toma en manos de otros creadores. Una manera muy sencilla y automática de aumentar las propuestas musicales que pasan por los oídos del interesado. Así pues fui pasando por diferentes estadios (eso me parecía a mí en esos momentos, la falta de perspectiva y una gran ingenuidad, sin duda), también conocidos como estilos musicales. De cualquier modo, no tuve que esperar mucho para llegar hasta el Jazz (con mayúsculas, en general) para empezar a satisfacer mis curiosidades, para no aburrirme con propuestas que a pesar de la publicidad de su novedad en muchos casos no eran sino remedos muy vistosos, atractivos y puestos al día de propuestas ya caducas, y para encontrar una música que me permitiera una libertad que no había encontrado hasta el momento en otras músicas. ¿Y qué tiene esto que estoy contando de particular? Todo esto es nada en concreto (una simple experiencia vital) y mucho (lo que me representó este descubrimiento) en general. Creo que no soy el primero que en su trayectoria músico-vital tras ir pasando por esos diferentes estilos y llevado por su curiosidad va a parar al Jazz, sin olvidar tras su llegada los diferentes sitios que le han marcado en el discurrir de su camino.

Una vez en este punto y con la perspectiva que van dando los años, la escucha de múltiples propuestas y sobre todo la curiosidad, me ha llamado mucho siempre la atención (quizás por deformación de formación y profesional), la relación tan directa que aparece entre la Matemática y el Jazz. Quizás sea debido a que mi desconocimiento de otras materias como la antropología no me lleve a asociar los conceptos que los músicos utilizan para titular sus obras con esta rama del saber. Quizás simplemente alguien me debiera explicar algunos conceptos o dar algunas indicaciones. ¡Quién sabe! El hecho ineludible es que conforme voy conociendo diferentes propuestas y avanzo en lo que puedo con mi conocimiento (escaso ante los inmensos campos por recorrer) me encuentro con relaciones quizás más imaginarias que reales (vaya, no lo puedo evitar) entre las Matemáticas y el Jazz.

Quienes me conocen, lo saben. A grandes rasgos y con el peligro que conlleva generalizar, y a sabiendas de que en algunos casos hay propuestas no todo lo honestas desde un punto de vista creativo con lo que sugiere su nombre, soy un gran aficionado a la música engarzada en esa línea que recorren el Free Jazz, el Avant-Garde y desemboca en la Libre Improvisación, si es que se puede llamar Jazz, lo que sería y es motivo de grandes discusiones. Lo cual no supone un problema para mí: es una Música (más allá de etiquetas) que llega a proporcionarme un placer auditivo inmenso y en dónde me encuentro sumamente cómodo. Del mismo modo hay algunas propuestas de la mal llamada Música Clásica Contemporánea que sin ser calificadas como tales por muchos aficionados también me resultan bien interesantes. ¡No se está nada mal, la verdad sea dicha, en esa tierra de nadie en dónde se confunden etiquetas, estilos y formas! Algo que la matemática ha desarrollado de alguna manera en el siglo XX y desde sus posibilidades. Ahí está eso de la lógica difusa, publicitado hasta en electrodomésticos como el sistema “Fuzzy Logic”. Algunos matemáticos lo han entendido bien: no todo es 0 o 1, Verdad o Mentira, Blanco o Negro, Jazz o No Jazz… entre medio hay miles de números, estados, tonalidades y apreciaciones. En muchos casos sólo dependen del punto de vista (subjetivo) del observador, medidor u oyente... o mejor, escuchante.

Pero no es el único paralelismo. Estos estilos que tanto me gustan (y que no son los únicos ya que por fortuna hoy en día se puede tener un relativamente fácil acceso a una gran cantidad de grabaciones de todas las épocas de la historia del Jazz), son en muchos casos ninguneados por una parte de críticos, programadores de festivales, especialistas en la materia y periodistas. Esto me trae a la memoria la figura de Cantor. Un matemático a quien en el siglo XIX se le ocurrió empezar a tratar y desarrollar el concepto del Infinito. A pesar de que en estos momentos se reconozca plenamente su importancia, en su momento su osadía la pagó con el desprecio de algunos matemáticos contemporáneos suyos e incluso con la excomunión, puesto que era una desfachatez tratar con ese concepto del Infinito. Un concepto sólo asimilable a la idea de Dios presente en nuestra y en muchas Culturas. Curioso. Cuántas veces a lo largo de la historia del Jazz los músicos fueron apartados y marginados de la línea principal del Jazz de su tiempo para finalmente ser los que establecieron el camino y el siguiente paso a dar en la evolución de esta música. En el caso de Cantor aparecen curiosos paralelismos con la música a la que me refería. A partir de lo que él desarrolló (relacionado con la teoría de la medida), surgen los fractales; unos monstruos matemáticos (tal y como fueron denominados en su origen) que a partir de un caos aparente muestran un orden interior y unas estructuras absolutamente ordenadas. ¿Quizás como sucede con estos estilos a pesar de su aparente caos y desorden?

