Revolutionary Ensemble - The Psyche
Comentario: En tiempos de relativa crisis
creativa, la disminución de proyectos musicales que realmente
consigan abrir caminos o de otros que, sin ser estéticamente
tan atrevidos, tengan la capacidad de alcanzar un quantum mínimo
suficiente para sacar al oyente del letargo al que se ve irremediablemente
condenado la industria discográfica tiene por costumbre, en un
proceso habitual, echar mano del recurso de rebuscar en los sótanos,
desempolvar archivos o reeditar supuestas “obras maestras” del pasado,
muchas de ellas obscenas, en el sentido de que revelan hoy lo que antaño
ni siquiera deberían haber mostrado.
Sin embargo, hay otras iniciativas que merecen un aplauso efusivo por
sacar a la luz grabaciones que se perdieron en el tiempo: en unos casos
porque el público, por la razón que fuera, no respondió
a ellas en términos de ventas; en otros, porque las ediciones,
ya de por sí tan limitadas, se agotaron rápidamente y
no fueron objeto de reedición.
Fue esta última la fatalidad que le sucedió al disco The
Psyche del Revolutionary Ensemble, nombre
de un trío formado en Nueva York a finales de los años
sesenta, en una época en la que la revolución estaba a
la orden del día en ambas orillas del Atlántico. En Estados
Unidos se vivían tiempos de militancia contra la guerra del Vietnam,
de lucha por los derechos civiles de los negros y, en lo que respecta
a la música, se estaba en plena revolución del jazz, con
epicentro en Nueva York.
En Manhattan, a partir de aquel caldo de cultivo político y social
en permanente ebullición, irrumpió el exaltante nuevo
jazz, o free jazz, que sentó las bases estéticas de un
movimiento cuya vigencia llega hasta nuestros días, renovado
y reinventado. Pero en aquellos momentos, la música era diferente,
el vigor militante y las novedades se sucedían cada vez que caía
una hoja del calendario. Ayler y Coltrane
todavía no eran historia, Taylor diseñaba
nuevas formas abstractas y Ornette, llegado del interior
de la América profunda, había cambiado la faz del jazz
hacía una década.
Era la época de los lofts, centros creativos donde nacieron y
se impusieron muchos de los nombres que marcaron el joven jazz tal y
como lo conocemos hoy, aunque aquel período de la historia sea
uno de los menos documentados, ya que raras fueron las oportunidades
ofrecidas a los músicos alejados de las corrientes que más
se ajustaban a los gustos del público.
En aquella época, en la que la fusión y el neobop marcaban
la pauta, era sumamente difícil para los artistas de otras modalidades
poder seguir su camino, por falta de oportunidades para tocar y grabar.
No tenían otra posibilidad salvo tratar de sobrevivir y luchar
contra la adversidad, organizándose bajo diversas formas cooperativas.
En esa situación se encontraban Leroy Jenkins,
Sirone y Jerome Cooper. El primero
procedía de Chicago, tierra de la Association for the
Advancement of Creative Musicians (AACM), espacio de creación
por excelencia. Imbuido por ese espíritu, Jenkins
se llevó a la Gran Manzana, con el violín bajo el brazo
y en el corazón, un proyecto de creación musical espontánea.
Para darle forma necesitaba dos colaboradores de altura, cualidad que
reconoció en el contrabajista Sirone y en el
pianista y batería Jerome Cooper. De este modo,
se fundó la que sería reconocida como una de las formaciones
legendarias del nuevo jazz neoyorquino. Hasta 1978, año en el
que el trío se deshizo, grabaron seis discos, agotados desde
hace mucho tiempo y publicados por su propia discográfica (RE
Records), creada para permitir a los artistas controlar la calidad del
producto final.
El cedé que el sello Mutable Music saca ahora a la luz es algo
serio, no sólo en la discografía de este trío tan
notable como desconocido, sino en la música improvisada de la
segunda mitad del siglo XX. Escuchado hoy, después de que la
Tierra haya dado casi 30 giros alrededor del sol, esta obra demuestra
haber envejecido muy bien, sin perder su energía natural, revelando
una sorprendente maduración que, en aquella época, debió
sonar como una rabiosa revolución musical.
The Psyche captó muy bien el espíritu
del free jazz de aquellos agitados tiempos de 1975. Formalmente, se
desarrolla en tres piezas de estructura mínima, que los músicos
exponen en largos pasajes conjuntos, en trío, en dúo o
en solitario. La primera composición, de 26 minutos, (“Invasion”),
corresponde a la cara A del LP original. Tras una breve introducción
de tipo ”llamamiento a los fieles”, avanza en la exploración
intensa de una variada gama de tonalidades y texturas orgánicas,
en progresión rápida y swingueante, melodía que
libera al violín para realizar una serie de fantásticos
solos, siempre apoyados por la poderosa marcha “eléctrica” de
Sirone, combinada con la percusión en pulso
libre de Jerome Cooper. Sigue una turbulenta intervención
de piano free de Cooper, instrumento al que aplica
la misma garra percusiva que a las pieles y platillos.
La segunda pieza es otra piedra preciosa en la joya musical que es The
Psyche. “Human”, compuesta por Sirone,
es un instante de profunda reflexión filosófico-musical,
con un lugar destacado para el trabajo de las cuerdas que, en un determinado
momento evolucionan desde una base sombría y meditativa a un
lugar luminoso, inducido por la improvisación llena de energía
del trío.
Cierra el disco “Collegno”, que vuelve a poner rumbo a los
caminos de la trepidante improvisación colectiva que convirtieron
al Revolutionary Ensemble en uno de los nombres más
innovadores de la música improvisada de todos los tiempos, cuyo
trabajo pasa ahora a estar al alcance de la mano del público
en general. ¡Es un momento feliz!
Otra gran noticia, junto con la loable reedición del disco, es
que el Revolutionary Ensemble va a reunirse para una
aparición en directo en el Vision Festival de este año,
en Nueva York, cuando el 26 mayo aparezca en el calendario.
Eduardo
Jorge Chagas
FRANK KIMBROUGH & JOE LOCKE - THE WILLOW
Músicos: Frank Kimbrough (piano)
y Joe Locke (vibráfono y marimba), con la participación
de Tim Ries (saxos soprano, alto y tenor, flauta y clarinete bajo) y
Jeff Ballard (percusión) en la mitad de los temas.
Composiciones: The Moon for Her (Tim Garland) 5:43;
Just Suppose (Kimbrough) 5:28; The Willow (Maria Schneider 6:05; Pick-up
Sticks (Kimbrough) 6:58; Now I Lay Me Down (Locke) 5:09; Forsythia (Kimbrough)
5:41; Broken Toy (Locke) 7:03; Highland (Locke) 8:20; Truth Be Told
(Locke) 7:06; For Duke (Kimbrough) 6:07.
Omnitone 12001 http://www.omnitone.com
Distribuído en España por Distribuido
en españa por Galileo Music. http://www.galileo-mc.com
Grabado en Nueva York el 3 y 4 de diciembre de 2000.
FRANK KIMBROUGH TRIO - QUICKENING
Músicos: Frank Kimbrough (piano),
Ben Allison (bajo) y Jeff Ballard (batería).
Composiciones: Quickening 5:55; Cascade Rising 8:47;
Chant 9:30; Clara’s Room 11:26; Svengali 9:03; For Duke 9:20; TMI 9:12;
Ancestor 8:50.
Todos los temas compuestos por Frank Kimbrough.
Omnitone 12001 http://www.omnitone.com
Distribuído en España por Distribuido
en españa por Galileo Music. http://www.galileo-mc.com
Grabado en el New School University Jazz Performance Space en Nueva
York el 24 de septiembre de 1998.
Comentario: Calificativos como “amable” y “bonito”, aunque
parezcan positivos, son de doble filo cuando se aplican a la música,
por no decir que llegan a tener un significado opuesto.
“The Willow” es un disco “amable”, “bonito”
hasta el exceso, en el que el aspecto melódico (la melodía
“bonita”, claro) está tan llevado al extremo que, en algunos
momentos sabe como un café demasiado cargado de azúcar.
Este disco tiene también un ambiente intimista y apacible...
demasiado apacible, ya que los temas se suceden prácticamente
con el mismo tempo... y se hace... demasiado... largo.
Bueno, incluye temas que tomados individualmente están bien,
como “The Willow” (compuesto por Maria Schneider)
o “For Duke” (por Kimbrough), que son “bonitos”
(en el mejor sentido) y “apacibles” (ídem). No resultan muy estimulantes
pero no están nada mal. Sin embargo, por desgracia, hay otros
como “Highland” o “Truth Be Told” (ambos obra de Locke,
curiosamente) que se adentran peligrosamente en los territorios de la
noñería e incluso diría que el “smooth jazz” no
está lejos.
