Vicens Martín – Records-Recuerdos
Composiciones:
Yass Mine (Vicens Martín); Recuerdos (Vicens Martín);
Nisa (Vicens Martín); Bolero de mitjanit (Vicens Martín);
Dansa de mitjanit (Vicens Martín); A través de la poesía
(Thru poems) (Vicens Martín); Natàlia (Vicens Martín);
Recordant Mompou (Vicens Martín); Aire fresc (Martí Ventura);
La lluna s’amaga sota el llençol (Miquel Àngel Cordero
Charles); Tagamanent (Vicens Martín); Medley (A través
de la poesía-La lluna s’amaga sota el llençol-Nisa) (Vicens
Martín & Miquel Àngel Cordero Charles)
Músicos: Vicens Martín (guitarras), Martí
Ventura (piano), Xavier Maureta (batería), Miquel Àngel
Cordero Charles (contrabajo)
Grabado en l’Estudi 84 (Barcelona), 9 y 10 de Octubre de 2003.
Taller de Músics 0036
http://www.tallerdemusics.com/
Comentario: A finales de los años sesenta, cuando Pat
Metheny era aún adolescente, el comentario habitual
en los clubes donde tocaba era: “Qué bien toca este chico, suena
igualito que Wes Montgomery”. Un buen día el
genio de Missouri se dio cuenta de que debía alejarse del gran
Wes y encontrar su propia voz, y trabajó en
ello hasta llegar a ser quien es en la actualidad. El día que
Vicens Martín dé ese paso puede comenzar
la historia de alguien muy grande en el panorama de nuestro querido
jazz nacional.
Y es que Vicens rebosa calidad. En este Records
muestra un sonido claro y bonito, una técnica sobrada y decidida,
unos recursos a nivel de composición y arreglos más que
respetables... Pero a uno se le aparece San Patricio
(Patricio Metheny, por supuesto), desde la primera
hasta la última nota. El timbre de la guitarra, la articulación
melódica, la forma de los temas, referencias armónicas;
muchas cosas recuerdan demasiado a Pat. Otra prueba
delatoria: el comentario de la carpetilla del disco “Gracias a Pat
Metheny por las dos púas que me dio en Vitoria. Las
he usado en este disco”.
Esa similitud es evidente desde el comienzo, evocando el metheniano
Sea Song del 77, pero sobre todo en el tercer corte, Nisa,
hasta tal punto que puede considerarse un guiño (o, prácticamente,
un homenaje) al primer Pat Metheny Group de finales
de los 70. Pero en el resto del disco hay cantidad de melodías,
fraseos, cambios y obligados que recuerdan sobremanera al de la eterna
camiseta a rayas. Natalia, sin ir más lejos, bien podría
pertenecer al The Sound of Summer Running
de Marc Johnson (con Metheny y Frisell
como escuderos de lujo).
Es por eso que el interés crece exponencialmente cuando Vicens
busca más allá, y nos ofrece excelentes desarrollos como
el 3x4 de Dansa de Mitjanit, el shuffle de Aire Fresc
o la compleja métrica de Tagamanent (composición
del contrabajista Miquel Àngel Cordero). La
estrella, sin duda, Recordant Mompou, donde la capacidad expresiva
llega al más alto límite.
Temas sin acompañamiento como Bolero de Mitjanit o el
potpurri final evidencian que estamos ante una realidad de gran nivel.
Sólo falta desligarse de la figura de Pat y
Vicens Martín puede dar mucho que hablar.
Arturo Mora Rioja, 2004
Músicos:
McCoy Tyner (Piano, Celesta, clavicordio), Ron Carter (contrabajo),
Elvin Jones (batería)
Composiciones: 1. Celestial Chant (Tyner) - 7:00 2.
Once I Loved (Jobim) - 7:53 3. Elvin (Sir) Jones (Tyner) - 5:27 4. Land
of the Lonely (Tyner) - 7:33 5. Impressions (Coltrane) - 5:03 6. Ruby,
My Dear (Monk) - 7:51
Comentario: Hace tiempo que vengo madurando la idea
de realizar una reseña de este cd, pero por falta de tiempo siempre
lo voy alargando , ahora parece el momento adecuado.
Tristemente la vida de Elvin Jones ha desembocado en
la muerte y, esto ya es suficiente motivo.
No es necesario decir que estamos ante uno de mis discos favoritos de
la historia del jazz. Una obra como esta no debería pasar desapercibida
para todo buen aficionado al jazz y a la música en general por
su originalidad, creatividad e igualmente por la utilización
de instrumentos ciertamente inusuales en el jazz como la celesta ó
el clavicordio, que yo desde luego desconozco si en algún disco
del pasado ó del futuro a partir de este han sido incluido en
un trío como el presente.
La obra comienza con Celestial Chant, un tema con una introducción
de clavicordio que da paso al resto de instrumentos y, sirviendo para
que el piano tome el relevo de teclados. Este canto celestial termina
de la manera que comenzó , es decir con el protagonismo del clave,
suponiendo un himno para Trident y para la
carrera de Mccoy.
En Once I Loved es la celesta quien cobra protagonismo, con
ese particular sonido tímbrico que le caracteriza. De estructura
muy similar al primer corte con exposición, nudo y desenlace
final con la celesta para poner broche; conformando una versión
de A. C. Jobim realmente magnífica.
Elvin (Sir) Jones es un homenaje a su buen amigo y excelente
batería E. Jones , al cual responde con un solo
digno de quien lo ejecuta.
