Elements Of The 7th - Rhythm Process = 2x ( y ) + 3
Músicos: Atiba Wilson,
Sabir Mateen, Clark Gayton, Roy Campbell, Matthew Shipp, Brian Carrott,
Clifford Pusey, Bill Dotts, Clyde Bullard, Alex Blake, Michael Thompson,
Charles Hopkins, Ras Tschaka Tonge, Neil Clark and Michael Foley Kolade.
Quadraphonic Records
Comentario: Este sí que podría ser el
disco más extraño, intrigante y sublime publicado en este
año que acaba. Algunos de sus músicos son conocidos, como
el omnipresente Matthew Shipp, que toca en varios temas de este disco,
dos de los cuales además son composiciones suyas, los también
conocidos músicos en la escena Post Free a caballo entre Nueva
York y Chicago, Roy Campbell y Sabir Mateen, con otros menos famosos
como el gran bajista Alex Blake, antiguo acompañante de Pharoah
Sanders o Randy Weston, o casi recién llegados pero ya notables
como Brian Carrott, vibrafonista muy activo en los grupos del batería
Ralph Peterson.
Junto a ellos otros músicos prácticamente desconocidos
, aparentemente dirigidos por Atiba Wilson, un extraordinario flautista,
y el el productor Alioune N'Diaye, que son los que componen los otros
temas del asunto.
Y el asunto, mira que es difícil de describir...empieza con un
scratch muy ácido de guitarra al que se va sumando un sonido
muy africano, un afro-funk pausado y brutal sobre el que la concatenación
de solos tremendos de Campbell, Mateen y el trombonista Clark Gayton
se desarrolla durante los veintitantos minutos asombrosos de este primer
tema.
El segundo empieza con un rimshot precioso del batería y un riff
maravilloso de los vientos, muy afro también...y más solos
de Mateen primero y después de un pabullante Carrott y Atiba
Wilson precediendo a Gayton cerrando el tema con otro solo en el que
recuerda mucho a Graig Harris, pero en más dulce...una preciosidad
de solo. En el tercero, de Shipp, la cosa cambia pero manteniendo el
punto muy africano, con la mezcla de esos acordes característicos
de su música con mucha percusión detrás...solazo
de Shipp también, y después, más y más temazos,
más y más solazos...y es que esto es...un discazo.
Una mezcla preciosa del Post Free más interesante con una puesta
al día maravillosa de aquel Jazz africano que hacían muchos
grupos en Chicago y otras grandes ciudades del norte de Estados Unidos
hace veinte años, y un grupo de músicos cuyos nombres
habrá que apuntar...y seguir.
Jorge LG
Wycliffe Gordon - In The Cross
Músicos: Marcus Printup, Victor
Goines, Eric Reed, Damien Sneed, Reginald Veal, Alvin Atkinson Jr.,
Richard Johnson, Brian Foster y el Garden City Gospel Choir.
Criss Cross
Comentario: Wycliffe Gordon sigue diversificando su
carrera : tras discos a dos trombones, discos de puro Neo Bop, otros
con variaciones de esa fórmula con una rítmica de órgano
y guitarra más Soul Jazz, otros dedicados a repertorios de Blues
o de Ellington y otros grandes compositores...ahora, le toca al Gospel.
Wycliffe tiene el don de la humildad y la falta de pretensiones en sus
proyectos, receta que a veces debería aplicarse uno de sus habituales
jefes de filas, Wynton Marsalis. Ataque el repertorio que sea, siempre
consigue resultados directos, faltos de artificios, naturales...y es
que él es así, un tío directo y natural como su
música.
Y lleno de música, además : los que lo hayáis escuchado
alguna vez en las numerosas jams en las que participa cuando anda por
Europa ya sabréis cómo las gasta como improvisador, con
esa facilidad para fagocitar estilos diversos de toda la historia de
su instrumento, el trombón, aunque siempre con una tendencia
natural a la zona más expresiva de esta, sobre todo al sonido
jungle de principios de siglo, a los efectos con sordina y a los ostinatos
llenos de vibrato rugoso y sonido pleno.
Le acompañan un fantástico coro que encaja perfectamente
con la música fundamentalmente instrumental que interpreta, más
un Eric Reed y un Reginald Veal que están absolutamente en su
salsa y otros músicos más o menos curtidos de su generación
de neo-boppers.
Divertido, fresco, y natural, y además muy bien grabado en Systems
Two y en un estudio de Augusta, con un sonido muy parecido al que se
siente cuando se escucha Gospel en una pequeña iglesia del Sur,
que es donde se debe escuchar esta música.
Jorge LG
Connie Prize & The Keystones - Wildflowers
Músicos: Connie Prize,
Pete McNeal, Josh Cohen, Davey Chegwidden, Dave Wider, Richard Lee,
Dan Ubick, Willie Lee, Leo Prize, Jeremy Ruzumna, D'Wayne Kelly, Dan
Hastei, Todd M. Simon, Hoagie Haven, James King and Tracy Wannomae,
with Malcolm Catto, Bobby Watley, Jan Weissenfeldt, Lester Abrams y
Leslie Smith
Now-Again Records-Stones Throw
Comentario: Funk, afro-funk, neo-funk y más
funk : la creme de la creme de los músicos que practican el Funk
más pantanoso en la costa oeste, inspirados en lo mejor de las
bandas de James Brown y Fela Kuti de los sesenta y setenta, el mejor
Ryhtm & Blues de los setenta de Nueva Orleans, y el Funk de Texas
y otros sitios del sur en esa década.
Y nada de revival y tampoco nada que ver con aquella cosa "light"
e insulsa que fue el lamentable movimiento del Acid Jazz inglés
de los noventa. Todas las tripas que faltaban en aquella cosa están
aquí bien fritas en cantidad de la grasa que hace potente el
mejor Funk. Estos grandes músicos no tienen como objetivo el
hacer más digerible la música superpotente que se hizo
en los setenta, sino todo lo contrario...o sea recuperar aquella energía
que luego la música Disco fue apagando poco a poco.