Y eso que Kimbrough y Locke son buenos
músicos, nadie lo discute, y así lo han demostrado en
otros proyectos. Este dúo de piano y vibráfono tiene un
antecedente claro en el formado por Chick Corea y Gary
Burton (mucho más interesante) pero sobre todo se inspira
del Keith Jarrett más... “amable” y “bonito”,
es decir –y lo digo a las claras- el peor.
Por su parte, Jeff Ballard tiene una presencia poco
más que simbólica, pero la de Tim Ries
se deja notar más, aunque desde el punto de vista negativo, con
un tono muy meloso, blando, muy alejado de su interesante trabajo en
la big band de Maria Schneider.
Otra cosa es, afortunadamente, “Quickening”,
donde Ballard vuelve a acompañar a Kimbrough,
pero que esta vez demuestra ser una presencia estimulante. Con ellos
está Ben Allison, uno de los más interesantes
bajistas jóvenes de la actualidad. Los tres son miembros del
Jazz Composers Collective, asociación muy activa
que destaca por su labor de recuperación del legado del gran
pianista olvidado (ahora, por suerte, no tanto) Herbie Nichols*.
En “Quickening”, Keith Jarrett
vuelve a ser una influencia (sobre todo en el tema que abre el disco),
pero en positivo, es decir aquel Jarrett de los años
70 y su cuarteto americano (aquel muy ornettiano y colemaniano,
con Dewey Redman, Charlie Haden y
Paul Motian). También anda por ahí la
sombra de Herbie Hancock y de Paul Bley
(y de Gil Evans y Duke Ellington,
con sendos temas dedicados).Pero que nadie se engañe, estos músicos
muestran aquí personalidad propia: estamos ante un trío
conjuntado, en el que cada participante tiene similar protagonismo.
El resultado es un disco equilibrado, tranquilo, pero no sedante; un
jazz abierto, mainstream sin ser revisionista.
Aunque el disco tiene un nivel alto de principio a fin, destacaría
“Cascade Rising” y “Clara’s Room”, ambas baladas pero
de distinto signo, la primera alegre y la segunda más introvertida;
“For Duke”, aquí con una lectura muy diferente a la
incluida en “The Willow”, con más peso;
y, sobre todo, “Svengali” (anagrama de Gil Evans),
con un tempo medio-lento obsesivo, donde Kimbrough
huye de toda pirotecnia y reconoce el valor de los silencios y de la
sencillez.
Diego Sánchez Cascado
*Recomiendo cualquiera de los discos del Herbie
Nichols Project, Love Is Proximity,
Dr. Cyclop’s Dream (ambos publicados por
Soul Note) y Strange City (por Palmetto),
en los que miembros del Jazz Composers Collective interpretan
(y recuperan) temas del pianista.
Composiciones: 1 Canicula (Zu + Ken
Vandermark) 2 Thanatocracy (Zu + Ken Vandermark) 3 Vegetalista (Zu +
Ken Vandermark) 4 Pharmakon (Zu + Ken Vandermark)
Músicos: Zu Quartet (Zu + Ken Vandermark):
Jacopo Battaglia (bateria), Massimo Pupillo (contrabajo), Luca T. Mai
(saxo barítono), Ken Vandermark (cañas)
Composiciones: 5 Trash A-Go-Go (Clinton) 6 Theme de
YoYo (Beagley, Bowie, Favors, Mitchell) 7 Your And Your Folks, Me And
My Folks (Clinton, Worrell, Jones) 8 We Travel The Spaceways / Space
Is The Place (Sun Ra)
Músicos: Spaceways Inc. & Zu:
Hamid Drake (batería), Nate McBride (contrabajo), Ken Vandermark
(cañas), Jacopo Battaglia (bateria), Massimo Pupillo (contrabajo),
Luca T. Mai (saxo barítono)
Grabado entre el 1 y el 4 de septiembre de 2003 en Semaphore, Chicago.
Editado por Atavistic, 2004. http://www.atavistic.com/
Distribuído en España por Green Ufos http://www.greenufos.com/
Comentario: Doble mini-lp en otros tiempos,
Atavistic edita en formato de compacto sencillo (40 minutos no merecen
el dispendio de un doble cede), el encuentro del grupo italiano Zu
con Ken Vandermark y su grupo Spaceways Incorporated
en septiembre de 2003. Dos formaciones diferentes (cuarteto y doble
trio) a cuatro temas para cada una de ellas.
La primera parte del disco muestra el trabajo del Zu Quartet,
resultado de la unión del trio Zu más
Ken Vandermark. Trabajando sobre composiciones propias,
el cuarteto incide en el sonico oscuro y opresivo que el grupo italiano
ya había mostrado en Igneo, disco producido
por Steve Albini, el productor y músico de Chicago
famoso por su trabajo en los grupos de rock Big Black
o Rapeman. Allí tiene lugar la mezcla de elementos
jazzísticos con otros procedentes del rock, quizás buscando
una forma de manter un groove potente, alejado de las pautas y patrones
asociadas habitualmente con el jazz (según palabras del propio
Ken Vandermark).
La segunda parte (el segundo de los supuestos mini-lp)
muestra el encuentro de dos trios: Zu y Spaceways
Incorporated. De esta unión nace una obra que bien podrían
haber titulado Five Cosmic Standards, al estilo
del primer disco de Spaceways Inc. En Thirteen
Cosmic Standards (el título de esta obra, editada
en Atavistic en 2002 y más que recomendable), Hamid Drake,
Nate McBride y el propio Ken Vandermark
se dedicaban a pasar por su filtro de funk y free-jazz el repertorio
aparentemente tan inconexo de Sun Ra y Funkadelik.
De ese disco recuperan Trash A-Go-Go, You And Your Folks
Me And My Folks (ambas de George Clinton - Funkadelik)
y We Travel The Spaceways (de Sun Ra). Las
nuevas incorporaciones son Space Is The Place (del
disco homónimo de Sun Ra en ¡Impulse!)
y Theme de Yo-Yo, composición de 1969 del Art
Ensemble of Chicago grabado en París y en el que los
americanos contaban con la colaboración vocal de Fontella
Bass en un encuentro de free-jazz, soul y funk. Estos son precisamente
los parámetros en los que se mueve el doble trio: funk y free-jazz
con un sonido contundente. Sobresalen del segundo de los virtuales mini-lp's
las dos novedades citadas; especialmente recomendables son los ocho
minutos en que We Travel The Spaceways se transforma sin solución
de continuidad en un funkadélico Space Is The Place.
José Francisco
Tapiz
Canela & Vidal - Univers Miles
Músicos: Lluis Vidal (piano),
Carme Canela (voz)
Composiciones: 1. Old Devil Moon
(Harburg-Lane) 5:40 2. My Ship (Gershwin-Weill) 4:39 3. Someday My Prince
Will Come (Churchill-Morey) 4:39 4. Love for Sale (Porter) 3:44 5. I
Fall in Love Too Easily (Cahn-Styne) 6:03 6. My Man's Gone Now (Heyward-Gershwin)
5:22 7. Stella by Starlight (Young Washington) 5:52 8. My Funny Valentine
(Hart-Roders) 4:23 9. Human Nature (Bettis-Porcaro) 3:25 10. Blue in
Green (Wilson-Davis) 1:58
Fresh Sound New Talent FSNT-183
http://www.freshsoundrecords.com/newreleases.php
Grabado en Barcelona
El repertorio de este cd es extraído de los
temas que Miles Davis, solía incluir en sus conciertos, y de
las interpretaciones que igualmente la orquesta Cambra Teatre Lluire
realiza en la temporada 2001/2002. Surgiendo la idea de plasmarlo en
disco, en esta ocasión para piano y voz.
Comentario: Cara a cara
la voz de Canela, la mano de Vidal,
dos individualidades unidas cual pareja de hecho; ella lleva la voz
cantante, como en toda pareja bien avenida; él el sustento y
la base de la unión.
Un dúo dominado por la tranquilidad, el sosiego, y la melodía.
Carme posee una voz suave, aterciopelada, de pura agua
cristalina, capaz penetrar con facilidad en el corazón a través
del oído para alterar el cerebro.
Vidal lo que toda mujer busca en el hombre, su lado
femenino, la delicadeza, el detalle y el estar atento a todos sus requerimientos.
Un proyecto inusual en el jazz nacional, el piano y la voz (trabajando
desde los 16 años quizás sea nuestra mejor vocalista);
una mesa, unas velas y cierto glamour romántico para una velada
inolvidable. Una danza bajo la luz de la luna al abrigo de una vaporosa
cortina.