Comienza hablando el clave y le sigue la celesta manteniendo un breve
pero gratificante diálogo que vuelve a dar paso al piano y el
resto de instrumentos, el corte tiene el mismo final que comienzo, en
un mano a mano clave- celesta. (Land of the Lonely)
En todo repertorio de McCoy no podía faltar
un tema de Coltrane; para la ocasión eligió
todo un clásico, Impressions, destacando por
el solo de bajo de uno de los grandes de este instrumento como es Ron
Carter.
El disco se cierra con una preciosa balada de T. Monk
(Rudy My Dear), donde McCoy pone especial
énfasis y sentimiento en la interpretación, sin olvidar
el protagonismo de Carter al bajo.
Sirva de pequeño homenaje el comentario de este disco para Elvin
Jones, un músico que lo fue todo y para todo en el jazz
y, que a buen seguro ahora estará tocando con quien lo hizo muchos
años en vida, J.Coltrane.
Enrique
Farelo
Músicos: Enrico Rava (trompeta),
Gianluca Petrella (trombón), Stefano Bollani (piano), Rosario
Bonaccorso (contrabajo), Roberto Gatto (batería)
Composiciones: Cromosomi, Drops, Sand, Easy Living,
Algir Dalbughi, Blancasnow, Traveling Night, Hornette And The Drums
Thing, Rain
Grabado en junio de 2003
Comentario: Un disco tranquilo para hombres serenos, es a mi modo de
ver este Easy Living último en su discografía
editada en ecm.
No hay mas que fijarse aunque sólo sea de soslayo en la foto
de portada para darse cuenta de la expresión de Enrico,
para llegar a la conclusión que nos encontramos ante un músico
cuya experiencia le ha ido curtiendo a lo largo de los años,
plasmando en este cd no sino, paz interior, serenidad y madurez.
Atrás quedaron maravillas como The Pilgrim And The
Stars, ó The Plot ambos
con J.Abercrombie, para la ocasión la guitarra
es sustituida por el piano dando un aire mas clásico a la obra.
Posteriormente llegaron obras dedicadas Miles Davis
ó Chet Baker, en Easy Living
las composiciones corren a cargo de Rava a excepción
del tema que da título al álbum.
Todo comienza con Cromosoma, y con él la palpable demostración
de lo comentado al principio tranquilidad, y serena conjunción
de la trompeta y el trombón (Gianluca Petrella),
destacando por encima del resto la ejecución de Bollani,
piano, el suyo que suena a ecm, es decir sin estridencias, cristalino
y llenando silencios.
Dicen que la esencia va contenida en frascos pequeños, tal es
el caso de temas como Drop, que comienza con un agudo sólo
de trompeta al que le secunda el piano de Stefano para
no abandonarle hasta el final.
Blancasnow comienza de la misma forma con un agudo sólo
de Enrico que se alarga de forma infinita para dar
paso a Bollani, obteniendo una fina lluvia de esencia
de lágrimas de gran belleza.
Easy Living es otro de los temas breves y hermosos por su poesía
(que nunca faltan en el sello de Manfred Eicher), capaz
de languidecer hasta hacernos caer en brazos de Morfeo, de ahí
el título: viviendo tranquilo.
Algir Dalbughi es introducido por el piano de Bollani,
pianista de magnifica técnica, capaz de trasformarse en poeta
ó en corredor de fondo si la ocasión lo requiere, como
en el presente, quizá el tema con mas swing de todo el disco.
Hornette and the Drums Thing, como el título indica
un batería como Roberto Gatto no podía faltar al cita
y aparte de demostrar lo bueno que es como acompañante, era justo
que tuviera un sólo donde luciera con luz propia, aunque este
no fuera excesivamente extenso.
Enrico Rava no encontró el camino porqué
en realidad nunca se salió de él, dispuesto a llegar hasta
el final demostrando que lo suyo es arte, y que sólo basta con
mirarle a los ojos en este Easy Living.
Enrique
Farelo
Músicos: Jacob
Young (guitarra), Mathias Eick (trompeta), Vidar Johansen (clarinete
bajo), Mats Eilertsen (contrabajo), Jon Christensen (batería)
Composiciones: Blue, Evening Air, Minor Peace, Looking for
Jon, Sky, Presence of Descant, Formerly, The Promise, Falling
Grabado en diciembre de 2002.
Editado en 2004.
Ecm Records. ECM 1876
http://www.ecmrecords.com/
Comentario:
Un nuevo guitarrista aparece en escena grabando para el sello alemán
ECM ; su nombre Jacob Young.
Su música se encuadra dentro del mas puro estilo de Manfred
Eicher, legendario productor de ECM desde hace casi cuatro
décadas.
Su estilo es por tanto lírico, poético lleno de ambientes
atmosféricos, como todo buen músico europeo, y mas aun
si es noruego. Pero no solo tiene influencia del jazz europeo también
del americano, cursando estudios en Nueva York y, siendo un ferviente
seguidor de los sonidos guitarrísticos de Jin Hall.
Conjuga por tanto la tradición con la vanguardia, de fraseo fácil
y cristalino, mezcla el bop con el cool rodeándose de excelentes
músicos entre los que cave destacar por encima del resto a Mathias
Eick trompetista muy en la onda del canadiense Kenny
Wheeler, especialmente impactante en el corte Formerly.