Y con solos...y una técnica instrumental que no es común
en ese campo ni en el que nos solemos interesar más los aficionados
al Jazz. A los que os gustase el fantástico disco de la Quantic
Soul Orchestra del año pasado, que no estaba nada mal tampoco,
esto os va a llenar, pero mucho más...y a todos aquellos a los
que os guste la música Funk en cualquiera de sus distintas variaciones,
id de cabeza a buscar este disco a las tiendas, porque os va a encantar.
Os lo juro por James Brown y Fela...y si hace falta hasta por San George
Clinton.
Jorge LG
Ralph Peterson - The Fo' tet Aumented
Músicos: Don Byron, Bryan
Carrott, Belden Bullock y Eguie Castillo.
Criss Cross,
Comentario: Después de dos discos con su quinteto
en el que se ha lanzado Jeremy Pelt, una de las nuevas estrellas de
la trompeta, Ralph Peterson vuelve a poner en marcha su anterior proyecto
con Byron a los clarinetes y el vibrafonista Bryan Carrott, más
su habitual contrabajista, el injustamente poco conocido Belden Bullock,
que ya formaban parte de su " Fo' tet ", más aquí
el percusionista Eguie Castillo que adereza muy bien en algunos temas
la de por sí muy rítmica música del líder.
Siempre ha sido un gran compositor : cuando empezamos a conocerle en
los grupos de David Murray, llamaban la atención las estupendas
baladas que componía para el impactante sonido de aquel líder,
y en sus primeros grupos con él al frente, también grabó
temas soberbios y muy originales, con una tendencia muy acusada a utilizar
melodías que aquí, Byron especialmente, magnifica a lo
largo de todo el disco.
Y es que Byron aquí es la estrella, a pesar del "overdrumming"
muy exagerado y a la vez, controlado, del líder : Byron se sale,
con ese sonido maravilloso y esa capacidad para andar "in &
out" por los acordes del tema. Bryan Carrott es un vibrafonista
muy...pianista, como Stefon Harris, de los que buscan inspiración
tanto en Bobby Hutcherson como en Hancock, y Bullock cumple perfectamente
su función de sostener la exageración del líder
con su acompañamiento muy rotundo, que no sobrio, pero discreto.
Los temas son variados y bonitos hasta más no poder, todos del
líder menos el primero, una original versión de "Shade
Of Jade" de Joe Henderson, y una preciosa versión del "Johnny
Come Lately" de Strayhorn, y están tocados con una fuerza
que demuestra que este es uno de los grupos más interesantes
del Jazz que hoy día se hace por el mundo, a pesar de lo poco
conocido que es. Con discos así no tardará en dejar de
serlo.
Jorge LG
Músicos: Mark Turner, Jeff
Ballard y Larry Grenadier.
Savoy
Comentario: Hay músicos que no nos gustan mucho,
y de repente nos encantan en según que formatos. A mí,
personalmete, Mark Turner siempre me ha parecido el saxofonista más
aburrido de su generación...ya sé que es muy divertido
que siempre los blancos se hacen famosos imitando la música que
hacen los negros ( estereotipo que por desgracia se cumple a menudo
) y que es gracioso que Turner, negro, se haya hecho famoso buscando
inspiración ( por decirlo de manera suave ) en la música
de Warne Marsh ( blanco ), pero el chiste me da poco de sí...
no me ha convencido nunca ni en vivo, ni en disco, hasta esta perla.
También hay que reconocer que de todos los asombrosos baterías
de la actualidad, Ballard no me había llamado tanto la atención,
y aquí está tan tremendo que el disco casi creo que se
debería llamar " Jeff Ballard Trio". Sus temas son
de ritmos originalísimos, su presencia es apabullante, y ayuda
mucho además que está grabado de forma que su instrumento
está siempre en primer plano.
La gracia es que me encanta Turner en este disco : está como
al lado, porque tampoco podría decir que detrás, con esas
frases tan...Marsh, que finalizan de manera prodigiosa el puzzle que
hacen Ballard, y un Grenadier, que ese...ese sí que me había
gustado mucho siempre, y eso a pesar de que tampoco me interesan mucho
otras formaciones en las que milita.
Esto es como si Tristano hubiese resucitado, les hubiese convencido
a los tres de aplicar sus teorías compositivas y de desarrollo
de los temas a todo aquello que hemos escuchado en década y media,
y además lo hubiese supervisado para que tuviese la medida perfecta
que tenía siempre la música maravillosa que hicieron sus
acólitos.
El piropo más exagerado que se me ocurre, lo voy a soltar: si
se juntasen Marsh, Scott La Faro y Shelly Manne, y decidiesen interpretar
a su manera la música desarrollada desde el noventa hasta este
2004 en el que se ha hecho esta maravilla, no lo harían mejor.
Y me da igual que diga alguno que soy un exagerado...que claro, soy
de Bilbao, etc. Escuchad este disco...y ya me contaréis si exagero
tanto.
Jorge LG
Músicos: Geri Allen, Adam Holzman,
Antoine Roney, Don Byron, Clifton Anderson, Matthew Garrison, Eric Allen
y DJ Logic.
High Note
Comentario: No sé si este disco me gusta o no...tampoco
lo que voy a escribir ni quésiento cuando lo escucho. Intentaré
pensar en voz alta : es como si Miles hubiese resucitado, además
se saltase su promesa de no mirar nunca atrás ( que la verdad
es casi nunca se la saltó, al menos así de descaradamente
), y decidiese revisar su música desde el quinteto de los sesenta
hasta su muerte.
He dicho revisar. No modernizar. Me gusta mucho la música que
aquí se toca. Pero no le veo sentido...ya la he escuchado antes,
ni mejor, ni peor, porque la verdad es que se nota tanto y por todas
partes que la admiración que tienen estos músicos por
la música de Miles en la que se inspiran es enorme y sincera,
que la música que hacen es clavada hasta en intensidad que la
original, pero...¿ para qué ? ¿ Que sentido tiene
hacer esto otra vez ? Aunque se haga así de bien.