Un trabajo para el sentimiento de calado profundo, por y para la emotividad,
nunca una nota más alta que otra, "tanto monta Canela
como Vidal, Vidal como Canela”.
Un repertorio que ya forma parte del inconsciente colectivo de todo
buen aficionado ó... no, Love for Sale, Stella by
Starlight, Funny Valentine y con el broche final de Blue
in Green, con una deliciosa introducción vocal a capella.
En suma una obra para soñar en tiempos de pesadilla.
Enrique
Farelo
Cuatro de Delmark Records: Ernest Dawkins' New Horizons Ensemble - Cape Town Shuffle live at Hothouse / Ted Sirota's Rebel Souls - Breeding Resistance / Josh Abrams - Cipher / Jeff Parker - Like Coping
Delmark Records - http://www.delmark.com/
Ted Sirota's Rebel Souls - Breeding Resistance
Músicos: Ted Sirota (batería,
percusión), Jeb Bishop (trombón), Geof Bradfield (saxos
tenor y soprano), Jeff Parker (guitarra, Korg MS20), Clark Sommers (bajo)
Composiciones: 1 Saro-Wiwa (T.Sirota) 9:31 2 Chairman
Fred (I Wish Fred Hampton Was Here) (T.Sirota) 7:23 3 Knife (J. Bishop)
7:23 4 For Martyrs (J.Parker) 3:03 5 This Is a Takeover (T.Sirota) 6:09
6 Elegy (G.Bradfield) 4:01 7 Breeding Resistance (AKA Paper Tiger Blues)
(T.Sirota) 5:02 8 Huntsville, TX (T.Sirota) 3:10 9 D.C. (G.Bradfield)
6:13 10 Axé (G.Bradfield) 6:19 11 Pablo (C.Sommers) 7:14
Grabado el 22 y 23 de octubre de 2003
Delmark DG 551
Ernest Dawkins' New Horizons Ensemble - Cape Town Shuffle live at Hothouse
Músicos: Ernest Khabeer Dawkins
(saxo alto y tenor), Ameem Muhammad (trompeta), Steve Berry (trombón),
Darius Savage (contrabajo), Avreeayl Ra (batería), Kahari B.
(poesía en Jazz To Hip Hop)
Composiciones: 1 - Tocoloeur 14:00 2 - Third Line And
The Cape Town Shuffle 19:48 3 - Dolphy And The Monk Dance 14:07 4 -
Jazz To Hip Hop 14:18
Todas las composiciones por Ernest Dawkins, salvo Jazz To Hip Hop por
Ernest Dawkins (música) y Kahari B. (letra)
Grabado el 6 y 7 de agosto de 2002 en Hothouse, Chicago, USA.
Delmark DG-545 http://www.delmark.com
Jeff Parker - Like Coping
Músicos: Jeff Parker (guitarra,
Korg MS20), Chad Taylor (batería, guitarra clásica, vibráfono),
Chris Lopes (contrabajo, flauta)
Composiciones: 1 Miriam (C.Taylor) 2:43 2 Like-Coping
(C.Lopes) 5:05 3 Days Fly By (with Ruby) (J.Parker) 6:02 4 Holiday For
A Despot (Parker - Lopes - Taylor) 4:55 5 Onyx (J.Parker) 9:24 6 Watusi
(J.Parker) 4:03 7 Omega SciFi (Parker - Lopes - Taylor) 4:16 8 Pinecone
(C.Lopes) 4:07 9 Cubes (J.Parker) 7:19 10 Plain Song (C.Lopes) 5:47
11 Scrambler (J.Parker) 5:53 12 Roundabout (C.Taylor) 3:46
Grabado entre el 22 y el 26 de junio de 2002
Delmark DG-543
Josh Abrams - Cipher
Músicos: Josh Abrams (contrabajo),
Axel Dörner (trompeta, trompeta de varas), Guillermo Gregorio (clarinete,
saxo alto), Jeff Parker (guitarra)
Composiciones: 1 Mental Politician (Abrams, Dörner,
Gregorio, Parker) 9:05 2 And See (Abrams) 6:58 3 Neb Nimaj Nero (Abrams)
5:07 4 Cipher (Abrams, Dörner, Gregorio) 9:44 5 Calamities Break
(Abrams) 4:19 6 No Theory (Abrams, Dörner, Gregorio, Parker) 8:14
7 Background Beneath (Dörner) 5:41 8 Space Modulator (Gregorio)
4:42 9 First Tune That Night (Abrams, Dörner, Gregorio, Parker)
7:19 10 For SK (Abrams) 5:47
Grabado en Riverside Studios y Empty Bottle, Chicago el 11, 12 y 13
de septiembre de 2002
Delmark DG-546
Comentario: Con 50 años a sus
espaldas, el sello Delmark puede presumir de ser el sello que realizó
algunas de las primeras grabaciones a miembros de la AACM,
incluyendo grabaciones seminales como For Alto
de Anthony Braxton. Tras esta gran cantidad de tiempo
el sello no presenta los síntomas de agotamiento presentes en
otros sellos con mucha más fama, unos nombres con mucho más
relumbrón (a priori) y propuestas infinitamente menos interesantes
que el sello de Chicago.
Ernest Dawkins es un saxofonista residente en Chicago
y perteneciente a la AACM. En 1979 formó su grupo New
Horizons Ensemble, con quienes ha actuado en Chicago habitualmente,
así como en divesos festivales y en Europa, siendo el directo
Cape Town Shuffle la quinta grabación
de este grupo, segunda en Delmark tras las tres primeras en el sello
europeo Silkheart.
En Cape Town Shuffle, grabada en directo en agosto
de 2002, el saxofonista maneja distintas influencias en un entretenido
directo. El primer y segundo tema presentan unas fuertes influencias
africanas, que en el caso del último presentan un curioso paralelismo
con la música de Nueva Orleans. Dolphy and The Monk Dance
trabaja en la tradición del freebop, en una composición
dedicada al compositor y saxofonista de la AACM Vandy Harris.
El tema menos interesante es el que cierra el disco. Más que
un viaje del jazz al hip-hop podría verse como una superposición
de estilos. A pesar de la interesante parte intermedia se podría
haber esperado una mayor interacción entre el grupo y Kahari
B., el vocalista invitado en este tema. Como no podría
ser de otro modo, los acompañantes de Dawkins
son unos buenos músicos, ingrediente absolutamente necesario
para mantener el interés durante esta hora de directo.
Compromiso social y político es el ingrediente principal presente
en Breeding Resistance desde el mismo título,
para las almas rebeldes del batería Ted Sirota.
Estudiante en Berklee, donde conoció al guitarrista Jeff
Parker, tras licenciarse en 1991 ha desarrollado en Chicago
su carrera profesional como músico.
En su estreno en el sello Delmark el batería comparte las composiciones
con el resto de los integrantes del grupo. Este disco, como le sucede
a muchas de las obras de otros músicos jóvenes contemporáneos,
vuelve a ser un kaleidoscopio de influencias tanto jazzísticas
como extra-jazzísticas. Ahí están el dub de This
Is A Takeover, las influencias africanas y reagge de Saro-Wiwa,
el tratamiento electrónico en Chairman Fred junto al
free-bop de Knife, formas cercanas al jazz contemporáneo
que traen a la mente al Dave Holland Quintet en Axé,
el legado de Ornette Coleman en Breeding Resistance
(con el subtítulo tomado de una cita de Mao Tse Tung) o el homenaje
a Don Cherry en D.C.
Protestas, sí... una música magnífica, también.
Intergeneracional e internacional es el disco del joven contrabajista
de Chicago Josh Abrams. Aquí está acompañado
de nuevo por el guitarrista Jeff Parker más
el añadido del veterano saxofonista y clarinetista argentino
Guillermo Gregorio y el trompetista aleman Axel
Dörner, músico que trabaja tanto en terrenos del
jazz como fuera de él.
En Cipher el grupo se mueve cómodamente
por los terrenos del free-jazz, de la libreimprovisación e incluso
del jazz. Las composiciones y los espacios dejados para la interacción
de los músicos hacen de esta una obra abierta, enigmática
y más que interesante.
Like-Coping es el estreno
a su nombre de Jeff Parker (Chicago Underground...).
En este trabajo a trio el guitarrista está acompañado
del batería Chad Taylor (Active Ingredients)
y del contrabajista y flautista Chris Lopes. El resultado
de esta obra, oscilante entre el post-bop y el avant-garde, da unos
saltos cuántico-estilísticos que no logran terminar de
centrar la atención de este oyente. De cualquier manera, composiciones
Holiday For A Despot, Omega Sci Fi o Cubes
son interesantes investigaciones por el titular de la grabación.