De Jon Christensen son muchos los elogios que se le
pueden dedicar a su ya dilatada carrera, músico autodidacta y
uno de los clásicos del sello que ha tocado con todos los grandes
desde Ralph Towner (Solsticio),
Rainer Brüninghaus (en el delicioso Freigeweht,ecm-1981)
y, por supuesto con el grupo Mascalero (con A.Andersen,
Nils Peter Molvaer ó Tore Brunborg).
Evening Air es una pieza en la que diálogo
indolente de la guitarra acústica, el clarinete bajo y la trompeta
nos llevan a una calma tensa que rompe esta última ,para casi
finiquitar el tema.
Vidar Johansen siempre en un segundo plano destaca
fundamentalmente por su participación al saxo tenor en Presence
of Descant, en un estético “ menage a trois“ con Jacob
y Mathias, y por su sonido a lo Jon
Surman con el clarinete bajo en el tema Minor Peace.
Mats Eilertsen un bajista siempre ausente, siempre
presente, capaz de rellenar todos los silencios y dejar constancia de
su mas que aceptable trabajo.
¡Suerte para este primer trabajo a Jacob Young!
Enrique
Farelo
Martirio y Chano Dominguez
- ACOPLADOS
Big Band y la Orquesta Sinfónica
de RTVE dirigida por Adrian Leper
Canciones: El Aguita del Querer, Locura
de mi Querer, No me Digas que No, Torre de Arena, Te lo Juro Yo, Me
Embrujaste, La Bien Pagá, Compuesta y Sin Novio, Ojos Verdes,
Yo Soy Esa, Dicen, Nana Vidalita de Filigranas.
Grabado en Directo en los días 5,7 y 9 de Enero de 2.004 en el
Teatro Monumental de Madrid
Músicos:
Chano Dominguez Trio. Chano Domingues, piano. George Mraz, bajo y Guillermo
McGuill, batería.
Big Band. Solistas:
Perico Sambeat, Saxo Tenor
Mattew Simon, Trompeta
Bob Sands, Saxo Tenor
Comentario: Chano Dominguez es uno de los artistas
más interesantes del panorama musical español. Un músico
que, quizá, por su carácter prolífico y accesible
no ha sido, todavía, valorado en su justa medida en nuestro país.
Lo será, sin duda, en el futuro.
Chano Dominguez ha sido el primer músico que ha conseguido una
fusión completa entre el Jazz y el Flamenco, nada menos, y lo
ha hecho con asombrosa naturalidad.
Martirio, que fue conocida en su día por su imagen rompedora,
sigue demostrando cada día que es una cantante de una asombrosa
madurez, musicalidad y audacia.
Martirio y Chano Dominguez vienen trabajando juntos desde hace tiempo
y su música destila una enorme empatía. Al respecto, el
título de su segunda colaboración discográfica,
“ACOPLADOS”, parece por tanto, muy apropiado. En él vuelven a
abordar como en su primer disco, “Coplas de Madrugá” el género
de la Copla desde su personal perspectiva. Nos ofrece una atrevida e
inspirada puesta al día de los títulos más clásicos
del género como “La Bien Pagá”, “El Aguita del Querer”,
“Torre de Arena”, etc.
En este su segundo capítulo nos muestra a los artistas en un
contexto más jazzístico, con unos interesantes arreglos
de Big Band de Carles Cases, Luis Vidal y Roque Baños. El Trío
de Chano, formado por George Mraz al contrabajo y Guillero McGuill a
la batería destila un poderoso “swing” que da un solido fundamento
al sonido de la Orquesta. Al respecto recordar que el Sr Mraz es un
los bajistas del momento con el “swing” más arrebatador. (El
que quiera comprobarlo que trate de hacerse con el disco de Carmen McRae,
“Sings Monk”)
Otros ilustres colaboradores como Perico Sambeat o Mattew Simon añaden
tambien su granito de arena, su pizca de “pimienta”, para darle lustre
a la música que por ser grabada en directo resulta fresca e impactante.
Estamos, en definitiva, ante una obra muy interesante
y recomendable de estos dos grandes artistas nacionales. Un capítulo
más de su colaboración y buen hacer que merece la pena
explorar y degustar con placer.
Manuel Lopez
Charles Lloyd / Billy Higgins - Which Way Is East
Músicos: Billy Higgins
(guitarra, percusiones senegalesas, guineanas e indias, batería,
voz, guembri, guitarra siria de una cuerda, caja de madera de Juno);
Charles Lloyd (flauta, percusión, piano, flautas alta y baja,
maracas, oboe tibetano, saxos alto y tenor, voz, tarogato)
Composiciones: CD1 - What Is Man, DIvans, Salaam, All
This Is That
CD2 - Desire, Devotion, Light Of Love, Surrender
Grabado en 2001 en Montecito, California
Editado en 2004.
ECM Records. ECM 1878/1879
http://www.ecmrecords.com/
Comentario: No es la primera vez que Charles
Lloyd edita un disco homenajeando a su colega y amigo Billy
Higgins. Which Way East es la tercera ocasión
en que lo hace en el sello ECM Records tras Hypperion With
Higgins y Water Is Wide. Si
bien en las anteriores ocasiones ambos músicos se encontraban
integrando un conjunto en formato de sexteto, en esta ocasión
la reunión la realizan ambos cara a cara. Esta no se produce
únicamente entre un batería (Higgins)
y un saxofonista (Lloyd), sino entre dos músicos
con un amplio arsenal de instrumentos (batería, percusiones de
diversas partes del mundo, maracas, saxos, oboe tibetano, flautas, guitarra,
guembri, guitarra siria, tarogato, voces entre otros). Más importante
que esto es el encuentro entre dos colegas, compañeros y amigos.