Lo cierto es que Cantor es una figura importante para mí. Pensando en él hay un músico que viene a mi cabeza. Es Don (con mayúsculas) Anthony Braxton. Por fortuna para él, en estos momentos es un músico que no es rechazado en absoluto y que tiene ya en vida un lugar ganado desde hace mucho tiempo en el Olimpo de la historia del Jazz. Supongo que su legado y calidad impide que alguien se atreva a cuestionarlo globalmente y de un modo directo. Que no indirectamente. A pesar de su importancia se le suele acusar de ser frío, científico y... matemático. ¿Los motivos? Yo sospecho que por algo tan sencillo como haber creado su lenguaje musical propio y personal y especialmente por utilizar una nomenclatura propia y científica para clasificar sus diferentes ciclos compositivos. Basándose en números y letras uno puede recorrer sus composiciones, a las que añade unos dibujos cual jeroglíficos que ilustran estos títulos. No voy a entrar aquí en explicaciones pormenorizadas sobre su historia y devenir creativos. Sin embargo no puedo más que reírme con una fuerte carcajada cuando escucho estas acusaciones y pienso y recuerdo y rememoro y me deleito y gozo con una composición como es "40B": sin duda mi preferida de Braxton. Dedicada al músico de Hard-Bop Lou Donaldson, se puede escuchar en varias grabaciones. Recomiendo Anthony Braxton Quartet (Dortmund) 1976 con el propio Anthony Braxton a los diversos saxos, David Holland al contrabajo, Barry Altschul a la percusión y George Lewis al trombón. Otra opción es Anthony Braxton Quintet (Basel) 1977 con George Lewis y Anthony Braxton de nuevo más Muhal Richard Abrams al piano, Mark Helias al contrabajo y Charles “Bobo” Shaw a la batería. Antes de decir nada ante los títulos presentes en estas grabaciones (¿acaso no son "40F", "23J", "40(o)", "6c", "69J", "69N/G", "69M" y por supuesto "40B" igualmente acertados que "Song For My Father", "Ellaine", "Whisper Not", "Laura", "My Favourite Things" o "When The Saints Go Marching In" tomadas aisladamente de lo que los títulos y las composiciones en sí pueden sugerir al oyente?) y dejar añadir al lector una opinión acerca del carácter científico de la música gracias a la manera tan taxonómica y organizadamente predefinida de titular los discos (Grupo Lugar Año), que por otra parte permiten conocer algo tan interesante como es qué grupo, en dónde y cuándo grabaron el disco directamente en el título sin la necesidad de buscarlo en los créditos, se recomienda una escucha a este tan caliente tema titulado "40B". Sin embargo para muchos aficionados Braxton da igual lo que haga. Echando un vistazo a su discografía, aparecen desde proyectos que que retoman a los clásicos (el Standards Quartet actual o los proyectos con la música de Charlie Parker o Monk), hasta trabajos con sus concepciones musicales propias en dónde no se distinguen los límites de la improvisación y la composición (como por ejemplo ocurre en sus más recientes proyectos de Ghost Trance Music).

Da igual: para muchos Braxton continúa siendo un compositor frío... un científico de la música... ¡un matemático!, cómo no. Bach (otro músico del que no conozco su obra con profundidad pero que no me parece frío en absoluto) también ha llevado sobre su figura acusaciones de ser científico, frío y... ¡matemático! En este caso por su forma de componer. Fantástico para un gran creador de música religiosa y en concreto de algunas de las versiones de las pasiones de Cristo. Y esto es algo paradójico. En tiempos de los griegos clásicos la música era una parte de la Matemática. De hecho las formas de obtener los diferentes tonos se basaban en la longitud de las cuerdas que por medio de su vibración emitían su correspondiente sonido. Y ahí están sus escalas, con sus estructuras fijas repetidas con algunas variaciones que dentro del Jazz dieron origen al Jazz Modal... ¿Coltrane frío? Un torrente de fuego avasallador, más bien...

Otro aspecto es el gran conocimiento que los músicos de Jazz demuestran sobre las Matemáticas gracias a los títulos de grabaciones, temas... y sellos. Además de Psi Recordings de Evan Parker, una de las mejores definiciones que servidor haya escuchado nunca sobre qué es lo que debe alcanzar el Jazz es la que me dio Seth Rosner, dueño del sello Pi Recordings, explicando el por qué de tan matemático nombre para su sello discográfico. Según él “el número Pi no se acaba nunca, nunca se repite, desmonta lo que ha venido antes y claramente tiene una lógica a pesar del hecho de que no se pueda ver a simple vista. Siento que la Música debiera hacer y hace lo mismo”. Fantástica y acertada explicación.

En cuanto a los músicos, uno que me ha llamado la atención desde que adquirí por primera vez un disco suyo es el trompetista Dave Douglas. Mi encuentro con él no fue algo pacífico sino un verdadero torbellino. Todo a partir de a reseña de un disco, con una formación inusual para mí en esos momentos (trompeta, batería, contrabajo, chelo y violín), atractiva, con dedicatorias a múltiples músicos (Kirk, Zorn) y con un título tan atractivo como Five... un cinco estrellas, por cierto... Y ahí estaban cinco músicos... ¿un número extraño? Como título era perfecto. Cinco músicos, magníficos, desarrollando una música y unas propuestas más magníficas si cabe. Y no es la única referencia matemática en su discografía. De hecho todas las grabaciones con esta formación llevan en su título su carga matemática: Parallel Worlds se titula el primero y Convergence el tercero. Paralelismo y Convergencia. Convergencia por cierto que se supone alcanzaban las líneas paralelas de las hebras del tejido que ilustraban la portada del disco con este título. ¿Una forma en clave de cerrar el ciclo de grabaciones con esta formación? Quién sabe. Y más... Magic Triangle y The Infinite. Triángulos y el Infinito en una obra fuertemente basada en la de Miles Davis... Infinito, Dios, Miles...