Carter/Blumenkranz/Zubek – Chinatown
Sirone - Concord
Satoko Fujii Quartet - Zephyros
Contemporary Quartet - Plays The Music Of...
Not Two Records - http://www.nottwo.com/
Cracovia, capital de Polonia durante la Edad Media e
importante centro en el Renacimiento, es actualmente una ciudad muy
activa culturalmente. No sorprende pues que, de entre los innumerables
proyectos culturales en curso, la edición discográfica
adquiera importancia. En este categoría destaca el caso del sello
Not Two Records, dirigido por Marek Winiarski.
Para tener una idea del dinamismo de esa escena, ha bastado menos de
un año para lanzar al mercado una serie de importantes discos
de jazz/improvisación actual, presentados en carpetas dobles
de cartón prensado de alta calidad y agradable diseño
gráfico. En un breve comentario, aquí están las
impresiones más destacadas sobre estos cuatro discos:
1) Chinatown es el nombre del trío
del soplador norteamericano Daniel Carter (saxos alto
y tenor, trompeta, flauta y clarinete), conocido por los aficionados
al free jazz por ser integrante de las formaciones underground TEST
y ODIM (Other Dimensions In Music). Los otros miembros
son Shamir Ezra Blumenkranz (contrabajo, oud) y Kevin
Zubek (percusión). Grabado el año pasado en Brooklyn,
el álbum homónimo de este trío muestra a un Daniel
Carter más melodioso e introspectivo de lo que habitualmente
se oye en esas formaciones, aspectos que ya había revelado en
“Luminescence”, un disco a dúo con
Reuben Radding, grabado ese mismo año para el
sello norteamericano Aum Fidelity.
El hecho de que Carter se muestre menos impetuoso que
de costumbre no significa que éste sea un disco menos desafiante
para el oyente. Al contrario, tal vez por no ser el contexto ideal para
que el saxofonista desate su estilo más incendiario –la ausencia
de otro soplador debe tener que ver, ya que no hay quien lo “desasosiegue”-
permite a Daniel Carter concentrarse en un mundo interior
de pormenores y sutilezas sonoras que pudieran pasar desapercibidas
cuando la intensidad es total.
Por eso es un placer poder apreciar el trabajo sobre las tonalidades,
los matices, inflexiones y motivos tímbricos, que se combinan
con toda naturalidad con las texturas de la percusión de Kevin
Zubek y las sonoridades orientales de Shanir Ezra Blumenkranz,
dos jóvenes músicos de Nueva York que demuestran poder
acompañar al maestro con todas las de la ley.
Aunque sea el tono tranquilo el que más está en evidencia
en este álbum, los entusiastas del lado salvaje del soplo de
Carter tiene su santuario en este bello ejemplar de
arte del trío: en tres de los once temas del disco, Carter
se despacha a gusto, elevándose hasta las altas cumbres de la
intensidad sonora, magistralmente secundado por sus acompañantes,
notables a la hora de seguir los cambios de velocidad que su soplo imprime
a la música. Personalmente este es uno de los mejores trabajos
de Daniel Carter de los que conozco.
2) Sorprendentemente, desde 1980 no se veía un disco en el cual
el nombre de Sirone figurase como líder. 23
años después del último “Live”,
en trío con el saxofonista Claude Lawrence y
el malogrado Denis Charles, Sirone
regresa a las letras grandes de las portadas de los discos, refrescando
la memoria de los que han seguido al gran contrabajista de Atlanta,
miembro del Revolutionary Ensemble en los años
70 y de otros conjuntos free, hasta el principio de la pasada década,
cuando su agenda comenzó a presentar algunas páginas en
blanco.
Establecido en Berlín desde hace años, Sirone
no ha dejado de estar al tanto de lo que pasa por Europa, a la vez que
realiza alguna escapada a Nueva York, el centro del mundo del jazz,
donde dio pasos significativos junto a los mayores músicos de
los últimos 40 años. La lista de nombres de la música
free norteamericana con quienes Sirone ha trabajado
es impresionante y da una buena idea de la calidad de su trabajo, que
le convirtió en uno de los más solicitados instrumentistas
de su especialidad: Albert Ayler, Ornette Coleman, John Coltrane,
Sun Ra, Cecil Taylor, Marion Brown, Noah Howard, Dave Burrell, Pharoah
Sanders o Sonny Sharrock, por citar tan sólo algunas
de las figuras más relevantes e innovadoras.
En Alemania, el contrabajista ha formado un cuarteto medio americano
y medio alemán llamado Sirone’s Concord para
cuya formación ha invitado al prometedor violinista alemán
Ulli Bartell, al saxofonista Ben Abarbanel-Wolff
y al percusionista Maurice de Martin, con quienes prosigue
el espíritu del free jazz de ayer y de hoy. El cuarteto emprende
expediciones sonoras que revisitan lugares sagrados del imaginario del
jazz, o parten por caminos desconocidos para desbrozar lo mucho que
queda por mostrar al mundo.
La música de Sirone evoca el jazz teñido
de gospel en Swinging On A String of Things/For Albert; aborda
el free-bop en Aisha’s Serenade o recorre un camino similar
al del Revolutionary Ensemble en For All We Don’t
Know, tema en el que no faltan elementos recurrentes de la libre
improvisación europea.
En cualquiera de estas facetas el cuarteto exhibe algo más que
mera competencia instrumental: una renovada capacidad de improvisar
creativamente sobre melodías simples, logrando un disco muy agradable
de escuchar, que señala dignamente el regreso de Sirone
(Norris Jones) al liderazgo de un proyecto musical
relevante.
3) El disco más serio, en el sentido en el que se dice que la
música clásica es seria (!) es el del Contemporary
Quartet. Rudy Mahall, conocido en la comunidad
del jazz por ser miembro del trío alemán Der Rote
Bereich y por haber grabado el magnífico “Duet
for Eric Dolphy” (Enja) con la pianista Aki Takase,
toca en este cuarteto de excelentes músicos junto con el pianista
rumano Mircea Tiberian y los polacos Marcin
Oles, contrabajo, y Bartolomiej “Brat” Oles,
batería. Todo el repertorio está cuidadosamente formado
por temas de compositores polacos del siglo XX, al que se añaden
dos originales del batería “Brat” Oles.
El subtítulo del disco, Plays Music of Bacewicz,
Kisielewski, Komsta, Lutoslawski, Penderecki, puede inducir
al oyente a error. Conviene aclarar de que no se trata de interpretaciones
literales de las partituras de los autores nombrados, ni siquiera de
arreglos especialmente concebidos para su ejecución. Las composiciones
funcionan como matrices sobre las que el cuarteto improvisa libremente
tocando y volviendo los temas del revés. Y lo hacen con competencia,
buen gusto y eficacia, aplicando sistemáticamente el arte de
cruzar los mundos de la música contemporánea, la improvisación
europea y el jazz sin collages o superposiciones, sino como un todo
coherente.
El resultado es menos jazz y más improvisación europea,
aunque ocasionalmente el swing despunte y caliente ambiente, llevando
con el movimiento corporal lo que generalmente es más propio
de estados de alma más melancólicos y meditativos. Pero
cuando toca swinguear, ¡el Contemporary Quartet
swinguea muy bien y lo hace con todas las ganas!
Rudi Mahall es el músico fuera de serie de costumbre.
Se las sabe todas. Si fuese necesario, el disco serviría para
confirmar que es uno de los mayores exponentes del clarinete bajo. Poseedor
de un estilo anguloso, rápido y colorista, su frescura evoca
el arte de Eric Dolphy, paralelismo que Mahall
ciertamente no rechaza, no sólo porque estas conexiones sean
obvias, sino porque esta es una forma conscientemente digna de rendir
homenaje al gran maestro que fue Dolphy para los instrumentistas
modernos del clarinete bajo. Por ejemplo, la introducción y desarrollo
del tema de Marzena Konsta, “From Languer for Piano”,
es Dolphy en estado puro, sin quitar ni poner nada.
El pianista, el contrabajista y el batería son, como era de esperar,
músicos expertos en la tradición a la que nos han acostumbrado
las escuelas de aquellos parajes europeos. A la vez que demuestran una
fina ejecución técnica, saben ser muy buenos improvisadores
con un discurso fluido y bien organizado, que contribuye en gran medida
a hacer de este un excelente disco.