Grabado cinco meses antes de la muerte de Higgins,
este compacto doble recoge su encuentro a lo largo de dos horas y media
de músicas. En sus ocho suites, desarrolladas en 30 movimientos,
la premisa es la libertad total para dar lugar a un encuentro musical
entendido globalmente. No sólo se trata de Jazz entendido con
la amplitud que el término implica, que lo hay y magnífico,
sino de MÚSICA emocionante con mayúsculas. Ambos incluyen
con total naturalidad en su discurso elementos que van del folk al blues,
incluyendo un escalofriante Blues Tinge, con la voz y guitarra
de Billy Higgins.
Esta es la creación de un dúo de artistas, nacida no de
la competición, sino del diálogo, la escucha (hay varias
secciones a solo), la interacción y la empatía desarrollados
entre ambos, en un difícil, magnífico y aparentemente
paradójico estado de energía y quietud simultáneos.
Música con mayúsculas.
José Francisco Tapiz aka
diyeipetea
Marc Copland/Gary Peacock - What It Says
Temas: Ladder, Vignette, Watching the
Silence, Around in the Air, Colors of Hue, Talkin’ Blues, Calls &
Answers, In a Dance, From the Well, Skim, Requiem, Vignette
Músicos: Marc Copland (piano), Gary Peacock
(contrabajo)
Grabado en The Studio, New York City el 16 y 17 de septiembre de 2002
Sketch SKE 333040 http://www.sketchmusic.com/
Distribuído por Harmonia Mundi
Comentario: Hay discos que uno en su
afición y por sus gustos particulares llega a escuchar en ocasiones
únicas. La mayor parte de las veces son discos con tan poca vida
por transmitir que no merecen la pérdida de tiempo que supone
el intentar esa segunda escucha que en muchas ocasiones logra que uno
rectifique sobre unas impresiones iniciales. No son pocas las veces
en que una primera escucha falta de convencimiento es seguida por una
segunda vez a la que le sigue una tercera y una cuarta...
Resulta curioso el intentar establecer cuáles son los condicionantes
anímicos y personales que actúan como catalizadores para
lograr conectar con y apreciar determinadas propuestas musicales.
También existe una pequeña parte a la que le sucede justamente
lo contrario. Son esos discos que proporcionan la magia de la música
en un primer acercamiento. El disco What It Says del contrabajista Gary
Peacock y el pianista Marc Copland es uno de ellos. Es sumamente curioso
que una propuesta de este tipo sirva como la pieza de encaje en el puzzle
de la vida entre un lunes nublado de mediados de mayo, somnoliento frio
y tedioso con la alegría de vivir. ¿Y qué es lo
que sucede allí? Musicalmente quizás no tenga sentido
intentar explicarlo. Quizás podría hablar de dos intérpretes
con una calidad fuera de toda duda, uno de ellos especialmente reconocido
por su trabajo en el Standards trio de Keith Jarrett. Desde un plano
espiritual puedo afirmar que en esa música tiene lugar la magia
de la creatividad, del diálogo y del encuentro. Una magia que
en contadas ocasiones uno ha apreciado que tenga lugar con semejante
intensidad.
Pasará mucho tiempo hasta que vuelva a escuchar este disco. No
vaya a suceder que en esa supuesta nueva escucha las sensaciones que
me provoquen disminuyan la magia de la primera vez.
José Francisco Tapiz aka
diyeipetea
Terri Lyne Carrington/Adam Rogers/Jimmy Haslip/Greg Osby – Structure
Composiciones: Mindful Intent
(Terri Lyne Carrington); Black Halo (Greg Osby); Ethiopia (Joni Mitchell);
The Invisible (Adam Rogers); Spiral (Jimmy Haslip); Facets Squared (Greg
Osby); Solace (Terri Lyne Carrington); Fire (Terry Lyne Carrington &
Ed Barguiarena); Omega (Jimmy Haslip); Columbus, Ohio (Adam Rogers)
Músicos:
Terri Lyne Carrington (batería, percusión, voz), Adam
Rogers (guitarras eléctricas y acústicas), Jimmy Haslip
(bajo), Greg Osby (saxo alto)
Grabado en Castle Oaks Studio (Calabasas, California, USA), Noviembre
de 2003.
ACT 9427-2 http://www.actmusic.com/
Comentario: El catálogo del sello alemán
ACT está incrementando su calidad considerablemente en los últimos
tiempos. Buena prueba de ello es esta grabación de un cuarteto
que, pese a estar formado por cuatro fuertes personalidades, es un claro
ejemplo de grupo cooperativo. No en vano tanto Terri Lyne Carrington
como Greg Osby pertenecieron al colectivo M-Base,
ejemplo de cooperatividad en el jazz.
Y la cooperatividad radica en diversos aspectos: no sólo la autoría
de los temas está debidamente repartida entre los cuatro miembros,
sino también el nivel de presencia de éstos en cada tema.
Este es un disco donde todos colaboran, donde todos acompañan
e improvisan por igual, donde nadie sobresale excesivamente. En cierto
modo la presencia de solos parece un añadido al sonido de conjunto
más que una vía para un músico concreto, lo cuál
encaja perfectamente en el propio concepto del jazz.