Y es que Roney parece Miles, pero de verdad. Y es que el otro Roney,
es Shorter, cuando Shorter tocaba así de bien. Y Geri no parece
casi Geri Allen, parece Hancock. Y mira que es difícil tocar
tan parecido a Tony Williams y Lenny White como toca su hermano Eric
Allen, pero...¿ cual es el motivo para hacer estas imitaciones
?
Tal vez que era una música ta poderosa que es dificilísimo
meterse en este "sarao" sin salir "pringao", porque
mira que esa música de Miles era preciosa. Y esta también.
Pero aquella era de verdad...de la buena.
Jorge LG
Joan Díaz - Dalirògena (retrat sonor de Salvador Dalí)
Músicos: Joan Díaz
(composición, piano y teclados), Dani Pérez (guitarras),
Jon Robles (flauta y saxos), David Mengual (contrabajo y bajo eléctrico),
David Xirgu (batería)
Composiciones: Aigua (part I, part II), Terra (part
I, part II), Aire (part I, part II), Foc
Grabado el 28, 29 y 30 de junio de 2004 en los estudios 44.1 de Gerona,
España. Editado en 2004 por Satchmo Jazz Records.
SJR CD 00074J http://www.satchmojazz.com
Comentario: Lujosa presentación
“surrealista” de este cd, dedicado íntegramente al genial pintor
gerundense Salvador Dalí; en formato digi-pack con amplia documentación
fotográfica interior de cuadros del pintor.
No menos lujosa la música incluida en esta obra, dividida en
4 partes y, subdividida a su vez en 7 temas que conforman una obra conceptual
de los 4 elementos naturales: agua (partes I,II),tierra (partes I,II),aire
(partes I,II) y fuego.
Joan Díaz ha completado su obra mejor y mas madura de cuantas
ha realizado hasta la fecha; por encima de su anterior disco para Satchmo
Mostrebú (2001).
La elección de los componentes no ha podido ser mas acertada;
Daniel Pérez , es sin duda uno de nuestros mejores guitarristas,
moderno, vanguardista con pleno dominio del instrumento cuya participación
es siempre generosa.
David Mengual, es quizás nuestro mas destacado contrabajista
después de Baldo Martínez que no hace mucho publicara
en este mismo sello su último trabajo (en igualmente lujosa presentación
digi-pack) Deriva con la práctica totalidad de los músicos
intervinientes en Dalirógena.
David Xirgu es un batería magnífico, moderno, sutil, capaz
de emplearse a fondo cuando la ocasión lo requiere; hace 4 años
grabó un excelente disco para FSNT con Daniel Pérez titulado
Indolents.
Jon Robles es un saxo de fraseo fácil, potente y sostenido que
además utiliza la flauta travesera con acierto en el corte agua
parte I, que abre el disco.
No puedo ocultar mi gusto por los sonido producidos por el fender rhodes,
sobre todo si se hace con la soltura y sensibilidad de Joan Díaz,
demostrando que es suficiente no sólo con el piano acústico.
La parte II de agua comienza con una breve introducción de piano
y el sutil y elegante apoyo de la guitarra acústica de D.Pérez,
dando paso al resto de instrumentos y, el posterior solo del propio
Daniel P. a la guitarra eléctrica.
En terra parte I el papel predominante lo toma J.Díaz con el
fender rhodes, con sonidos metálicos y tímbricos de gran
belleza serena, con la inclusión de la melódica para finalizar.
La balada corre a cargo del 5º tema, aire (parte I), destacando
la guitarra, piano eléctrico, el saxo tenor y batería
con escobillas de Xirgu, dándole una especial sensibilidad y
encanto.
El tema 6,Aire (parte II) comienza a buen ritmo y tomando velocidad
a medida que se acerca al final, para terminar de forma abrupta.
Con Foc finaliza el álbum, el tema mas flamígero de todos
con el bajo eléctrico de Mengual marcando ritmo y pauta, y el
saxo de J.Robles llevando la batuta, le releva la guitarra de D.Pérez
con un solo disonante y generoso que casi nos lleva al final.
Grabación sumamente recomendable para todos aquellos amigos del
riesgo controlado. Una de las mejores obras publicas por Satchmo.
Enrique Farelo
Carolino, Delgado Y Frazao - TubaGuitarra&Batería
Músicos: Sérgio
Carolino (tuba), Mário Delgado (g y dobro) y Alexandre Frazao
(bat y melódica).
Grabado en Agosto de 2003.
Clean Feed CF023CD
Comentario: La escucha de discos como el presente trabajo,
nos hace plantearnos una pregunta que en más de una ocasión
nos hemos cuestionado, ¿qué se puede considerar jazz?
Sin duda muchos puristas no dudarían en catalogar al mismo fuera
del jazz, pero es obvio que el instrumento de la tuba tuvo su punto
culminante en el jazz en el trabajo de Miles Davis, Birth of The Cool,
noneto que se le llegó a llamar la “banda de la tuba”. Anteriormente
a Miles Davis, la tuba disfrutó de sus momentos álgidos,
especialmente en la época de los años 20 y años
30, así como en los años 50; a través de las grandes
orquestas de Stan Kenton o Gil Evans, en donde sirvió de complemento
grave en las secciones de bronces.
En la actualidad es difícil encontrar formaciones formadas por
tuba, guitarra y batería; señalar a modo de ejemplo, la
formación italiana de Tuba Trío de Enzo Roco, quien tiene
en el mercado discográfico tres discos con idéntica formación.
El presente trabajo esta conformado por tres de los músicos portugueses
con más proyección, Sérgio Carolino a la tuba,
Mário Delgado a la guitarra y Alexandre Frazao a la batería.
De todo ellos el más conocido es Mário Delgado a consecuencia
de su trabajo con el bajista, también portugués, Carlos
Barreto.