4) Los artistas de la estirpe de la japonesa Satoko Fujii
no están de acuerdo con la sentencia que hace décadas
condenó al jazz a la muerte. Con discos en los sellos Libra,
Victo, Jazzprint, Tzadik y ahora Not Two, la pianista parece cada vez
más convencida de que hay vida más allá de la envoltura
árida que envuelve al género. Por eso, no cesa de investigar
nuevos filones y, para bien de todos nosotros, de intentar traer a la
superficie el magma vivo de la gran música improvisada.
Zephyros, grabado en Tokio
en 2003, es la más reciente aventura de su bien rodado cuarteto
compuesto por Natsu Tamura, trompeta, Takecharu
Hayakawa, bajo eléctrico y Tatsuya Yoshida,
batería. De la forja de Fujii surgen sofisticados
artefactos bajo la forma de suite, siete en total, moldeados en temperaturas
delicadas, amplias variaciones dinámicas, armonías trabajadas
hasta el detalle más ínfimo, exhuberancia melódica
y polirritmia exuberante, características reflejadas en composiciones
que toman diferentes ropajes a cada nueva escucha.
Es una delicia dejarse llevar por los sorprendentes cambios de dirección
de esta música verdaderamente original, que toma referencias
del jazz, la clásica, el rock y que respira una ligera fragancia
a folk japonés. Pasar por su lado sin hacerle caso sería
lo mismo que cometer una falta por negligencia. Mejor escuchar lo mucho
que pasa aquí.
Not Two... a cada golpe de pala se encuentra un tesoro.
Eduardo
Chagas
The Bad Plus - The Bad Plus / Give
Músicos: Ethan Iverson (piano), Reid Anderson (contrbajo), David King (batería)
The Bad Plus: Knowing Me Knowing You
(Abba) Blue Moon (Rogers-Hart) 1972 Bronze Medalist (King) The Breakout
(R.Anderson) Smells Like Teen Spirit (K.Cobain) Labyrinth (E.Iverson)
Scurry (E.Iverson) Love Is The Answer (R.Anderson)
Grabado en diciembre de 2000
Fresh Sound Records. 2001.http://www.freshsoundrecords.com/
Give: 1979 Semi-Finalist (King) - 5:18
Cheney Piñata (Iverson) - 4:50 Street Woman (Coleman) - 3:59
And Here We Test Our Powers of Observation (Anderson) - 4:22 Frog and
Toad (King) - 3:37 Velouria (Thompson) - 5:37 Layin' a Strip for the
Higher-Self State... (King) - 4:18 Do Your Sums-Die Like a Dog-Play
for Home (Iverson) - 5:05 Dirty Blonde (Anderson) - 3:43
Neptune (The Planet) (Anderson) - 5:30 Iron Man (Butler/Iommi/Osbourne/Ward)
- 6:04 Knowing Me Knowing You (Abba) (tema extra)
Grabado en 2003
Sony 2004
Comentario: ¿Es Give
el final de un ciclo para el trío The Bad Plus?
¿Se puede interpretar así la simbología de la flor
marchitándose en la contraportada del compacto? ¿Es la
versión de Knowing Me Knowing You de Abba
(ese grupo pop sueco con tan poco interés jazzísticamente
hablando) la pieza que cierra ese ciclo?
Este tema es precisamente el que abría el estreno homónimo
del trío americano en el sello barcelonés Fresh Sound
y la pieza que cierra como tema extra el recién editado Give
(marzo de 2004). Entre ambas obras está situado el estreno del
grupo en una discográfica de las llamadas grandes (Columbia),
las campañas publicitarias ensalzando lo ruidoso del trio, el
triunfo a lo largo y ancho de sus múltiples conciertos tanto
en Europa como en los Estados Unidos de América del Norte y la
práctica condena de su estreno en el sello barcelonés
a la anatematización por parte del propio grupo.
¿Y qué es lo que tiene ese disco para sufrir de este aparente
oscurantismo y falta de reconocimiento por parte del propio grupo? Paradójicamente
ahí están, de algún modo, las claves musicales
del grupo, que tan sabiamente han sabido resaltar desde Columbia. Musicalmente
destacan en el trío el pianista Ethan Iverson
y el contrabajista Reid Anderson. Como compañero
el batería David King con un toque más
cercano a esa actitud rockera de cuánto más fuerte mejor,
que los productores de sus obras para Columbia / Sony se han encargado
especialmente de resaltar. Este elemento quizás va a la búsqueda
de un amplio público procedente del rock, en una maniobra que
toma el sentido contrario al abordaje del jazz a partir del pop con
propuestas como la de Norah Jones en Blue Note.
Musicalmente las claves del éxito popular del grupo están
allí. Partiendo de un elemento presente en la historia del Jazz
desde sus inicios, está la revisión aparentemente irreverente
de "clásicos" del pop, a partir de improvisaciones
bien pegadas a la melodía y estructura del original pop: Smells
Like Teen Spirit del grupo grunge Nirvana que
retomarían en su estreno multinacional con These
Are The Vistas o la citada rendición al legado
de los Abba con Knowing Me Knowing You. También
está allí su "irreverente" versión del
clásico del jazz Blue Moon. Esta vuelta a los clásicos
del jazz en su última obra toma cuerpo en forma de revisión
del legado de Ornette Coleman con la visita a Street
Woman. Entre los temas propios estaban los hallazgos de 1972
Bronze Medallist, que retomarían en su segunda obra, y Love
Is The Answer, la respuesta al tema que finalizaba de nuevo su
segundo disco, con la pregunta Silence Is The Question.
Centrándonos en su último disco el grupo sigue con el
camino iniciado en el primero sin aportaciones adicionales. Quizás
tampoco sean estrictamente necesarias. Trabajando en una multinacional,
uno puede suponer que el lema sea el título de aquel viejo disco
travestido y corrosivo de Frank Zappa, visto el enorme
éxito obtenido entre los aficionados al jazz y los oídos
más inquietos del pop y el rock. A modo de curiosidad, listar
los temas pop, que abarcan un amplio arco temporal y estilístico.
Allí están Velouria de The Pixies, Iron Man
del grupo heavy Black Sabbath y el pop de Abba.
Sin duda, estamos ante el que va a ser un nuevo éxito comercial
de los americanos.
José Francisco
Tapiz
Músicos: Brad
Mehldau (piano), Larry Grenadier (contrabajo), Jordi Rossy (batería)
Temas: 1. Get Happy 9:47 2. Dreamsville 5:03 3. Anything
Goes 7:08 4. Tres Palabras 5:01 5. Skippy 5:24 6. Nearness of You 6:43
7. Still Crazy After All These Years (Simon) - 5:21 8. Everything in
Its Right Place 6:55 9. Smile 6:48 10. I've Grown Accustomed to Her
Face 4:49
Warner Bros. 2004
Comentario:
- ¿Qué hay de nuevo
Brad?
- ¡Hey!, hola, bien, todo va bien, ¿y tú?
- Bien, gracias, solamente quería decirte que he comprado
tu ultimo disco, ya que no me lo mandas, pues lo compro.
- Lo siento tío, sabes que estoy muy ocupado, tengo tantos compromisos
que no puedo recordarlo todo, lo siento, el proximo que saque no te
preocupes que te lo envío.
- Ya veremos, siempre dices lo mismo. En fin, ¿tienes
muchos compromisos dices?
- Sí, bastante, no me puedo quejar. Sabes, te diré una
cosa, la prensa y tal ya no habla tanto de mí y mejor que sea
así, hubo momentos que me sentía un dios, y bien sabes
que nunca quise serlo, pero joder tío, qué agobio, que
si entrevistas que si compromisos de la discográfica, estaba
fuera de juego. Ahora parece que todo se ha calmado y todo ha vuelto
a su lugar. Me siento mucho mejor así, sentir aquella presión
era algo difícil de soportar.
- Ya, claro, pero también hay que decir que tampoco haces
mucho para evitar problemas, con el disco “Largo” diste bastante que
hablar.
- Joder, este mundo de la música es una porquería, no
veas. Bien sabes que a mí me encanta el rock, ¿recuerdas
cuando eramos adolescentes? No parabas de ponerme tus grupos favorito:
Costello, Blondie, Talking Heads, Television, con eso me iniciaste y
siempre he estado atraído por el pop, así que me permití
el lujo de grabar un disco a mi gusto; pero claro, luego salen los puristas
y te ponen a caldo. Me da igual, sabes? Tengo la suerte de ser lo suficientemente
independiente para hacer lo que quiera. Mira, tuve ese capricho, y lo
hice, y seguramente vuelva a hacer algo diferente al trío habitual.
Bien ¿y de mi disco qué me dices?
- Magnífico. Posiblemente de lo mejor que hayas grabado.