No obstante estos conceptos aún con su profundidad en algún caso no presentan ningún aspecto complicado. Quienes si decidieron optar por ello, según dicta la sabiduría popular, fueron el trio formado por Ken Vandermark, Kent Kessler y Hamid Drake, que bajo el nombre de DKV Trio titulaban a uno de sus discos Trigonometry. La relación entre los ángulos y lados de un triángulo. ¡Justo lo que debe existir en un ideal trío de Jazz!

Pero los hay más complicados. ¿Saben ustedes lo que son los números amigos? Dos números son amigos si la suma de sus distintos divisores es igual para ambos. Un concepto conocido desde la antigüedad, y objeto de investigaciones (más bien entretenimiento de la curiosidad) para comprobar qué parejas de números presentan tal propiedad. Pues bien, el saxofonista británico John Butcher decidió titular su primera grabación a solo 13 números amigos. Si en los centros de investigación las computadoras trabajan día y noche para poder determinar unos pocos cientos de pares de números con esta característica, este gran saxofonista en esta obra nos mostraba 13 de ellos. Algo sin duda merecedor de una atenta escucha.

De cualquier modo, no todos los músicos son tan depurados matemáticos. Algunos presentan fallos por desgracia frecuentes en la educación actual. Sin ir más lejos a otro saxofonista británico, Evan Parker, no se le ocurrió otra cosa que titular a un disco y formación con un acertadamente desacertado 2X3=5. Se recomienda igualmente su búsqueda y escucha. Y es que no es sino en el error en donde se encuentra el acierto.

Algo que ha sabido trabajar también la matemática moderna y que también tengo presente habitualmente en las escuchas de las grabaciones. ¿No hay nadie entre los presentes que en un momento y ante la escucha de una determinada obra haya quedado indiferente o la haya quitado del correspondiente reproductor para en la reescucha en diferentes condiciones anímicas y ambientales quedar enganchado por el calor de la otrora fría obra? Quizás es también aprender la lección sobre la relatividad de las apreciaciones y los sentimientos. Algo de lo que se acusa a las Matemáticas y a alguna Música y que no debieran sino hacernos reflexionar sobre las lecciones que podemos extraer de diferentes ramas del conocimiento y de nuestras propias sensaciones.


Pachi Tapiz


Publicado con motivo de la primera edición del Carnaval de Matemáticas


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11 de febrero de 2010

Hamid Drake & Bindu: Reggaeology


Efectivamente, el nombre no engaña. Hamid Drake, en la tercera entrega a nombre del colectivo Bindu, ha publicado un disco de reggae, que a su vez es un disco de jazz, y que posiblemente para algunos puristas no se quede ni en un terreno ni en otro. Lo cual, visto de otra manera, podría no ser otra cosa que transitar por el camino de la Great Black Music. En definitiva, no hay ningún problema con esta propuesta. En absoluto. Si de algo puede presumir Hamid Drake es de su tremenda versatilidad polirrítmica, gracias a la cual es un batería requerido para multitud de proyectos: no hay más que echar un vistazo tanto a su discografía, como a los grupos en los que ha participado como sideman



En esta ocasión Bindu se reencarna con una formación en la que participan primeros pesos de la escena de Chicago: Jeff Parker, Jeb Bishop y Josh Abrams son tres de ellos. Y aunque lo suyo es caminar con ritmos reggae, no hay más que observar las duraciones para caer en la cuenta que allí hay mucho espacio para unas improvisaciones en las que prima el carácter melódico: "Kali's Children No Cry", la joya del disco con una sucesión de solos soberbios, dura casi veinte minutos. En manos de unos músicos de primera y con suficiente tiempo para realizar la grabación (tres días en el estudio), el resultado es una pequeña fiesta y una magnífica constatación, una más, de que en esto del jazz más importante que la materia prima de la que se parte, lo son el papel de los músicos y las ideas con que pueden enriquecer ese material básico. Y ya comenzamos con uno de esos CD candidato a disco del año. Lástima que doce meses sean tan largos y al final prime la proximidad en el tiempo sobre los posos que quedan en la memoria.

Pachi Tapiz

Hamid Drake & Bindu: Reggaeology

Hamid Drake (batería, panderos, tabla, voz), Napoléon Maddox (voz, beatbox), Jeff Parker (guitarra), Jeff Albert (trombón, órgano Hammond), Jeb Bishop (trombón), Josh Abrams (contrabajo, guembri)

"Kali's Children No Cry" (19:23) (H. Drake), "Hymn of Solidarity" (7:25) (Drake, Maddox, Parker, Albert, Bishop, Abrams), "Kali Dub" (7:12) (Drake, Maddox, Parker, Albert, Bishop, Abrams), "The Taste of Radha's Love" (9:52)  (Drake, Maddox, Parker, Albert, Bishop, Abrams), "Togetherness (7:07)" (Drake, Maddox, Parker, Albert, Bishop, Abrams), "Meeting and Parting" (13:07) (H. Drake), "Take Us Home" (4:03) (H. Drake)

Grabado entre el 6 y el 8 de mayo de 2009 en Soma Electronic Studios (Chicago, Illinois, USA), salvo "Take Us Home", grabada el 28 de julio de 2009 en The Sape Shoppe Studio (Chicago, Illinois, USA). Publicado en 2010 por RogueArt. ROG-0021

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28 de septiembre de 2009

The Ed Palermo Big Band: Eddy Loves Frank

Ed Palermo lleva desde 1994 recreando el legado de Frank Zappa con su big band. Son más de doscientos temas del genial guitarrista y compositor, fallecido en 1993, los que ha arreglado este saxofonista. En 2009 Cuneiform Records ha publicado Eddy Loves Frank, la tercera entrega a nombre de su big band, tras Plays The Music Of Frank Zappa (1997, Astor Place), y Take Your Clothes Off When You Dance (Cuneiform, 2006).