La creatividad y sonoridad de la guitarra de Mário Delgado, con
aspectos provenientes claramente del pop y del rock, así como
elementos distorsionadores y con claras reminiscencias a la guitarra
de John Scofield, apoyada por la fantasiosa batería de Frazao
y adornado por la estupenda sonoridad de la tuba de Sergio Carolino,
confieren a los temas, una paleta de colores musicales sin duda inclasificables,
pero dignos de ser escuchados. La música que se extrae de la
formación es lírica por momentos, mientras en otros la
improvisación se apodera de todos los componentes del trío,
para desarrollar en otros momentos elementos rockeros y de influencia
pop. La utilización de la tuba, uno de los alicientes de la grabación,
confiere una sonoridad interesante, siendo resaltable la obtención
de matices, todo ello apoyado con un gran control en la profundidad
de las tonalidades graves.
La combinación de todos los elementos señalados, conllevan
una perfecta conjunción entre todos los músicos, lo que
permite extraer una considerable y diferente paleta musical, con una
sonoridad orgánica por parte de todo el grupo. Resulta interesante
la escucha de temas de fuerte calado jazzístico como son “Brilliant
Corners” de T. Monk o “Un Poco Loco” de Bud Powell, con una formación
de este tipo.
En definitiva, los amantes a la música en general disfrutarán
del resultado que se desprende del presente trabajo, con independencia
de la etiqueta que le pongamos al final de dicha escucha.
Juan Carlos Abelenda.
Dennis González Ny Quartet - NY Midnight Suite
Músicos: Dennis González
(trompeta), Ellery Eskelin (saxo tenor), Mark Helias (contrabajo) y
Mike Thompson (batería)
Grabado el 22 de Noviembre de 2003.
Clean Feed CF020CD
Comentario: Interesante se puede calificar
la propuesta que llevó a cabo en el año 2003, el trompetista
Dennis González, al reunir a unos músicos, algunos de
los cuales no habían tocando nunca juntos. De la conjunción
de músicos de la talla de Ellery Eskelin, Mark Helias y Mike
Thompson, fue el fruto de la presente grabación, y en particular
la suite que da título al trabajo “NY Midnight Suite”, a su vez
estructurada en tres temas, todos ellos originales del líder
Dennis González y con una duración próxima al cuarto
de hora.
Esta suite es sin duda alguna lo más destacable del trabajo,
al posibilitar el lucimiento y desarrollo musical de todos y cada uno
de los músicos, no sólo del líder de la sesión.
La participación de cada músico concede la facultad de
desarrollar sus ideas musicales a través de unos solos de interesante
calado musical e improvisatorio. Los solos se encuentran apoyados por
la banda de músicos en todo momento, lo que provoca una sensación
de interacción entre los solistas y el grupo, que conduce a una
música con diferentes cambios musicales y de ideas que hacen
estar pendientes de su escucha en todo momento. Señalar los ricos
desarrollos de Ellery Eskelin tanto a nivel melódico como a nivel
armónico, así como la potencia sonora de Dennis González,
todo ello apoyado por una aportación correcta en todo momento
de Helias y Thompson.
El resto de temas del compacto son también originales de Dennis
González. A resaltar el tema “Hymn For The Elders”, a medio tempo
y que es desarrollado por Eskelin y González, a través
de un mutuo diálogo y con una fuerte carga emocional y lírica.
Comentar finalmente la aportación con grabaciones de calidad,
que esta llevando a cabo el sello portugués Clean Feed, de quien
esperamos que sus futuras producciones sigan la línea de apostar
por proyectos de contrastada calidad como el aquí comentado.
Juan Carlos Abelenda.
Ellery Eskelin - Ten / EEwAP&JB+3(10)
Músicos: Ellery Eskelin (saxo
tenor), Andrea Parkins (acordeón, piano, sampler), Jim Black
(batería y percusión). Invitados: Marc Ribot (guitarra
eléctrica), Melvin Gibbs (bajo eléctrico), Jessica Constable
(voz)
Composiciones: If Not Now 3:25, Tell Me When 4:07,
Anyone's Guess 6:01, Say It Again 5:09, Ask To Be 6:14, More Than That
5:26, Anywhere, Not Here 5:35, If So 2:17, Ask Me Why 2:35, No Illusions
8:34, I Couldn't Say 6:19, Take Me (Benjamin Constable) 8:04
Composiciones por Ellery Eskelin, salvo dónde se indica.
Grabado en System Two Studios, Brooklyn, NY por Jon Rosenberg. Editado
en 2004.
HatOlogy 611 http://www.hathut.com/
Comentario: Ten es el proyecto celebración
del décimo aniversario del trio formado por el saxofonista Ellery
Eskelin, el batería y percusionista Jim Black y la en principio
utilizadora de samplers y acordeón y desde hace unas cuantas
grabaciones, además pianista Andrea Parkins. Si algo ha demostrado
el trio a lo largo de los años es que es uno de los trios estables
más interesantes en estos momentos. Nada más lejos de
ser su asociación un encuentro para una grabación, su
empeño los ha podido mostrar tanto en grabaciones como en conciertos
a lo largo de los años tanto en Europa como en los Estados Unidos.
Y estoy hablando de empeño, por que resulta notable lo que el
propio Ellery Eskelin relataba de su gira por europa hace unos años
en su diario personal, traducido y publicado en España en la
revista Cuadernos de Jazz (Enero de 2001, http://home.earthlink.net/~eskelin/cuadernos.html).
¿Cuál es el resultado de esta celebración? Un resultado
magnífico, que bien podrían haber sido dos, pero que a
la postre y por fortuna es uno sólo. Me explico: a pesar de los
créditos del disco, que nos indican la participación del
guitarrista Marc Ribot, el bajista Melvin Gibbs y la cantante Jessica
Constable como añadidos al trío, se pueden distinguir
dos partes claramente diferenciadas.
Por una parte está el trabajo con su trio en la mitad de las
piezas. Salvo en casos muy contados (Anyone's Guess, If Not Now), el
trio trabaja a partir de las composiciones de Ellery Eskelin, que sirven
como trampolines para lanzarse a la improvisación y la abstracción.
No voy a volver a incidir en que estamos hablando de uno de los mejores
trios en la actualidad y de la gran empatía que logran a la hora
de trabajar con su música.