Otro elemento de interés es la formación de cuarteto con
guitarra en vez de piano. En este caso la responsabilidad armónica
recae en Adam Rogers, único blanco del combo,
quien utiliza a veces su guitarra a modo de teclado de ambiente, con
acordes y notas tenidas que integran un fondo de suaves colores contrastados
con la intensa y variada labor percusiva de la Carrington.
Jimmy Haslip, infinitamente más comedido que
en sus habituales intepretaciones con Yellowjackets,
trabaja con gusto y criterio para la formación, mientras Greg
Osby, con un sonido impecable, parece encontrarse a gusto en
cualquier situación. Así, el grupo utiliza ritmos binarios
con cierto toque rockero en algunas ocasiones, grooves más funkies
en otras, sonido cercano al country en el último tema, composición
de Adam Rogers, e incluso una bonita revisión
del Ethiopia de Joni Mitchell, donde incluso
Terri Lyne Carrington se atreve a cantar. Mención
especial para Fire, composición de la percusionista,
donde se alcanzan los mayores niveles de intensidad de todo el CD.
Structure es una obra
compacta de conjunto que, si bien requiere cierta atención por
parte del oyente, no deja de sorprender en cada escucha.
Arturo Mora Rioja, 2004
Mis Tres Discos Favoritos de Chet Baker.
Chet Baker tiene una discografía muy amplia e irregular. Se suele decir que Chet no tiene ningun disco perfecto, aunque en todos ellos nos encontremos siempre con la magia y el lirismo del hermoso sonido de su trompeta. Pero las circunstancias de su vida, sometida a la tiranía de la dependencia de las drogas duras propiciaron un cierto “desorden” discográfico.
1. Chet Baker. Chet. Riverside
Si Chet tuviera algun disco perfecto, uno de los candidatos
sería el disco que grabó para Riverside, titulado simplemente
“Chet”. Un disco que, curiosamente, no ha sido muy ensalzado por la
crítica jazzística al uso.
Chet Baker. Chet. Riverside 1135
Alone Together, How High the Moon, It Never Entered My Mind. ‘This Autumn,
If You Could See Me Know, September Song, You’d Be So Nice to Come Home
To, Time on My Hands, You and the Night and the Music.
Chet Baker. Trompeta. Pepper Adams. Saxo Barítono, Herbie Mann.
Flauta, Bill Evans. Piano, Paul Chambers. Bajo, Connie Kay o Philly
Joe Jones. Batería. Kenny Burell. Guitarra.
Grabado en los estudios RVG, New Jersey, Dic 1958 y Enero 1959.
Grabado en dos sesiones en Diciembre de 1958 y Enero de 1.959, es un
disco que mantiene una continuidad ambiental. Nos ofrece una incursión
de lleno y sin interrupciones al mundo de la balada donde el trompetista
se desenvuelve como pez en el agua. Temas que normalmente tienen un
tratamiento más ligero como How High the Moon son llevados también
a este terreno.
En el disco colaboran lo más brillante del elenco de Riverside
de la época. Bill Evans, Pepper Adams, Herbie Mann, Paul Chambers,
Connie Kay y Philly Joe Jones. Es por tanto una de las pocas ocasiones
en las que el Maestro y Bill Evans grabaron juntos. El pianista, sin
ser protagonista, hace una contribución muy importante al disco.
Su primer acorde en el primer tema, Alone Together nos mete ya en ambiente.
Una vez escuchado ese primer acorde resulta difícil no escuchar
el disco completo.
Los dos temas grabados en cuarteto con Kenny Burrell no rompen en absoluto
la mágica atmósfera creada por el sexteto. De hecho sus
interpretaciónes de las baladas “It Never Entered My Mind” y
“September Song” constituyen unos de los momentos más estelares
del disco.
Me queda por decir que en los seis temas grabados en sexteto Pepper
Adams y Herbie Mann complementan a la perfección la magia del
sonido de la trompeta de Chet Baker interpretando sus solos de forma
muy inspirada. Resulta especialmente llamativo como el Saxo Barítono
apodado “The Knife” por su sonido potente y agresivo, se dosifica contribuyendo
de forma muy significativa a la magia de esta grabación.
En Definitiva, un disco mágico y evocador muy recomendable tanto
a los aficionados como a los neófitos por su accesibilidad, calidad
musical, lirismo y hermosura.
2. Chet Baker. Chet is Back. RCA
Chet Baker grabó en Italia en enero de 1.962, en unas
circunstancias no muy favorables, con una sección rítmica
europea y el Saxo Tenor y Flautista Belga Bobby Jaspar un magnífico
disco para la RCA. Este disco que contiene unas interpretaciones muy
interesantes fue editado por la compañía discográfica
bajo diferentes títulos.
Chet Baker. Chet is Back. RCA
The Italian Sessions
Somewhere Over the Rainbow. (Este último fue
una edición más barata y con 2 temas menos)
Well You Needn’t, These Foolish Things, Barbados, Star Eyes, Over the
Rainbow, Pent-up House, Ballata in Forma di Blues, Blues in the Closet.
Chet Baker. Trompeta, Bobby Jaspar, Saxo y Flauta, Rene Thomas. Guitarra,
Benoit Quersin. Bajo, Danie Humair. Batería.
Grabado en Italia en 1.962
Es este al contrario que el anterior, un disco imperfecto e irregular,
se nota mucho que la sesión fue improvisada, preparada con cierta
rápidez. Sin embargo, cosas de la música, tiene unos momentos
mágicos maravillosos casi insuperables en la discografía
del trompetista.