Salvo "America The Beautiful", dedicado a su padre que fue combatiente en la Segunda Guerra Mundial, los otros siete temas pertenecen al legado de Zappa. Palermo va más allá de la pura imitación de los originales y los lleva a los terrenos de las big band de jazz. En la mutación se conservan esas múltiples melodías que integraban los temas originales, algo típicamente zappiano, pero sacándoles brillo gracias a unos arreglos que como mínimo pueden calificarse como brillantes. Así quedan momento magníficos, como los casi diez minutos de "Echidna's Arf (Of You)" (con su toque blues incluido y esas melodías que uno desearía siguieran ad infinitum, pero que son interseccionadas por nuevas melodía), "What's New in Baltimore" o "Let's Move to Cleveland".

Zappa goes to jazz... and it smells/sounds funny
.

Pachi Tapiz

The Ed Palermo Big Band - Eddy Loves Frank

Ed Palermo (saxo alto, líder y arreglista), Cliff Lyons (saxo alto y clarinete), Phil Chester (saxo alto, flauta, piccolo y saxo soprano), Bill Straub (saxo tenor y clarinete), Ben Kono (saxo tenor, flauta y oboe), Barbara Cifelli (saxo barítono, clarinete y clarinete bajo), Charles Gordon (trombón), Joe Fiedler (trombón), Matt Ingman (trombón bajo), Ronnie Buttacavoli (trompeta), John Hines (trompeta), Steve Jankowski (trompeta), Steven Jankowski (trompeta), Bob Quaranta (piano), Ted Kooshian (Kurzweil), Pual Adamy (bajo eléctrico), Ray Marchica (batería).
Invitados: John Palermo (mandolina y guitarra en "What's New in Baltimore", "Echidna's Arf" y "Regyptian Strut"), Veronica Martell (voz en "America The Beautiful") y Rob Paparozzi (armónica en "Let's Move to Cleveland").

"Night School", "Echidna's Arf (Of You)", "Regyptian Strut", "Don't You Ever Wash That Thing?", "Dupree's Paradise", "What's New In Baltimore", "Let's Move To Cleveland", "America The Beautiful" (S.Ward - K.Bates).
Todos los temas por Frank Zappa salvo el indicado.

Grabado en Jankland Recording, Wall Township, New Jersey. Publicado en 2009 por Cuneiform Records. Rune 285.

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25 de septiembre de 2009

Boris Vian: sobre los juicios

"En la vida, lo esencial es formular juicios a priori sobre todas las cosas. En efecto, parece ser que las masas están equivocadas y que los individuos tienen siempre razón. Es menester guardarse de deducir de esto normas de conducta: no tienen por qué ser formuladas para ser observadas. En realidad, sólo existen dos cosas importantes: el amor, en todas sus formas, con mujeres hermosas, y la música de Nueva Orleans o de Duke Ellington. Todo lo demás debería desaparecer porque lo demás es feo, y toda la fuerza de las páginas de demostración que siguen procede del hecho de que la historia es enteramente verdadera, ya que me la he inventado yo de cabo a rabo. Su realización material propiamente dicha consiste, en esencia, en una proyección de la realidad, en una atmósfera oblicua y recalentada, sobre un plano de referencia irregularmente ondulado y que presenta una distorsión.
Como puede verse, es un procedimiento confesable donde los haya.

Nueva Orleans, 10 de marzo de 1946"

Boris Vian. Prefacio de La espuma de los días.

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24 de septiembre de 2009

Carl Maguire's Floriculture - Sided Silver Solid

Sided Silver Solid es la segunda entrega de Floriculture, el grupo del pianista Carl Maguire, tras publicar en 2006 en el exquisito sello alemán Between The Lines el disco cuyo título da nombre al grupo. En esta entrega de 2009 aparecen como novedad en la formación la violista Stephanie Griffin y el soplador (saxo alto, clarinete y clarinete bajo) Oscar Noriega, así como el contrabajista John Hébert(un músico que aparece en todas y cada una de las últimas grabaciones de Firehouse 12) que sustituye a Trevor Dunn, permaneciendo únicamente Maguire y el batería Dan Weiss.

Maguire utiliza este quinteto como un complejo instrumento con el que mostrar sus composiciones, en las que en más de un momento parece difícil distinguir las partes escritas de las improvisaciones del grupo o de parte de él. Estos temas presentan una escritura compleja, con unas partes llenas de unos obligados exigentes, que conviven con otras en las que en más de una ocasión el instrumento más insospechado sirve para exponer una melodía que sirve de columnas vertebral del tema, mientras que el resto de compañeros trabajan (improvisando o no, conjuntamente o no) con la música en distintos planos simultáneos. El resultado es complejo, variado y rico, pero a la vez resulta fresco, inmediato y estimulante. Un gran disco en definitiva.