La otra parte del disco está formada por las composiciones en
las que intervienen los invitados a esta celebración. En esta
ocasión sus compañeros de trio no aparecen siempre, del
mismo modo que en estas piezas tampoco intervienen todos los invitados
en todas las ocasiones. Es decir, en esta parte del disco las formaciones
varían entre el dúo (con Jessica Constable en Tell Me
When) y el sexteto (No Illussions, Tell Me), pasando por el trio, cuarteto
y quinteto. Vuelve a imperar la abstracción (especialmente cuando
participa la vocalista -que no cantante) Jessica Constable. Aaunque
también hay tiempo en el disco para disfrutar con la urgencia
expresica de Marc Ribot y compañía por ejemplo en If So,
la tranquilidad en Anywhere, Not Here o para disfrutar con un Melvin
Gibbs que permite que salga la fiera escondida dentro de ese cuerpo
menudo y cara de niño del batería y percusionista Jim
Black. Todo ello acompañado por Andrea Parkins, que aporta el
toque atmosférico cuando se requiere con sus samplers o acordeón
pero que es una magnífica pianista cuando se requiere.
Otro eslabón más en la magnífica carrera y discografía
de este trio. Desde aquí nuestra felicitación por su cumpleaños.
Y para quien quiera disfrutarlos, en breve en una nueva gira, acompañados
por Jessica Constable. Que sea por muchos años más.
José Francisco Tapiz
Sonore - No One Ever Works Alone
Músicos: Mats Gustafsson (st
y saxo barítono), Ken Vandermark (st y saxo barítono y
clarinete bajo) y Peter Brotzmann (saxo alto ,axo tenor, saxo bajo,
tarogato y clarinete)
Grabado el 26 Octubre 2003 “Loft” Köln. Publicado en el año
2004
Okka Disk OD12053 http://www.okkadisk.com
Comentario: El encuentro de tres de los más
importantes músicos de la libre improvisación no puede
dejar indiferente a ningún aficionado al free jazz. Peter Brotzmann,
en la actualidad 63 años, el hiperactivo músico de Chicago
Ken Vandermark, y el no menos activo improvisador sueco Mats Gustafsson,
(dos de los jóvenes exponentes en la actualidad), nos ofrecen
en este trabajo, una demostración del buen hacer improvasatorio
que es desarrollado en sus carreras respectivamente.
El encuentro de estos músicos no es casual, tanto Vandermark
como Gustafsson han participado en grabaciones y actuaciones con el
músico alemán y forman parte de diversas formaciones lideradas
por Peter Brotzmann, en octeto y tenteto.
El nombre del grupo nos podría indicar de entrada el tipo de
música que nos vamos a encontrar a lo largo de la audición,
así como el primer tema que se encuentra desarrollado en el cedé;
una auténtica avalancha sonora. Bien lejos de todo ello, la música
que se interpreta, lo es desde un plano de igualdad entre todos los
músicos; siempre desde el diálogo y nunca desde la confrontación
o rivalidad. Ken Vandermark, como buen conocedor de la gran tradición
americana del free jazz, aporta sus mejores conocimientos musicales;
Peter Brotzmann incorpora la experiencia musical y por último,
Mats Gustafsson aporta técnicas de enormes carga improvisatoria
(provenientes de la tradición americana de grandes improvisadores),
con mezcla de elementos de la música culta Europea.
La música que se desarrolla a lo largo de toda al grabación
se pueda calificar de compleja, pero no exenta de ser disfrutada en
todo su esplendor. El planteamiento de no encontrarnos ante una “batalla”
de saxos hace entender a los componentes del grupo, que cada uno de
ellos participa de la improvisación que se lleva a cabo, y que
el resultado final de todas las improvisaciones es un conjunto orgánico
de escucha.
Nos encontramos con desarrollos improvisatorios vigorosos y explosivos
por parte de todos los intérpretes (a veces, a base de diversos
matices instrumentales), circunstancia que es de esperar en improvisadores
de esta calidad. Pero el hecho más significativo de toda la grabación,
es la graduación de la intensidad de estos desarrollos improvisatorios,
lo que conlleva que se produzcan unos espacios musicales para la creación
de texturas y pasajes, que en más de una ocasión se podrían
calificar de bellos, reflexivos y emotivos. Todo el conjunto provoca
la sensación de una música más racional con grandes
líneas armónicas y melódicas, y en consecuencia,
con una interpretación más basada en líneas de
acordes.
Estupenda grabación, que debe ser escuchada por los aficionados
al efecto de descubrir una estupenda formación de improvisadores.
Juan Carlos Abelenda.
Músicos:
Jeb Bishop (trombón), Axel Dörner (trompeta), Per-Åke
Holmlander (tuba )
Kent Kessler(contrabajo), Fred Lonberg-Holm (violonchelo)
Fredrik Ljungkvist (saxos, clarinete), Dave Rempis (saxos), Ken Vandermark
(saxos, clarinete)
Paul Lytton (percusión), Paal Nilssen-Love (percusión)
Kevin Drumm (electrónica)
Jim Baker (piano)
Composiciones:
CD1: 1 A Certain Light (for Peter Kowald) 16:10, 2
Framework (for Rob Vandermark) 16:30, 3 Slides #3 (for Bernard Parmegiani)
8:25
CD2: 1 Towards Abstraction (for Gil Evans) 12:20, 2
Slides #1 (for Kevin Drumm) 7:25, 3 Image As Text (for Richard Hull)
19:06
Composiciones por Ken Vandermark
Grabado el 23 y 24 de septiembre de 2002 por John McCortney en Airwave
Recording Studios, Chicago. Mezclado por John McCortney y Ken Vandermark
con la ayuda de Kevin Drumm. Portada e ilustraciones por Richard Hull.
Productores ejecutivos Bruno Johnson and Ken Vandermark. Editado en
2004.
Okka Disk OD12060 http://www.okkadisk.com
Comentario: Nueva grabación de la Territory
Band de Ken Vandermark, como en las dos ocasiones anteriores integrando
a músicos americanos y europeos. En esta ocasión presenta
un compacto doble (a pesar de que su duración global no llega
a los 80 minutos) con seís composiciones de su creación.