En concreto la interpretación de las baladas “Somewhere Over
the Rainbow” y “These Foolish Things” es magnífica. Sólo
por la interpretación de estos dos temas ya merece la pena hacerse
con el disco. Si tuviera que elegir un solo tema de la discografía
de Chet Baker, yo me quedaría con el “Over The Rainbow” de este
disco por su tremenda magia y lirismo.
El no tan conocido Guitarrista Rene Thomas lo borda en este disco, rayando
a gran altura y complementando el trompetista a la perfección.
Otro disco muy recomendable e interesante.
3. Jim Hall. Concerto
En el mundo del Jazz, a veces, la interpretación de los músicos
“colaboradores” es tan memorable como la de los propios líderes
de sus respectivas grabaciones. Este es el caso de este disco, generalmente
considerado como uno de los mejores del sello CTI.
Yo siempre incluyo este disco, junto con los dos anteriores, cuando
alguien me pide que le recomiende algún disco de Chet Baker.
Jim Hall. Concerto. CTI.
You’d Be So Nice to Come Home To, Two’s Blues, The Answer is Yes, Concierto de Aranjuez.
Jim Hall. Guitarra. Chet Baker. Trompeta. Paul Desmond. Saxo Alto, Roland Hanna. Piano, Ron Carter. Bajo, Steve Gadd. Batería. Don Sebesky. Arreglos y Dirección.
Grabado en los estudios RVG, New Jersey en Abril de 1975
Recuerdo cuando me hice con este disco en vinilo, hace
ya algunos años. Lo compré por correspondencia y un poco
a ciegas junto con algunos otros. Cuando llegó a mis manos, me
llevé una sorpresa al comprobar que una cara completa del Lp.
estaba dedicada a una interpretación del Concierto de Aranjuez.
Me pregunté si el mundo necesitaba otra interpretación
de esta pieza.
Una vez que la aguja se puso en contacto con los primeros surcos de
la Cara B del citado Lp, mi respuesta fue un sí rotundo. La interpretación,
que dura 19 minutos es un largo desarrollo musical utilizando como tema
la melodía del Concierto de Aranjuez. Es una gran interpretación
dirigida por Don Sebesky y liderada por Jim Hall desde la posición
en la guitarra. Chet Baker y Paul Desmond aportan la magia de su maravilloso
sonido, complementándose a la perfección ( El disco también
podría ser recomendado a los interesados en la música
del Sr. Desmond ).
Chet Baker consigue transmitir una singular emoción enunciando
una simple escala, pura magia. Con una extraordinaria simpleza, con
lo más sencillo consigue transmitirlo TODO!
En fin, otro album muy recomendable y muy asequible. Se consigue, como
los otros dos, a precio medio. Recientemente se ha reeditado en Cd remasterizado
incluyendo algunos temas extras.
Para terminar y complacer a otros aficionados y/o conocedores de la
música del Sr. Baker recordar una vez más que Chet Baker
tiene una discografía muy amplia e interesante y que hay muchas
grabaciones del trompetista que merecen la pena como:
- Sus Grabaciones con Gerry Mulligan en el afamado “cuarteto sin piano”
- Las Grabaciones realizadas en los 50s para el sello Pacific Jazz
- Los 5 Albumes en Directo grabados para el sello Prestige en 1965,
recientemente editados en 3 cds., acompañado por George Coleman
al Saxo Tenor.
- Destacar un Album no muy conocido que grabó en el año
1983 para el sello holandés Timeless titulado “Mr. B”. Es un
album en Trio y sin batería, incorporándose el guitarrista
Phillip Catherine en alguno de los temas. En este disco tenemos una
extraordinaria interpretación del tema compuesto por Herbie Hancock
“Dolphin Dance”.
Soy consciente que a pesar de haber citado estos albumes a mayores,
es muy posible que algún aficionado tenga como favorito otro
album que no haya sido citado aquí, pero es que la discografía
del genial trompetista es muy amplia y los criterios de los aficionados
muy diversos, afortunadamente.
Manuel Lopez
Dave Rempis Quartet - Out of Season
482
Music
Comentario: Hace ya casi de cuatro años Dave
Rempis lleva pacientemente preparando este cuarteto. Llegado el momento
de mostrar su trabajo, el saxofonista ha elegido la mejor vía,
la grabación y edición de un concierto en directo, realizado
el 6 de octubre de 2003 en el club 3030 de Chicago.
Si fuesen necesarias las pruebas, allí estarían para confirmar
lo que mucha gente sabe: parte de la mejor música improvisada
del momento proviene de la ciudad de los Vientos, cuyo paisaje está
muy lejos de reducirse a Ken Vandermark, músico con quien Rempis
inició tiempo atrás una colaboración como miembro
de los Vandermark 5. Su reclutamiento coincidió con la necesidad
de sustituir a otra de las grandes estrellas de Chicago, el ardiente
Mars Williams, de vuelta con sus XMARSX y con el Peter Brötzmann
Tentet en los que está como pez en le agua. No hay mal que por
bien no venga. A la vez que pasaba a integrar el círculo de Vandermark,
Rempis ya mostraba su actividad creativa vía Triage, con Tim
Daisy y Jason Ajemian, trío con el que ha grabado dos álbumes,
Premium Plastics (Solitaire Records) y Twenty Minute Cliff (Okka Disk).
Pero el caso ahora es otro y debe ser debidamente señalado: Dave
Rempis, saxofonista con voz propia, regresa con Out Of Season (482 music),
el estreno en disco de su nuevo grupo. ¡Magnífica noticia!