Pachi Tapiz

Carl Maguire's Floriculture Sided Silver Solid

Stephanie Griffin (viola), Oscar Noriega (clarinete, clarinete bajo y saxo alto), Carl Maguire (piano, Fender Rhodes), John Hébert (contrabajo), Dan Weiss (batería)

"Rope/Rim...", "Modern Enunciator", "Phoenicia & Cordelia", "Basic Botany", "Sensation Whereby Space", "Sex Cog", "...Rope/Rim"
Todos los temas compuestos por Carl Maguire

Firehouse 12 Records. FH12-04-01-009
Grabado el 27 y 28 de agosto de 2008 en Firehouse 12, New Haven, Connecticut.

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23 de septiembre de 2009

Bill Frisell - Disfarmer

Pocas novedades en el nuevo disco de Bill Frisell. El guitarrista norteamericano lleva ya muchos años trabajando sobre lo que quizás alguien podría denominar americana. De hecho lo lleva haciendo desde bastante antes de que ese término fuese inventado. Disfarmer, cuya música fue compuesta por encargo del Wexner Center for the Arts en Columbus (Ohio) y The Walker Arts Center (Minneapolis) discurre con un tono tranquilo. Frisell, Greg Leiz, Jenny Scheinman y Victor Krauss son cuatro músicos magníficos que se dedican a ejecutar unas melodías preciosas. Salvo las versiones de "I Can't Help..." (Hank Williams), "Lovesick Blues" y "That's Alright Mama..." (popularizada por Elvis Presley), y un tema compuesto por el cuarteto ("Shutter, Dream"), los veinte temas restantes son obra de Frisell.

Disfarmer es posible que no muestre demasiadas novedades en el universo creativo y sonoro de Bill Frisell, aunque con discos y músicas así, ¿quién las necesita?

Pachi Tapiz

Bill Frisell - Disfarmer

Bill Frisell (guitarras eléctricas y acústicas, loops, cajas de música), Greg Leiz (steel guitars, mandolina), Jenny Scheinman (violín), Viktor Krauss (contrabajo)

'Disfarmer Theme'; 'Lonely Man'; 'Lost, Night'; 'Farmer'; 'Focus'; 'Peter Miller's Discovery'; 'That's Alright, Mama'; 'Little Girl'; 'Little Boy'; 'No One Gets In'; 'Lovesick Blues'; 'I Can't Help It (If I'm Still in Love with You)'; 'Shutter, Dream'; 'Exposed'; 'The Wizard'; 'Think'; 'Drink'; 'Play'; 'I Am Not a Farmer'; 'Small Town'; 'Arkansas (Part 1)'; 'Arkansas (Part 2)'; 'Arkansas (Part 3)'; 'Lost Again, Dark'; 'Natural Light'; 'Did You See Him?'
Todos los temas por Bill Frisell, salvo “That's Alright, Mama” por Arthur Crudup, “Lovesick Blues” por Cliff Friend y Irving Mills, “I Can’t Help It (If I’m Still In Love With You)” por Hank Williams Sr., “Shutter, Dream” por Bill Frisell, Greg Leisz, Jenny Scheinman y Viktor Krauss. "Arkansas” está basada en “Arkansas Traveler” de Colonel Sanford C. "Sandy" Faulkner.

Grabado en Avast Studio (Seattle) en febrero de 2008 y Sound Emporium (Nashville) en mayo de 2008. Publicado por Nonesuch en 2009. Nonesuch 075597993080.

Más sobre Bill Frisell:
Bill Frisell - History, Mistery

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22 de septiembre de 2009

Una gran mañana, tarde o noche con Ellery Eskelin, Andrea Parkins y Jim Black

El otro día, intercambiando unos emails por otros motivos, le pregunté a Orusho Blancoponte si le gusta la música que hace Ellery Eskelin, a lo que me respondió: "es un tipo fuera de serie. De todos modos, entiendo que haya gente que se mueve más o menos en lo de la improvisación libre y que no les guste. Creo que lo que hace Eskelin 'es' jazz. O sea, es jazz del cambio del siglo XX al XXI, ni más ni menos." No puedo estar más de acuerdo. Y según esos parámetros es por donde se mueve su última grabación en hatOlogy, sello al que vuelve con su trío de siempre tras editar su anterior grabación con esta formación, el doble CD Quiet Music, en Prime Source.

En esta ocasión la grabación fue realizada en directo en diciembre de 2007. El repertorio, como suele ser habitual en las últimas grabaciones del trío, estuvo formado por una mayoría de composiciones de Eskelin, que en este caso lo fueron todas. La principal novedad fue que ninguno de estos temas era una nueva composición, sino que todos ellos ya habían aparecido en discos anteriores. "The Decider" lo hizo en Renewal (David Liebman & Ellery Eskelin; hatOlogy); "For No Good Reason" y "Half A Chance" en Arcanum Moderne (Ellery Eskelin with Andrea Parkins & Jim Black; hatOlogy); "Coordinator Universal Time", "Split The Difference", "Instant Counterpoint", "I Should Have Known" en Quiet Music (Ellery Eskelin; Prime Source). Y todo esto, ¿con qué motivo?: ¿la rutina de muchos años juntos, quizás? ¿Una gira de grandes éxitos? ¿Un vivir de las rentas? Ni mucho menos, sino todo lo contrario. Que los años que llevan juntos son muchos es un hecho. Que la gira no fue de grandes éxitos, lo demuestra de algún modo la idea inicial de Eskelin de que los conciertos hubiesen constado de improvisaciones libres por parte del trío. En cuanto a vivir de las rentas... no hay más que escuchar la música. Ese jazz de primera es desarrollado por un trío de lujo, en el que los tres siguen (o no) las ideas que van surgiendo por el camino. De ese modo la música es bastante más que una alternancia de exposiciones de los temas con los correspondientes solos, convirtiéndose en un diálogo a tres bandas y lleno de ideas; con el envoltorio de unas composiciones, pero rellenos de una libertad total.