En estas continúa trabajando con su manera de entender el jazz
actual en una gran formación; en esta ocasión son doce
músicos entre los que se encuentran tres metales (trompeta, trombón
y tuba), tres saxos, dos músicos al contrabajo y chelo, dos percusionistas,
piano y electrónica.
Entre sus piezas destaca Towards Abstraction (dedicada al insigne Gil
Evans) en dónde a pesar de contar con unos músicos fuertemente
ligados a la escena de la Libre Improvisación logra que muestren
un magnífico swing. También A Certain Light con la alternancia
de pasajes más abiertos y abstractos con otros más cerrados
en cuanto a la composición. Interesantes son las dos versiones
del tema Slides, estructuras improvisatorias dirigidas hacia los pequeños
núcleos en que allí se encuentra dividida esta formación.
Otro paso adelante más en la carrera de Ken Vandermark. A sumar
a los dados en las grabaciones del trio Sonore (Brötzmann – Gustafsson
– Vandermark), The Vandermark 5, School Days, Spaceways Incorporated
y The Chicago Tentet de Peter Brötzmann, todas ellas en este año
2004.
José Francisco Tapiz
Nota: reseña aparecida en el número especial de la revista
Mas Jazz, Invierno de 2004.
Fabio Martini-Intrio - Practicality
Músicos: Fabio Martini
(sa y clarinete bajo), Tito Mangialajo Rantzer (b) y Carlo Virzi (bat)
Grabado en el año 2002
Leo Records LR 392
Comentario: El free jazz o la libre improvisación
es uno de estilos musicales que en la actualidad está provocando
un mayor número de interesantes grabaciones tanto en directo
como en estudio, teniendo así mismo una fértil actividad
tanto en Estados Unidos como Europa. Se puede afirmar de una forma clara,
que este estilo de jazz esta provocando un proceso de creación
prolífico en donde los músicos europeos se encuentran
en primera línea a nivel de expresión y calidad de ideas
a la hora de su ejecución.
Este es el caso que nos ocupa del improvisador italiano Fabio Martini,
quien con su grupo Intrio, acaba de publicar su más reciente
trabajo. El trío liderado por Martini nos presenta una música
y unas improvisaciones que provienen de diversos registros, que a su
vez provienen de los tres instrumentos de que está formado el
trío. La participación de los instrumentistas es por igual
a lo largo de la grabación, lo que provoca que en verdad no haya
propiamente un líder, y si lo hay, este es el trío. Cada
instrumentista tiene un mismo rol a la hora de establecer un dialogo
con el resto de músicos o consigo mismo. Para ello se valen de
ritmos flexibles y frases perfectamente estructuradas que permiten la
colaboración y el dialogo entre los diversos instrumentos. En
otras ocasiones, nos encontramos con temas en donde cada instrumentista
desarrolla su propio lenguaje de forma independiente, dando la impresión
que la improvisación es individual, pero en diversos puntos de
esa improvisación hay puntos de conexión con el resto
de improvisadores que hacen del tema desarrollado un todo perfectamente
estructurado y articulado.
El presente trabajo de Fabio Matini se encuentra repleto de material
musical delicado y sutil, así como de interesantes y fluidas
improvisaciones que hacen que su escucha deba ser llevada de una forma
reiterada, para poder extraer de la misma toda la riqueza musical que
atesora.
Un trabajo que a buen seguro no dejará indiferente a los aficionados
a la libre improvisación. Altamente interesante.
Juan Carlos Abelenda.
Branford Marsalis Quartet - Eternal
Músicos: Branford Marsalis
(saxos tenor y soprano), Joy Calderazzo (piano), Eric Revis (contrabajo)
y Jeff “Tain” Watts (batería)
Grabado ente el 7 y el 10 de Octubre de 2003
Marsalis Music 11661-3309-2
Comentario: Decepción. Esta es la palabra que
puede resumir la última grabación de Branford Marsalis
para su propio sello discográfico. El trabajo “Eternal” de Marsalis
se puede calificar como una grabación íntegramente dedicada
a las baladas. Con este propósito Marsalis se ha apuntado a la
“moda” de los discos constituidos en su totalidad por baladas. Recordar
los discos en el mercado más recientes como el de Michael Brecker
“Nearness of You: The Ballad Book” o el trabajo de Joe Lovano “I´m
All For You”. Pero sin duda, durante toda la grabación planea
la sombra de John Coltrane y uno de los trabajos más populares
del mismo, “Ballads”.
Con este proyecto Marsalis ha querido demostrar a sus detractores que
en ningún momento se ha olvidado de cómo explorar el intrincado
mundo de las baladas. Para ello se ha rodeado de su cuarteto habitual
(sin duda alguna uno de los más aguerridos en la actualidad),
contribuyendo cada uno de sus componentes con un tema original, al trabajo
final de Marsalis. La música interpretada presenta el problema
que nunca llega a trascender más allá de su simple ejecución,
a pesar del excelente grupo que lo interpreta, hasta el punto de que
incluso temas más tradicionales como el interpretado por Billie
Holiday “Gloomy Sunday” o el clásico “Dinner for One Please,
James” se ejecutan de un forma excesivamente cerebral, lo que conlleva
que los momentos más sentimentales y emocionales de la interpretación
se encuentren vacíos de contenido musical, a pesar de la correcta
interpretación de los mismos. Tan sólo la última
composición que cierra la grabación y que da título
al trabajo, original de Branford Marsalis, y de casi dieciocho minutos
de duración, aporta diversos elementos de hasta donde puede llegar
este cuarteto. El tema empieza de una forma tranquila para ir adquiriendo
un crescendo interpretativo por parte de todos los componentes para
finalizar tal como se inicio su ejecución. Interesante son los
desarrollos tanto de Calderazzo al piano, con un estilo lírico
y profundo así como vigoroso y altamente incendiario, como de
Marsalis con el saxo tenor a bases de densos desarrollos, apoyados por
una enérgica batería y un bajo rítmico que desarrollan
el que sin duda es el mejor tema de todo el trabajo.