- ¿En serio?
- Sabes que no me corto en estas cosas. Si el Places no me entusiasmó
demasiado con éste habeis alcanzado a sonar como trío
de forma impecable. En mi opinión, va a ser muy difícil
de superar discos así. Las adaptaciones de standars son indiscutibles,
así como el tema de Radiohead; mira que te gusta Radiohead, cabrón;
de Paul Simon, el Smile de Chaplin, de Osvaldo Farrés. A pesar
de ser composiciones totalmente diferentes estilicamente, el disco posee
una homogeneidad pasmosa.
- Muchas gracias tío, en realidad estos temas los hemos trabajado
mucho en directo, creo que estabamos suficientemente preparados para
reflejarlos en disco de estudio.
- Sí, tengo un bootleg vuestro con parte de esos temas.
- ¿Un bootleg? Menudo pirata estás hecho, sinvergüenza.
- Joder, son para los colegas y tal, con esto no traficamos;
es por pura pasión y amor a la música.
- Es broma, a ver si te crees que a mí no me pasan piratas.
- También noto en “Anything Goes” bastante discreción
respecto a otros discos en trío, una mayor introspección.
- Bueno, ya sabes que en los discos que he grabado en directo los temas
tienen mayores desarrollos y por tanto mayor predisposición al
expresionismo y florituras; pero sí, exceptuando “Skippy” de
Monk, el resto suelen ser de tiempos más lentos, pero quería
grabar ese tema de Monk, me interesa mucho armónicamente.
- Es tarde y debo dejarte ya. Mis más sinceras felicitaciones
por el disco, habeis encontrado un equilibrio e interacción fascinantes.
Tal vez a primera vista no se perciba, aunque parezca un trío
tradicional, vuestro tratamiento es muy personal.
- Eso es lo que pretendemos y todos los músicos quieren tener
sus señas de identidad; no somos un grupo rupturista, seguimos
una línea natural de la tradición pero bebiendo de fuentes
contemporáneas. El público ha de juzgarlo.
- Los discos pueden valorarse de muchas formas, una de ellas
es si puede o no soportar el oyente repetidas escuchas y te aseguro
que “Anything Goes” lo he escuchado una decena de veces y cada vez descubro
algo nuevo y me parece un disco diferente, por no hablar de la carga
emocional y sensibilidad con que interpretais vuestra música.
Algo que no es tan fácil de encontrar, estoy pensando en otro
trío de moda.
- ¿Quién? ¿The Bad Plus?
- …….
- Son unos tipos muy majos, pero tienen un concepto totalmente diferente
al nuestro, tal vez utilizen el artificio en demasía, pero es
premeditado y necesario para su propuesta. No, no tienen nada que ver
con nosotros, pero acepto y comprendo su postura.
- Un abrazo Brad, eres uno de mis pianistas favoritos.
- Vale, vale, no me hagas más la pelota, el proximo disco que
publique te lo enviaré, no es necesaria tanta alabanza. Dale
recuerdos a la familia y a toda la afición española, siempre
me han tratado muy bien allí.
Antonio Martín
Gorka Benítez - The Free Session
Músicos: Gorka Benitez (saxo tenor,alboka), Bill McHenry (saxo tenor), Dani Pérez (guitarra), Ben Waltzer (piano), Chris Higgins (contrabajo), David Xirgu (batería), Jo Krause (batería)
Composiciones: 1. Octubre 22 (Chris Higgins) 3:27 2. Sketch #5 (Gorka Benitez) 1:07 3. Chris's 30' Seconds (Chris Higgins) 1:03 4. Sketch #1 (Bill McHenry) 2:58 5. 5th Floor (Benitez/McHenry/Higgins) 2:28 6. Jo's 30' Seconds (Jo Krause) 0:30 7. Sketch #3 (Gorka Benitez) 2:19 8. Sketch #2 (Benitez/McHenry) 2:47 9. Bill's 30' Seconds (Bill McHenry) 0:27 10. Gorka Sketch #1 (Gorka Benitez) 2:42 11. Albili (Benitez/McHenry) 1:30 12. Dani's 30' Seconds (Dani Pérez) 0:45 13. Bill Sketch #2 (Bill McHenry) 1:08 14. GDX (Gorka Benitez) 2:32 15. Xirgu's 30' Seconds (David Xirgu) 0:32 16. Diatonicism (Chris Higgins) 6:36 17. Sketch #4 (Bill McHenry) 1:52 18. Gorka's 30' Seconds (Gorka Benitez) 0:33 19. Alboka Sketch Band (Gorka Benitez) 4:50 20. Ben's 30' Seconds (Ben Waltzer) 0:42
Grabado en Estudis Moraleda, Barcelona, 27 de enero de
1999.
FSNT-173 CD Fresh Sound New Talent. http://www.freshsoundrecords.com/
Comentario: De muy interesante se puede
calificar esta sesión del saxofonista Gorka Benítez.
El interés viene en primer lugar por que en los apenas 50 minutos
de duración de Free Session se deslizan
hasta 20 composiciones, que no transforma a la obra en un collage estilístico
falto de conherencia sino todo lo contrario, en una obra con un fuerte
sentido de globalidad. Interesante es también la formación
empleada en el disco. Algo tan poco habitual como un septeto conformado
por dos saxos, dos baterías, contrabajo, guitarra y piano. Muy
destacable es también el nivel técnico de los músicos.
Todos estos factores, añadidos a la falta de encorsetamiento
estilístico en su ejecución, le dan ese aroma de libertad
que se echa en falta en una gran cantidad de obras editadas en este
país. ¡Que cunda el ejemplo!
José Francisco
Tapiz
Composiciones: Leyenda (Silvio
Rodríguez); Ceremonial (Zenón); Transfiguration (Zenón);
Mega (Zenón); A Reminder of Us (Zenón); Morning Chant
(Zenón); 440 (Zenón); Ya (Zenón); Great is Thy
Faithfulness (William Runyan)
Músicos: Miguel Zenón (saxo alto, percusión,
voz), Luis Perdomo (piano, Fender rhodes, sintetizador, voz), Hans Glawischnig
(contrabajo, bajo eléctrico, voz), Antonio Sánchez (batería,
voz). Invitados: Luciana Souza (voz), Héctor “Tito” Matos (percusión)
Grabado en System II Studios (Brooklyn, Nueva York), 4 y 5 de Marzo
de 2003.
Marsalis Music/Rounder 11661-3308-2
Comentario: Tras escuchar nuevos trabajos de jóvenes
músicos como este Ceremonial del saxofonista
portorriqueño Miguel Zenón uno se queda
mucho más tranquilo ante el eterno debate sobre el estado actual
del jazz. Mientras sigan apareciendo jazzmen como Zenón
no hay por qué temer al futuro. Al contrario.
Y eso que Zenón no es uno de esos saxofonistas
arrolladores que avasallan con su técnica, ni tampoco es un relajado
y reflexivo intérprete a lo Mark Turner. Más
bien se trata de un creador de conceptos musicales sobre los que viajar,
sin prisa pero sin pausa. Sus temas presentan una forma tradicional,
y el tratamiento es casi puramente acústico. Si a eso le añadimos
que la instrumentación de este cuarteto es una de las más
clásicas (saxo, piano, contrabajo y batería) no cabría
esperar grandes sorpresas. Pero los arreglos aportan ese punto de compromiso
necesario para fortalecer la composición. Los obligados rítmicos,
las progresiones de acordes sencillas pero repetitivas, las improvisaciones
sobre bases marcadas permiten que la música atrape al oyente
y no le deje escapar. Etiquetas aparte, es un disco estilísticamente
moderno y, a pesar de que la promoción del mismo ha recalcado
el aire de latin-jazz, éste tan sólo subyace en el lenguaje
de los músicos y alguna que otra aproximación rítmica.
Realmente se trata de jazz en sentido más amplio.
Arropado por una solvente sección rítmica (a destacar
el siempre efectivo trabajo del batería mexicano Antonio
Sánchez), los temas van desde baladas intimistas a rhythm
changes, destacando especialmente el corte que da título al CD
y el minimalista Morning Chant, una original melodía
sobre un oscuro riff que se repite hasta la saciedad acompañando
melodía e improvisación como si de cánticos tribales
se tratara. De hecho dicho riff es cantado por los miembros del cuarteto
en tono grave, aportando aún más misterio y oscurantismo.
Por si el oyente no queda satisfecho, en la web oficial http://www.miguelzenon.com
se puede escuchar gratuitamente temas en directo a cargo de este cuarteto,
tres de ellos de este mismo disco.