Para abrir la sesión, saxo tenor, piano, contrabajo y batería
intercambian ideas en un tema de estructura simple, clásica en
el orden de presentación de los solos. A la cabeza, como tema
para las intervenciones subsiguientes, un solo de tenor seco, arrancando
en caliente. Para seguir, el piano de Jim Baker cabalga a partir de
él y profundiza en una secuencia de líneas abstractas.
Improvisa y repite los motivos melódicos con el sustento del
toque energético de Jason Roebke y Tim Daisy, la pareja perfecta
para este baile.
A una señal de Rempis salen de escena, dejando al saxofonista
solo para ejecutar un monólogo susurrante de fragmentos arrancados
de las estructuras complejas recién expuestas por el cuarteto.
Qué buen gusto muestra al escoger esas tonalidades oscuras y
sombrías que se desvanecen y detienen el tiempo... Pausa. El
silencio es roto por el impetuoso regreso del trío acompañante
que envuelve al tenor. A buena velocidad, juntos se acercan al borde
del precipicio, donde abruptamente dan por terminado el preludio de
la suite, la primera de las dos composiciones que integran el disco.
Conviene respirar profundo, por que falta todavía por recorrer
la mitad del camino.
Tomando un respiro, el grupo ataca una nueva composición colectiva,
explorando las minuciosas complejidades de la improvisación libre
de origen británico. En esta fase de las operaciones el énfasis
es puesto en los aspectos microscópicos de la música,
con el saxofonista investigando en un espectro sonoro que se sitúa
entre Evan Parker y John Butcher, que incluye cambios imprevisibles
de dirección antes de volver a retomar los caminos del jazz.
Tenemos aquí a un instrumentista de primera, que asume una estética
más próxima a Rob Brown que a Ken Vandermark y que, dependiendo
del momento, elige el saxo tenor o el saxo alto.
El último pasaje de la primera suite se abre con un solo de piano.
Jim Baker trae a la memoria el trabajo más reciente de Burton
Greene, Live at Grasland (Drimala). Concentración, belleza formal
y profundidad emocional -¡un placer el toque de Míster
Baker! Introducido el tema, a la voz solitaria del piano se le unen
las otras tres, todas en el mismo tempo lento, casi solemne, perfecto
para crear tensión y de ahí en breve lanzarse Rempis a
la estratosfera, con tiempo y espacio para liberar el sonido grandioso
de su tenor. Siempre con nuevas revelaciones, sorpresa tras sorpresa.
Se siente la alegría que supone tocar para estos músicos
que se superan en la creación de sugerentes imágenes sonoras.
La segunda de las suites de Out Of Season, “Scuffle”, sigue el modelo
estético de la libre improvisación británica. Jim
Baker cambia el piano por el sintetizador. Las texturas que produce
encajan bien con los otros instrumentos. Buena elección. Es el
sintetizador quien lleva la voz cantante, oscilando entre el ruido electrónico
y la improvisación reduccionista (“near silence”). Estallan cuerdas,
rozan corrientes, rascan sonidos electrónicos. Todo inspira a
Rempis para soplar nuevos motivos superpuestos al ambiente saturado
de partículas sonoras en suspensión, impresionante hasta
el estertor final. El disco todavía no ha terminado y ya apetece
volver al principio.
“Never at a Loss”, composición-epílogo, retoma el ambiente
jazzy etéreo al estilo de Marilyn Crispell en sus grabaciones
para ECM. Durante breves minutos, el saxofonista se recoge en silencio,
ante las deambulaciones del trío por territorios de mayor paz
e introspección. Al final entra en escena para la coda, el subrayado
melancólico de esta extasiante jornada musical.
Todo funciona a las mil maravillas en Out Of Season. Dave Rempis tiene
grandes motivos para estar muy satisfecho con el primer disco del cuarteto,
como imagino que estará. No es para menos. Bien se lo puede agradecer
a Jim Baker. Pianista en todo tipo de contextos, Baker es el hombre
que marca la diferencia, que construye el cuarteto a partir del trío,
si así se puede decir. Quizá sea el resultado de más
de 20 años de trabajo en Chicago.
Y Jason Roebke, joven contrabajista y compositor también tiene
su parte de mérito en este elogiable trabajo colectivo, una fuerza
siempre presente, aunque no se note demasiado. Es decir, Roebke ha adquirido
una cualidad que normalmente se atribuye a los maestros; este músico
se entiende a la perfección con Tim Daisy, con quien comparte
responsabilidades en el trío Rapid Croche. Daisy es sin duda
un muchacho a tener en cuenta en los años venideros, es indiscutiblemente
uno de los más importantes e interesantes baterías de
la nueva ola de Chicago, cómplice de Rempis en los Vandermark
5. Esto está todo relacionado...
Pero lo que es realmente excitante en este disco, más que resaltar
la ejecución y la técnica individual de cada músico
–que nunca llega a ser mera exhibición de capacidad instrumental-
es el hecho de aprehender todo el manantial de pormenores armónicos,
la dinámica colectiva, las diferentes sensibilidades de los artistas
sobre el escenario; y, por encima de todo, la energía contagiosa
que emana de esta música convincente, elaborada en directo y
servida sin colorantes ni conservantes. Música que llena espacios
vacíos y tiene el don de humanizar unos días que se van
tornando áridos. Una punta de lanza en el combate contra la desertización
y un placer tanto para el corazón como el intelecto. ¡Un
acierto, Mr. Rempis! ¡Viva la Libertad!