Confiemos que el próximo trabajo de este cuarteto vuelva por
los caminos que han desarrollado en sus últimas grabaciones y
nos permita disfrutar de uno de los grupos más compenetrados
a nivel musical que existen en la escena americana.
Juan Carlos Abelenda.
Avalancha Brötzmann
Comentario: Hay músicos que son víctimas (prejuicios mediante) de su pasado. Peter Brötzmann lo es del suyo. Uno teme que a estas alturas de la partida haya quien piensa que tras editar hace ya casi 40 años una obra tan seminal, granítica y corrosiva como Machine Gun, elegir otros títulos tan evocadores como Balls, Nipples, For Adolph Sax o Die Like A Dog y desarrollar un concepto musical tan potente en la actualidad como es el de su Chicago Tentet (con un monumento al Free como fue su ahora agotado primer triple compacto en Okka Disk), más allá de la música del músico alemán no se encuentra nada más que el soplo compulsivo y el expresionismo hiper-free de este heredero de Albert Ayler. Y algo hay de cierto en todo esto. Ahí están sus recién editados Medicine y su directo en Spruce Street Forum. Pero también hay muestras de que el universo de este creador llega bastante más allá. Así lo demuestran una obra recién editada (Tales Out Of Time) y una reedición (14 Love Poems). Vayamos poco a poco y por partes:
Brötzmann/McPhee/Kessler/Zerang - Tales Out Of Time
Músicos: Peter Brötzmann
(saxos alto y tenor), Joe McPhee (saxo tenor, corneta de bolsillo, trompeta),
Kent Kessler (contrabajo), Michael Zerang (batería, percusión)
Composiciones: Stone Poem No. 1 (McPhee) 3:15, Something
There Is That Doesn’t Love (McPhee) 6:01, Master Of A Small House (Brötzmann)
7:22, Cymbalism (Zerang) 5:54, Alto Lightning In A Violin House (McPhee)
5:53, From Now Till Doomsday (Brötzmann) 6:46, Did You Still Love
Me/Did I Ever? (Brötzmann) 12:07, Blessed Assurance (Trad.) 4:11,
Pieces Of Red, Green And Blue (McPhee) 8:24, Stone Poem No. 2 (McPhee)
2:24
Grabado el 19 de junio de 2002. Editado en 2004.
Hat Hut Records http://www.hathut.com
Comenzando por la primera de ambas obras, hay que señalar en
primer lugar que Peter Brötzmann, Joe McPhee, Kent Kessler y Michael
Zerang forman el 40 por ciento del Chicago Tentet. Son por tanto Viejos
conocidos en sus andanzas musicales, a pesar de ser pertenecientes a
dos generaciones diferentes. Por una parte estarían Joe McPhee
y el propio Brötzmann, que superan los 60 años. Por el otro
lado Michael Zerang y Kent Kessler, rondando los 40, ambos músicos
de la activa escena de Chicago.
En esta grabación de 2002 (aunque editada en 2004) los encontramos
en un contexto y formas diferentes a la muralla de sonido granítico
del tenteto chicagoano. Además de los ramalazos hiperfree presentes
en Something That Doesn't Love Me o la ayleriana Blessed Assurance,
también se da una aproximación a una música que
es por momentos ciertamente espiritual y delicada,como sucede en Master
Of A Small House, Cymbalism o las dos visiones de Stone Poem. Allí
hay algo más que la urgencia expresionista de cuatro músicos
libre-improvisadores. Hay composiciones, delicadeza y unas magníficas
formas y detalles.
Peter Brötzmann - 14 Love Poems Plus 10 More - Dedicated To Kenneth Patchen
Músicos: Peter Brötzmann
(saxos barítono, tenor, alto, clarinetes, clarinete bajo, taragato)
Composiciones: NR. 1 a NR. 24
Todas por Peter Brötzmann salvo NR. 1: Lonely Woman por Ornette
Coleman.
Grabado entre el 21 y el 23 de agosto de 1984 en Berlin por Jost Gebers.
Reeditado en 2004.
Free Music Productions FMP CD 125 http://www.free-music-production.de/
- http://www.fmp-online.de/
Algo parecido sucede a lo anteriormente comentado con 14 Love Poems,
disco a solo en esta ocasión de Peter Brötzmann. Grabado
en 1984 y reeditado en 2004 con el añadido de diez temas más
pertenecientes a la misma sesión Nada de versiones alternativas,
tomas falsas o demás material extra tan habitual hoy en día:
son temas que en su momento no cupieron y fueron descartados debido
a la duración de los vinilos.
Partiendo de una rendición absolutamente lírica al saxo
barítono a ese monumento del Free y por extensión del
Jazz que es Lonely Woman de Ornette Coleman, el músico alemán
alterna momentos absolutamente delicados (los más extensos) con
pequeñas piezas de ráfagas free que en algún caso
no llegan al minuto de duración y homenajes a la figura de Albert
Ayler en algún caso. Poco más se puede hacer que recomendar
el disfrute de un magnífico disco a solo, variado, melódico
y lleno de ideas.
Brötzmann / Friis Nielsen / Uuskyla - medicina
Músicos: Peter Brötzmann
(saxos alto y tenor, taragato, clarinete), Peter Friis Nielsen (bajo
eléctrico), Peeter Uuskyla (batería)
Composiciones: Rocket Tango (Uuskyla) 6:58, One, Two,
Three, Free (Friis Nielssen) 9:43, Artemisia (Uuskyla) 9:55, Justicia
(Uuskyla) 8:52, Some Ghosts Step Out (Brötzmann) 14:49, Here And
Now (Friis Nielsen) 6:03, Bones And Beans (Friis Nielsen) 6:22, Hard
Times Blues (Brötzmann) 13:22
Grabado el 16 de marzo de 2003 en Bohus Studio, Suecia.
Editado en 2004.
Atavistic alp149cd http://www.atavistic.com
Trabajando en su faceta más conocida dos grabaciones recién
editadas. Medicina no es el primer encuentro de la alianza de los tres
Pedros (Uuskyla - Friis Nielsen - Brötzmann). En el año
2001 el sello sueco Ayler Records publicaba entre sus primeras referencias
Live at Nefertiti (aylCD-004). Allí se recogía el encuentro
en directo de estos tres músicos en el Nefertiti Jazzclub de
Goteborg, Suecia, el 13 de marzo de 1999.