Arturo Mora Rioja, 2004
Burton Greene - Live at Grasland
Músicos: Burton Greene
(piano)
Drimala
Records 2004
Comentario: En las notas que acompañan
el nuevo disco del pianista Burton Greene, el músico
y crítico musical Dan Warburton escribe que
Greene y el productor Philip Egert
tardaron casi un año en escoger entre el material grabado en
el concierto de la ciudad holandesa de Grasland, cerca de Ámsterdam,
el 28 de noviembre de 2002, aquel que debía integrar su disco
“Live at Grasland” (Drimala Records).
Leyendo esas líneas mientras escucho el disco, no puedo evitar
imaginar la cantidad de otras piezas maravillosas que tuvieron forzosamente
que quedar fuera de la edición y desear ansiosamente que un día
puedan ser escuchadas. Me detengo ahora en estas ocho, entre ellas un
original de Perry Robinson, las elegidas, por la razón
de ser, entre todas ellas, las que mejor permitían al pianista
“inspirar y expirar”; las que, por razones de estructura, concentración,
ritmo y forma, crearon el más amplio espacio de libertad para
dejar entrar la improvisación.
Hablando de improvisación, Burton Greene no
es en absoluto un recién llegado a este campo. Desde hace cuatro
décadas llena de música el corazón de los hombres,
desde los años de fuego de los 60, en los que Greene
“incendiaba” escenarios y discos (los hoy clásicos ESP, por ejemplo),
con su free jazz puro y duro, estilo que ha hecho evolucionar hacia
un nivel de madurez superior y que, en sus palabras, hoy le permite
entrar y salir sin estar preso de una forma determinada. Por eso, para
el pianista, tocar “free” significa ejercer la actividad de creación
musical en total libertad, independientemente de las formas o estilos
escogidos en cada momento.
Volviendo a “Live at Grasland”, el concepto
de libertad está bien expresado en la riqueza de las intersecciones
y variaciones de la música, bella en las simetrías y en
las cautivadoras relaciones entre elementos opuestos, en el color, variabilidad
e intensidades rítmicas, con un desarrollo temático magníficamente
creado, que progresa in crescendo y se adentra por los más excitantes
parajes musicales, conducida por las manos de un maestro que concibe
un nuevo arte de la fuga.
Esta obra tiene muchos puntos álgidos. Sin embargo, me permito
destacar la extraordinaria “South Florida Odissey Suite”, un
clásico de Greene, aquí recreado en directo
por primera vez en versión íntegra. También la
delicada fragilidad de “Angels”, balada del clarinetista y
compositor Perry Robinson, que en este disco materializa
el sueño que tenía Greene de poder un
día grabarla en solitario.
Creación superior del espíritu humano, digna de un gran
artista como Burton Greene, la música de “Live
at Grasland” es extremadamente viva y luminosa, tejida
de líneas melódicas que se cruzan y penetran profunda
y lentamente en la memoria del oyente y que ahí permanecen mucho
más allá de la audición, acompañándolo
cuando la música se apaga en el lector de CD y que inmediatamente
prende en el alma.
Un disco vibrante de emoción positiva, soplo de vitalidad, belleza
y simpatía que apetece escuchar de la mañana a la noche,
especialmente al atardecer de un día soleado. O en todos aquellos
momentos en los que la memoria necesite ser confortada. Nota máxima
para Burton Greene.
Eduardo Chagas
Opera y Jazz: un viaje
de ida y vuelta
aka Tethered Moon - Experiencing Tosca /
Franz Koglmann - Fear Death By The Water
Tethered Moon - Experiencing Tosca
Músicos: Masabumi Kikuchi (piano,
voz), Gary Peacock (contrabajo), Paul Motian (batería)
Composiciones: 1 - Prologe 1:12 2 - Part I 8:21 3 -
Part II 6:25 4 - Part III 7:29 5 - Homage to Puccini 7:00 6 - Ballad
8:14 7 - Bues for Tosca 5:18 8 - Part IV 11:01
Composiciones basadas en Tosca de Giacomo Puccini
Duración 56 minutos
Grabado en Hit Factory, New York City, USA el 14/15 de diciembre de
2002
Editado por Winter and Winter en 2004 http://www.winterandwinter.com
W&W 910 093-2
Franz Koglmann - Fear Death By The Water
Músicos: Morenike Fadayomi (soprano),
Walter Raffeiner (tenor), Birgit Doll, Alexander Waechter, Nikolaus
Kinsky (voces)
Monoblue Quartet: Tony Coe (saxo tenor, clarinete),
Franz Koglmann (trompeta, fliscornio), Martin Siewert (guitarras, electrónica),
Peter Herbert (contrabajo) con la colaboración de Wolfgang Reisinger(batería)
exxj ensemble: Anneliese Fuchsluger (flauta), Adolf
Traar (oboe), Robert Oberaigner (flauta), Andrej Kasijan (trompa), Alfred
Gaal (trompeta), Mark Gaal (trombón), Johann Grabner (tuba),
Ivana Pristasova (violín), Chih-Yo Ou (violín), Petra
Ackermann (viola), Attila Pasztor (violonchelo), Martin Kabas (contrabajo)
Peter Burwik (director)
Composiciones: Introducción - The Burial Of
The Dead - Death By The Water - The Fire Sermon - What The Thunder Said
Todas las composiciones por Franz Koglmann
Duración: 58 minutos.
Grabado en directo en Viena, Austria en marzo de 2003
Between The Lines BTL 034
Comentario: Siempre son interesantes
musicalmente los viajes de ida y vuelta en el jazz. En el caso de estos
dos discos sus caminos unen el mundo de la ópera y el jazz.
Franz Koglmann parte del mundo del jazz para componer
la ópera titulada "Fear Death By Water".
Su fuente de inspiración es el poema de T.S.Eliot
The Waste Land (la tierra asolada).
Musicalmente el trompetista austriaco toma elementos de la música
clásica contemporánea para componer el soporte musical
sobre el que desarrolla esta ópera. Como compañeros de
viaje están el grupo Monoblue Quartet (Con Tony
Coe al saxo tenor y clarinete, Franz Koglmann
a la trompeta y fliscornio, Martin Siewert a las guitarras
y electrónica y Peter Herbert al contrabajo
a quienes se añade el batería Wolfgang Reisinger),
el grupo exxj (compuesto por doce músicos) más
el trabajo de cinco voces, todo ello bajo la dirección de Peter
Burwik.
En contraposición con la libertad que logra el trompetista austriaco
gracias a su falta de prejuicios a la hora de componer, está
el trabajo de las voces: quizás más acostumbradas a evolucionar
bajo el soporte de las partituras que a la libertad que plantea un trabajo
jazzístico de este cariz.
Señalar que como en todas las ediciones de between the lines,
destaca el cuidado de la presentación. En este caso incluye un
libreto con las letras en varios idiomas para poder seguir el desarrollo
de esta muy interesante obra.
Un viaje en sentido contrario es el que plantea el trio Tethered
Moon. En esta ocasión parten de la ópera Tosca
de Puccini para componer un bonito trabajo en formato
de trio de piano que a más de un oyente le traerá a la
memoria el pianismo de los momentos más intensos de Keith
Jarrett.
Entre los integrantes de Tethered Moon están
el más que eficaz pianista japonés Masabumi Kikuchi,
el compañero del citado Jarrett en su Standard
Trio, el contrabajista Gary Peacock y el hiperactivo
batería Paul Motian, que allá por los
años 60 y en el trio de Bill Evans ayudó
a definir una nueva forma de trabajar en formato de trio de piano en
el Jazz.
Diversos motivos de la ópera Tosca
de Puccini son los que permiten desarrollar el trabajo
a este trio. El resultado final es una obra interesante e intensa, que
vuela libre en cuanto a composición e improvisación de
las supuestas ataduras que a priori se supone podría imponer
el trabajar a partir de un material clásico. Trabajo que uno
puede suponer en absoluto simple dentro de la sencillez con que lo desarrolla
este magnífico trio.
José Francisco
Tapiz
Viktoria Tolstoy – Shining on You
Composiciones: Upside Out (Svensson/Holknekt);
Shining on You (Svensson/Larsson); Summer Calling (Svensson/Holknekt);
Love is Real (Svensson/Haden); Equilibrium (Svensson/Nyberg); Wake Up
Song (Svensson/Holknekt); No Regrets (Svensson/Nyberg); Waltz for the
Lonely Ones (Svensson/Nyberg); Some Day (Svensson/Holknekt); Wonder
Why (Svensson/Holknekt); Things That Happen (Svensson/Nyberg); Foreverly
(Svensson/Holknekt)
Músicos: Viktoria Tolstoy (voz), Bror Falk y
Daniel Karlsson (piano), Lars Danielsson (contrabajo, cello), Christian
Spering y Dan Berglund (contrabajo), Wolfgang Haffner, Jonas Holgersson
y Magnus Öström (batería), Nils Landgren (trombón,
voz), The Stockholm Session String (cuerdas). Invitado especial: Toots
Thielemans (harmónica)
Grabado en Polar Studios (Estocolmo), 3 de Junio, 29 de Septiembre y
27 de Octubre de 2003.