Es bien cierto que son ya muchos los años que este trío lleva junto y en activo. Pero también lo es que su proyecto da la impresión de estar más vivo que nunca. No hay más que escuchar lo que sucedió en esa gran noche.

Pachi Tapiz

Ellery Eskelin with Andrea Parkins and Jim Black - One Great Night... Live

Ellery Eskelin (saxo tenor), Andrea Parkins (acordeón, piano eléctrico, órgano, laptop sampler y grand piano), Jim Black (batería y percusión)

"The Decider", "For No Good Reason", "Coordinator Universal Time", "Split The Difference", "Instant Counterpoint", "I Should Have Known", "Half A Chance"

Todos los temas compuestos por Ellery Eskelin.

Grabado en directo el 9 de diciembre de 2007 en Towson University, Baltimore, Maryland, Estados Unidos. Publicado en 2009 por HatOlogy. hatOLOGY 683

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15 de septiembre de 2009

Byzantine Monkey: el estreno como líder de John Hébert

El contrabajista John Hébert no es precisamente un recién llegado a esto del jazz, aunque su nombre quizás no sea muy conocido. Por poner algunos ejemplos, se puede contar que acompañó a Andrew Hill tanto en su último disco Time Lines como en directo en la parte final de su carrera. El pasado año fue un tercio del grupo que grabó el fantástico Dragon's Head (http://www.tomajazz.com/bun/2009/03/con-menos-de-30-anos-la-guitarrista.html) a nombre de la guitarrista Mary Halvorson. También tiene publicado en HatOlogy el dúo Line Up (http://www.tomajazz.com/bun/2009/02/dos-discos-de-russ-lossing.html) junto al pianista Russ Lossing.

A pesar de ello y de ser un contrabajista muy solicitado, no ha sido hasta 2009 cuando se ha estrenado como líder. Firehouse 12 ha publicado Byzantine Monkey, en el que hallamos a John Hébert al frente de su sexteto. El contrabajista es el responsable de todos los temas, salvo el tradicional "La Reine de la Salle" y el breve "Fez II", compuesto a medias con el percusionista Satoshi Takeishi. Entre sus composiciones abundan los tiempos medios y las baladas, lo que hace que en el CD impere un ambiente tranquilo e incluso solemne, aunque también hay momentos curiosos, como un solo de saxo con claras querencias aylerianas en el tema tradicional citado anteriormente. Uno de los aspectos más destacables es la formación de su sexteto, no demasiado habitual, en la que se incluyen dos saxos (Tony Malaby y Michäel Attias), clarinete bajo y flauta (Adam Kokler), batería más percusión (Nasheet Waits y Satoshi Takeishi), así como el titular al contrabajo. A pesar de la complicación a priori que supone trabajar con tres vientos y dos percusionistas, los temas aparecen expuestos de tal modo que durante la mayor parte del tiempo no todos los instrumentistas intervienen simultáneamente, lo que permite que cada uno de ellos tenga espacio para que se escuche su voz, a la vez que proporciona una gran variedad de combinaciones sonoras. Como no podría ser de otro modo, los músicos tienen la oportunidad para sus correspondientes solos, de hecho la formación es de altos vuelos, lo que no impide que la música aparezca llena de detalles. Tal es así, que en muchos momentos es tan interesante centrar la atención en el trabajo de los solistas, como en el que los acompañantes llevan a cabo en un segundo plano.

Sin llegar a ser una obra maestra, Byzantine Monkey es uno de los mejores estrenos de lo que llevamos de 2009. Un disco que sin duda hará que quien no lo haya hecho todavía, fije su atención en el trabajo de este magnífico contrabajista.

Pachi Tapiz

John Hébert - Byzantine Monkey
John Hébert (contrabajo), Tony Malaby (saxos tenor y soprano), Michaël Attias (saxos alto y barítono), Nasheet Waits (batería), Satoshi Takeishi (percusión), Adam Kolker (flautas y clarinete bajo)
"La Reine de la Salle", "Acrid Landscape", "Run for the Hills", "Blind Pig", "Ciao Monkey", "Cajun Christmas", "Fez", "For A.H.", "Fez II", "New Belly"
Todos los temas por John Hébert, salvo "La Reine de la Salle" (tradicional) y "Fez II" (Hébert - Takeishi)
Grabado el 27 y el 28 de mayo de 2008 en System Two Recording Studios, Nueva York. Publicado en 2009 por Firehouse 12. FH12-04-01-01

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10 de septiembre de 2009

Eyal Maoz: de guitarristas, jazz, rock y música judía

El guitarrista israelí Eyal Maoz ha publicado dos CD en lo que llevamos de 2009. Poseedor de un "virtuosismo" sumamente versátil estilísticamente hablando y que recuerda poderosamente al de un genio de la guitarra como Marc Ribot, Maoz demuestra en estas dos grabaciones tener un enorme potencial como guitarrista. Tanto es así, que no resulta nada extraño que John Zorn le haya publicado ya un par de discos en Tzadik (el segundo uno de los comentados aquí, el fabuloso Hope and Destruction), o que haya contado con él para las últimas encarnaciones en directo de su proyecto Cobra.