Eduardo Jorge Chagas
Varios Autores - Document Chicago: New Jazz And Improvisation
Composiciones: 1. Clean 2. Last Night
3. Fleet 4. Remembering Tokyo, the Last Alaskan 5. Through an Open Window
6. UPD 7. Hannibul 8. It's Enough 9. Trying Not to Stand Still 10. The
Cocktail Party Effect 11. Black Shoe 12. Incidentally 13. California
Fingers
Editado en 2003
482 Music 82-1015
http://www.482music.com
Mùsicos: Josh Abrams (contrabajo), Jason Adasiewicz
(batería, vibráfono, contrabajo, glockenspiel, órgano),
Jason Ajemian (contrabajo), Matt Bauder (saxo tenor), Jerome Bryerton
(percusión), Colin Bunn (guitarra), Ken Champion (pedal steel),
Johnathan Crawford (batería, Kawai SX-240), Tim Daisy (batería),
Brian Dibblee (contrabajo), Jonathan Doyle (clarinete, saxo barítono,
saxo tenor, melódica), Phil Mosberg (guitarra), Jeff Parker (guitarra),
Diana Parmeter (cello), David Pavkovic (batería), Alec Ramsdell
(piano), Michael Reed (batería), Dave Rempis (saxo alto), Matana
Roberts (saxo alto), Griffin Rodriguez (contrabajo, electrónica),
Jason Roebke (contrabajo), Frank Rosaly (batería), Eric Roth
(batería), Matt Schneider (guitarra), Aram Shelton (saxo alto,
loops), Chad Taylor (batería), Matt Thompson (contrabajo), Nate
Walcott (trompeta)
Composiciones:
1. The Pavkovic Band - Clean
Jason Adasiewicz: vibráfono; Jonathan Doyle: clarinete; Diana
Parmeter: cello; David Pavkovic, batería
2. Dragons 1976 - Last Night
Aram Shelton: saxo alto; Jason Ajemian: contrabajo; Tim Daisy: batería
3. Triage - Fleet
Dave Rempis: saxo alto; Tim Daisy: batería; Jason Ajemian: contrabajo
4. The Exciting Trio - Remembering Tokyo, the Last Alaskan
Griffin Rodriguez: contrabajo, electrónica; Matt Schneider: guitarra;
David Pavkovic: batería
5. Jason Adasiewicz / Jon Doyle - [5 Minutes from] Through an Open Window
Jon Doyle: saxo barítono, saxo tenor, clarinete, melódica;
Jason Adasiewicz: batería, vibráfono, contrabajo, glockenspiel,
órgano
6. Phil Mosberg / Eric Roth Duo - UPD
Phil Mosberg: guitarra; Eric Roth: batería
7. Sticks and Stones - Hannibul
Matana Roberts: saxo alto; Josh Abrams: contrabajo; Chad Taylor: batería
8. Jason Roebke's Rapid Croche- It's Enough
Aram Shelton: saxo alto; Jason Roebke: contrabajo; Tim Daisy: batería
9. Design Flaw - Trying Not to Stand Still
Jon Doyle: clarinete; Frank Rosaly: batería; Brian Dibblee: contrabajo
10. The Treehouse Project - The Cocktail Party Effect
Colin Bunn: guitarra; Ken Champion: pedal steel; Jonathan Doyle: saxo
tenor; Nate Walcott: trompeta; Michael Reed: batería; Matt Thompson:
contrabajo
11. Grey Ghost - Black Shoe
Aram Shelton: saxo alto, loops; Johnathan Crawford: batería,
Kawai SX-240
12. Bauder / Parker / Ajemian - Incidentally
Matt Bauder: saxo tenor; Jeff Parker: guitarra; Jason Ajemian: contrabajo
13. Bauder / Ramsdell / Bryerton - California Fingers
Matt Bauder: saxo tenor; Alec Ramsdell, piano; Jerome Bryerton, percusión
Comentario: Desde hace ya unas décadas Chicago
ha estado relacionado con la asociación AACM (Asociación
para el Avance de la Música Creativa) y con algunos de sus principales
representantes (Art Ensemble Of Chicago, Anthony Braxton o Muhal Richard
Abrams). En la década de los 90 la irrupción en esa escena
del bostoniano hiperactivo Ken Vandermark, músico no perteneciente
a dicha asociación, sirvió como punto de atracción
de la atención musical hacia la actividad musical de dicha ciudad.
¿Y existe vida después de Vandermark? Existe: dentro y
fuera del AACM. Una muestra de esta actividad viene reflejada por el
trabajo de pequeños sellos que poco a poco van dando muestras
de la actividad de esta ciudad. Uno de estos sello es 482 music. Con
su recopilación de 2003 titulada Document Chicago, editó
una muestra de la actividad de algunos de los músicos y grupos
que trabajan en la ciudad del viento. ¿Y cuál es el estado
musical más allá de Vandermark y AACM a tenor de lo aquí
escuchado? Pues el estado no se puede calificar sino de excelente. Más
allá de otras consideraciones, la variedad es la característica
global de lo aquí mostrado, con propuestas que se mueven desde
el free más clásico a la libre improvisación, sin
hace ascos al uso de la electrónica. Un magnífico disco
con trece pistas y más de veinticinco nombres (que algunos de
ellos han tenido su posterior edición en formato grande), que
sin duda alguna son parte del futuro de la música en Chicago
y del Jazz.
José Francisco Tapiz aka
diyeipetea
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