ACT 9701-2
Comentario: La cantante sueca Viktoria Tolstoy
(curiosamente tataranieta del escritor Leo Tolstoj)
ha sido una de las apuestas del sello ACT para el 2004. Y lo ha sido
concretamente con este Shining on You, donde
colabora el gran Toots Thielemans y algunos de los
más destacados músicos noreuropeos del momento, como Dan
Berglund y Magnus Öström de E.S.T.,
Wolfgang Haffner, Lars Danielsson
o el trombonista Nils Landgren quien, además,
produce el disco. Otra peculiaridad a resaltar es que todos los temas
son composiciones de Esbjörn Svensson, lo cuál
hace crecer aún más las expectativas respecto al CD.
Sería arriesgado hablar de decepción, pero lo cierto es
que Shining on You, siendo un buen disco,
no es candidato a despertar grandes pasiones. Viktoria Tolstoy
tiene una voz bonita, profunda y sugerente, y canta con clase y decisión,
pero el tratamiento de los temas tanto en lo vocal como (sobre todo)
en lo instrumental es sumamente convencional, rayando en lo tópico
y alejado de toda originalidad. Por momentos parece que uno esté
escuchando uno de esos discos que se grabaron a cientos en Estados Unidos
durante los años 80 y 90, a cargo de cantantes como Kevyn
Lettau o Dianne Reeves. Eso sí, con
un tratamiento puramente acústico.
Otro punto de convencionalidad radica en las composiciones de Esbjörn
Svensson, que poco tienen que ver con las elaboradas piezas
que presenta a cargo de su E.S.T., a pesar de que una
de ellas, Love is Real, es la que aparece como tema oculto
del fabuloso último trabajo del trio sueco, Seven
Days of Falling, cantada en esa ocasión por el
hijo de Charlie Haden, Josh Haden,
quien también escribió la letra.
Arturo Mora Rioja, 2004
Músicos: Sylvie Courvoisier (piano),
Mark Feldman (Violin), Erik Friedlander (chelo)
CD1: 4 composiciones de Sylvie Courvoisier
CD2: 19 improvisaciónes a nombre del trío
ECM http://www.ecmrecords.com 2003
Comentario: Abaton
es el estreno de la pianista de formación clásica Sylvie
Courvoisier en el sello ECM, así como el nombre del
grupo que en 1988 formó con el violinista Mark Feldman
y el violonchelista Erik Friedlander. Para tal ocasión
la grabación toma la forma de doble compacto. El primero de ellos,
titulado "Four Compositions" presenta
como su nombre indica, cuatro composiciones de duración media
(oscilando entre los 9 y los 19 minutos), obra de la pianista. El segundo
de los compactos, "Nineteen Improvisations"
está conformado por 19 breves improvisaciones que salvo en un
par de ocasiones no superan los cuatro minutos de duración.
El sonido de la obra aparece entroncado con la música clásica
contemporánea. Una de sus grandes virtudes es la capacidad de
coherencia que presentan los músicos a la hora de desarrollar
su proyecto. No importa que en un caso sean piezas largas frente a la
breve duración de las otras. Tampoco que en el primer compacto
trabajen con composiciones, frente a las improvisaciones del segundo.
A pesar de estas diferencias, los tres artistas logran mantener una
coherencia total, pudiendo apreciarse este compacto como las diferentes
caras de un proyecto de música creativa.
José Francisco
Tapiz
David Liebman Big
Band (directed by Gunnar Mossblad) - Beyond The Line
Jim McNeely Tentet - Group Therapy
Omnitone http://www.OmniTone.com/
Distribuido en españa por Galileo Music. http://www.galileo-mc.com
Comentario: Dentro de las últimas
ediciones del sello Omnitone destacan dos grabaciones para grandes formaciones.
Beyond The Line es el estreno de la big-band
de 18 miembros del veterano saxofonista y flautista David
Liebman (1946). A estos 18 músicos se une Gunnar
Mossblad como director y cinco músicos más (entre
los que están Vince Mendoza, Jim McNeely
y el propio Liebman) encargándose de los arreglos
de las 7 composiciones que forman esta grabación.
Entre estas destacan Hiroshima Memorial (compuesta por el saxofonista
tras su visita a la trágicamente famosa ciudad japonesa) y la
revisión de Sing, Sing, Sing (el famoso tema inmortalizado
en los conciertos de Benny Goodman en Carnegie Hall
en 1938 en que el batería Gene Krupa tocaba
absolutamente desmelenado).
Tras su escucha queda una ligera sensación de insatisfacción.
A pesar de los buenos músicos que aquí aparecen y los
arreglos para unas interesantes composiciones, se echa de menos una
pizca de riesgo para superar la frialdad de la corrección resultante
de la escucha de esta obra.
Más interesante es el resultado del trabajo de Jim McNeely
en formación de tenteto. Como en el disco de David Liebman
el pianista trabaja dentro de una cierta ortodoxia jazzística
puesta al día. Entre el conjunto de músicos que lo acompañan
destacan el trompista Tom Varner, el contrabajista
Cameron Brown o el batería John Hollenbeck.
El repertorio está a partes iguales integrado por composiciones
de McNeely y por versiones. Entre estas se incluyen
una interesante lectura del clásico navideño Silent
Night, el eterno Body and Soul, el coltraneano Village
Blues y el tema de Bud Powell The Fruit.
Entre el materal propio destaca especialmente Group Therapy.
Como indica su nombre, a lo largo del tema desfilan los diferentes músicos
exponiendo su forma de entender la música. Un diálogo
que resulta divertido e interesante debido al contraste entre los diversos
estilos adoptados por los músicos.
José Francisco
Tapiz
tres hombres - sesiones 224 226
Gaztelupeko Hotsak http://www.hotsak.com
/ Cambayá Club de Blues http://www.cambaya.com
Comentario: En plena época de revisionismo por
parte de los jóvenes leones de una cierta parte de la historia
del Jazz no está nada mal una propuesta tan desengrasante como
la del grupo tres hombres. Curioso nombre para esta
formación madrileña que llega en algunos momentos a ampliarse
hasta los 6 componentes.
Aparte de las voces, guitarra, bajo y batería de rigor se unen
a la línea instrumental del grupo el órgano Hammond de
Daniel "Txarras", el trombón de Norman
Hogue y el saxo de Gautama del Campo.
Pocos complejos y un repertorio sorprendentemente variado forman este
cóctel. Sus ingredientes son temas de Miles Davis,
Led Zeppelin, MC5, Elmore
James, Memphis Slim, James Brown,
Hubert Laws, ZZ Top, Rufus
Thomas y esa joyita que es la interpretación de Get
Up Stand Up de Bob Marley y en dónde a
la música del jamaicano se unen The Doors y
The Beatles.
¿Que no es Jazz? Pues no. No es Jazz, como tampoco es funk, rock,
blues o soul. O quizás es un poco todo eso a la vez. Una sola
objeción. En algún momento, por fortuna sólo en
algún momento, las versiones suenan tal y como los originales.
Una pequeña cuestión que no es problema para disfrutar
a lo largo de los 45 minutos de duración del disco.
José Francisco
Tapiz
Músicos: Daunik Lazro (saxo barítono),
Akosh Szelevenyi (saxo tenor ), Maurice Merle (saxo alto ), Guillaume
Orti (C melody sax), Claude Tchamitchian (contrabajo), Didier Levallet
(contrabajo), Jean Bolcato (contrabajo), Eric Chalan (contrabajo)
Grabado 1997/1998
Rectangle Records.
Comentario: Media hora, escasa, para rendir sentido
homenaje al maestro del alarido hímnico, Albert Ayler.
Cuatro dúos de saxo-contrabajo atizando la llama de un fuego
incombustible. ¿Versiones?, ¿copias?, ¿clones?...
para nada. El espíritu de Ayler surgiendo tan
libre como siempre lo ha sido. Tras su escucha se impone bajar al “Todo
a cien” de la esquina comprar un spray, y en lugar de algún que
otro cuadro del salón hacer una pintada bien explícita,
“AYLER VIVE”. Afortunadamente.
jesusmoreno
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