Esas dos referencias son muy distintas entre sí. Elementary Dialogues (Ayler Records, disponible únicamente en descarga directa) es su segundo disco a dúo con el batería Asaf Sirkis, con quien le une una amistad que se remonta hasta su infancia. Maoz es el autor de todos los temas, salvo uno que está compuesto por Sirkis. A lo largo de las 11 composiciones ambos músicos trabajan dialogando sin descanso, llenando de sonidos casi todo el espacio de que disponen y ofreciendo una música que está llena de una energía que no decae, salvo en los temas finales en los que aunque el grupo baja la intensidad, logra mantener la atención del oyente.

Hope and Destruction, publicado en la Radical Jewish Series de Tzadik es muy diferente del anterior. Grabado por un cuarteto en el que está el magnífico teclista Brian Marsella, y una rítmica de lujo compuesta por Shanir Ezra Blumenkranz (que produce el disco) y Yuval Lion, estaría más próximo al concepto de un disco de rock que a uno de jazz, lo cual no supone ningún tipo de problema, sino todo lo contrario: no hay más que recordar proyectos como el Ceramic Dog Trio (con grabación en Pi Recordings) de Marc Ribot. En esta obra está presente de un modo más que evidente la influencia de la música judía en las composiciones de Maoz. Pegadizas y contagiosas, éstas son ejecutadas por un cuarteto que funciona a la perfección. Los solos de Maoz y Marsella aparecen perfectamente sostenidos por la rítmica de Blumenkranz y Lion. Las diez composiciones, todas ellas de Maoz, recorren un amplio abanico de estilos que desde esa visión personal que ofrece este grupo, van desde el metal progresivo a la música country pasando por momentos que podrían estar firmados por alguna gran banda de rock en un estilo clásico que retrotrae a los años 60. El resultado es un buen puñado de grandes temas, en uno de los discos más divertidos y adictivos, ¿qué importan las etiquetas?, que he escuchado en lo que llevamos de 2009.

Habrá que estar atento a la evolución de Eyal Maoz, y rezar para poder verlo en directo. ¿Alguien se anima a traerlo por estos lares?

Pachi Tapiz
Fotografía de Eyal Maoz: © Peter Gannushkin


Eyal Maoz's Edom - Hope and Destruction

Eyal Maoz (guitarra), Brian Marsella (teclados), Shanir Ezra Blumenkranz (bajo), Yuval Lion (batería)

"Somewhere", "Tsi", "Rocks", "Messenger", "Slight sun", "Shuki", "Eagle", "Shell", "King", "Skies", "Two", "Down"
Todos los temas compuestos por Eyal Maoz.

Publicado en 2009 por Tzadik. Radical Jewish Series. TZA-CD-8147

Asaf Sirkis - Eyal Maoz - Elementary Dialogs

Eyal Maoz (guitarra), Asaf Sirkis (batería)

"Reggae" (3:49), "Foglah" (3:25), "Sparse" (6:19), "Strip" (5:34), "Duo" (3:08), "Kashmir" (4:16), "OK" (6:30), "Hole" (5:47), "Miniature" (3:57), "Esta" (4:40), "Shadows" (2:07)
Todos los temas compuestos por Eyal Maoz, salvo "Miniature" por Asaf Sirkis.

Grabado en Eastcote Studios, Londres, en enero de 2006. Publicado en 2009 por Ayler Records. AYLDL-104

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9 de septiembre de 2009

Gilad Atzmon: In Loving Memory Of America

El judío israelita autoexiliado en Londres Gilad Atzmon no sólo es un fan acérrimo de Charlie Parker, sino un defensor a ultranza del valor de la música per se. En su nueva grabación, In Loving Memory Of America, retoma parte de los postulados que planteaba en musiK. Re-arranging The 20th Century (Enja Records 2004). Acompañado por sus compañeros habituales Frank Harrison (piano y fender), Yaron Stavi (contrabajo) y Asaf Sirkis (percusión), a los que añade el The Sigamos String Quartet, recupera unos cuantos clásicos del jazz que en algunos casos Parker ya había llevado en la década de los cincuenta al terreno del jazz con sección de cuerdas(“Everything Happens To Me”, “If I Should Lose You”, “What Is This Thing Called Love”, “I Didn’t Konw What Time It Was”, “April In Paris”), e incorpora a este formato algunos temas propios aparecidos en grabaciones anteriores (“musiK”, “Tutu Tango”, “In The Small Hours”). Sin caer en el sentimentalismo vacío de intentar unas versiones que sólo busquen imitar a los originales, los arreglos sacan lo mejor de estas composiciones, e incluso en “What Is This Thing Called Love” le dan un toque actual. El saxofonista, no obstante, no desaprovecha la oportunidad para recordar en los dos últimos temas del disco que el jazz es una música de fusiones interculturales (en “In Loving Memory Of America”) y llevar esta idea a su tierra natal de Israel – Palestina en “Refuge”: Gilad Atzmon o el compromiso (no sólo estético, sino también político y cultural), en la música.

Pachi Tapiz

Gilad Atzmon - In Loving Memory Of America

Gilad Atzmon (saxos alto y soprano, clarinete), Frank Harrison (piano y Fender Rhodes), Yaron Stavi (contrabajo), Asaf Sirkis (batería),
Sigamos String Quintet: Ros Stephen (violín), Emil Chakalov (violín), Rachel Robson (viola), Daisy Vatalaro (violonchelo).

“Everything Happens To Me” (Matt Dennis – Tom Adair), “If I Should Lose You” (Ralph Rainger – Leo Robin), ”musiK”, “What Is This Thing Called Love” (Cole Porter), “Call Me Stupid, Ungrateful, Vicious & Insatiable”, “I Didn’t Know What Love Is” (Richard Rogers – Lorenz Hart), “In The Small Hours”, “Tutu Tango”, “April In Paris” (Victor Young – Yip Harburg), “In Loving Memory Of America”, “Refuge”.
Todos los temas por Gilad Atzmon, salvo los indicados.

Grabado el 26 y el 27 de agosto de 2008 en Eastcote Studio, Londres. Publicado en 2009 por Enja Tip Toe. TIP 888 850 2

Una versión inicial de la reseña apareció en el número 11 de la revista Ritmos del Mundo (julio - agosto de 2009)

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8 de septiembre de 2009

Maya Homburger - Barry Guy - Pierre Favre: Dakryon

"Llevábamos tiempo haciendo ese tipo de programas mixtos, así que fue fácil dar con el concepto del CD. Mi idea era contar con un percusionista como Pierre Favre, porque me encantan los colores que aporta y además ya habíamos tocado algunas veces con él. Todo sucedió de un modo natural."

Maya Homburger sobre Dakryon.


Maya Homburger - Barry Guy with Guest Pierre Favre - Dakryon

Maya Homburger (violín barroco), Barry Guy (contrabajo), Pierre Favre (percusión)

"Veni Creator Spiritus" (Hymn; percusión, violín y contrabajo), "Passacaglia (H.I.F. Biber 1644-1704; violín), "Inachis" (Barry Guy; violín y contrabajo), "Dakryon" (Barry Guy; violín, contrabajo, percusión y sonidos pregrabados), "Sonata Seconda" (Dario Castello, siglo XVII; violín y contrabajo), "Crucifixion" (X Sonata del Rosario - Mystery Sonata X) (H.I.F. Biber - 1704; violín y contrabajo), "Ember" (Pierre Favre; percusión)

Grabado entre el 24 y el 27 de enero de 2004 en Radio Studio Zurich. Publicado en 2005 por Maya Recordings. MCD0501.

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7 de septiembre de 2009

Joachim Kühn - Majid Bekkas - Ramón López: Out Of The Desert

Con motivo de su 64 cumpleaños el pianista Joachim Kühn se dedicó a recorrer durante un mes el desierto del Sahara en compañía de Majid Bekkas y Ramón López, con quienes ya había grabado Kalimba (ACT) en 2006. Con el objetivo de profundizar en el conocimiento de la música gnawa, a lo largo de este viaje Kühn y sus compañeros se dedicaron a hacer lo que mejor saben: tocar. Y qué mejor que hacerlo con grupos de músicos norteafricanos.

Out Of The Desert es la fusión de las historias musicales de cada uno de estos tres maestros con la tradición de los habitantes del desierto. De este modo se escuchan el piano, instrumento en el que Kühn es un maestro consumado, la batería, percusiones y tablas de López, y la voz, el guembri y la kalimba de Bekkas junto a las voces e instrumentos como el djembe, karkabou, tamm o derbouka de músicos bereberes, marroquís y de Benin.

Sin imposiciones, la música surge con una naturalidad asombrosa. Ésta deja que en sus insterticios se imbriquen todos los músicos, logrando un todo musical de primer orden en el que beben directamente del free jazz ("One, Two, Free"), del particular blues de Bekkas ("Foulani"), por momentos de la clásica ("Chadiye"), y por supuesto de la tradición. El resultado está por momentos cercano a las músicas de trance y resulta sumamente adictivo.

Si con Kalimba el trío logró uno de los mejores discos de 2007, Out Of The Desert lo supera, logrando una obra imprescindible. Ni más ni menos que uno de esos discos candidatos a mejor grabación de 2009.

Pachi Tapiz

Ilustración: "Las manos de Ramón" © Pachi Tapiz, 2009.

Joachim Kühn – Majid Bekkas – Ramón López - Out Of The Desert
Joachim Kühn (piano, saxo alto en “One, Two, Free”), Majid Bekkas (voz, guembri, kalimba en “One, Two, Free”, molo en “Chadiye”) y Ramón López (batería y tablas en “One, Two, Free”)
Músicos invitados:
The Gnawamusicians from Sale (Marruecos) en “Foulani”, “Transmitting”, “Sandia”: Abdelfettah Houssaini (djembe), Abdessadek Bounhar (karkabou, voz), Rachid El Fadili (karkabou, voz).
Koussai Bessan Joseph (talking drum, percusión, voz) en “One, Two, Free”, “Chadiye”.
Musicians form the Source Bleue des Meski en “Seawalk”: Mouloud Amrini El-Meskaoui, Mouloud Laamirni El-Meskaoui, Hittouri el Uqzzani, Hmad ait Ibrahim, Aamirni er Houcin: djembe, conga, tamm, derbouka.

“Foulani” (Majid Bekkas), “Transmitting” (Joachim Kühn), “One, Two, Free” (Joachim Kühn), “Sandia” (Majid Bekkas), “Seawalk” (Joachim Kühn), “Chadiye” (Majid Bekkas)

Grabado en marzo de 2008. Publicado en 2009 por ACT ACT 9475-2. Distribuido por Karonte.

Una versión inicial de la reseña apareció en el número 11 de la revista Ritmos del Mundo (julio - agosto de 2009)

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