Casi cuatro años después exactamente (no lo es por tres
días) y en un estudio sueco es dónde tuvieron lugar las
sesión de Medicina. Como en el caso de la grabación de
HatOlogy este no es un encuentro entre tres desconocidos, sino entre
tres músicos que se conocen tiempo atrás y con un más
que interesante currículum. El sueco de origen estonio Peeter
Uuskyla es bien conocido por haber tocado con Cecil Taylor a finales
de los 80 y principios de los 90. También fue acompañante
habitual del pionero del Free Jazz en Suecia Bengt Frippe Nordström.
Por su parte el danés Friis Nielssen acompañó durante
varios años a Brötzmann en la formación The Wild
Man's Band.
El resultado de este encuentro es un disco de Free Jazz en el sentido
más clásico del término, con todo lo que ello implica
de energía e interacción (máxime en un formato
reducido de trio y sin contar con el apoyo de un instrumento armónico)
y que hacen de esta una música y una propuesta absolutamente
actuales y vivas.
Lo más notable de esta grabación es la utilización
del bajo eléctrico, un instrumento totalmente inhabitual en este
tipo de propuestas estéticas. Sin embargo y en manos de Friis
Nielssen sirve de magnífico elemento propulsor y cimentador con
su sonido robusto para las evoluciones de sus dos compañeros.
Y destacar un momento muy especial. El blues compuesto por Brötzmann,
el de los tiempos duros, que cierra la grabación. Tras sus inicios
tranquilos se va desenvolviendo hasta transformarse en una tormenta
musical. Como la vida misma.
B.E.E.K. - live at Spruce Street Form
Músicos: Peter Brötzmann
(saxos, clarinete), Lisle Ellis (contrabajo), Marco Eneidi (saxo alto),
Jackson Krall (batería)
Composiciones: nº1 16:03, nº2 15:24, nº3
2:29, nº4 12:40, nº5 10:34
Grabado en directo en Spruce Street Forum, San Diego, California, USA
el 24 de marzo de 2002. Editado en 2004.
Botticelli Records 1015
Y para finalizar otra grabación recienta. Músicos no muy
conocidos (supuestamente) para los aficionados pero con un currículum
más que interesante se unen a Peter Brötzmann para un directo
de free granítico en cuarteto y con dos saxos. Entre estos están
Lisle Ellis (Paul Plimley, Glenn Spearman, John Coltane's Ascension
de Rova, What We Live), Marco Eneidi (William Parker's Little Huey Creative
Music Orchestra, Glenn Spearman) y el más conocido de todos,
el batería Jackson Krall (Cecil Taylor, Alan Silva, Joe Morris).
Expresionismo Free en esta ocasión, en la obra que quizás
más gustará a los aficionados a la música del saxofonista
alemán en su faceta (por que lo es ya) más clásica.
José Francisco Tapiz
Henri Texier "Strada Sextet" – (V)ivre
.jpg)
Músicos: Sébastien Texier
(saxo alto, clarinetes), François Corneloup (saxos barítono
y soprano), Guéorgui Kornazov (trombón), Manu Codja (guitarra),
Christophe Marguet (batería)
Composiciones: Old Delhi 13:24 - Lady Bertrand 7:34
- Too Late To Be Passive 1:34 (S. Texier) - Light Hope 1:33 (C. Marguet)
- Dance Revolt - Gandhi 2:19 (M. Codja) - Blues for L. Peltier - Silent
Revolt 2:08 (G. Kornazov)- Ludique Revolt 1:54 (F. Corneloup) - Decent
Revolt - Black March Revolt
Todas las composiciones por Henri Texier, salvo dónde se indica.
Grabado entre el 6 y el 10 de junio de 2004 en Studio Gil Evans, AMiens,
Francia. Editado en 2004.
Label Bleu LBLC 6668 http://www.label-bleu.com/
Comentario: Strada Sextet es la nueva formación
del contrabajista francés Henri Texier. Tras diez años
con su formación Azur y varias grabaciones magníficas
(la última de ellas el doble cd Strings Spirit en dónde
incluía una sección de cuerdas), el contrabajista cambia
su quinteto por este sexteto. En su estructura instrumental desaparece
el piano y a cambio añade un segundo saxofón y guitarra
eléctrica. Entre los integrantes de la formación únicamente
continúa el clarinetista y saxofonista Sébastien Texier,
hijo del contrabajista.
Musicalmente hay pocas sorpresas hay en esta grabación. Dicho
de otro modo, esta obra sigue el magnífico camino marcado por
las obras predecesoras del músico francés. Resulta especialmente
curiosa la organización de las composiciones. Sus cinco acompañantes
aportan cada uno de ellos una breves pieza. En la mayor parte de los
casos no llegan a los dos minutos de duración, no superando en
ningún caso los tres. Allí predominan el carácter
abstracto o marcadamente free, frente a la búsqueda de la melodía
habitual en Henri Texier. Destacan la cortísima (1:33) Light
Hope, obra del batería Christophe Marguet con sus aires étnicos
y Silent Revolt del tromponista Guéorgui Kornazov. El resto son
piezas más extensas, obra del titular de la obra. En ellas, como
se ha dicho, retoma su búsqueda de la melodía, dando un
especial papel a la composición y los arreglos que el grupo ejecuta
a la perfección. Destacan los más de 13 minutos de Old
Delhi, que abre el disco, con sus aires étnicos. También
la tremendamente hermosa balada que es Lady Bertrand. Dance Revolt evoca
a otras obras como Mosaïc Man o quizás su obra a trio Remparts
D'Argile. TAmpoco puedo dejar de destacar esa marcha con sus complejos
cambios de ritmo y estilos que se dan el cierre del disco en Black March
Revolt.
Un disco que evocando continuamente a la revuelta y la contestación,
muestra al músico francés en plena forma. Pues entonces
que siga esta revolución.
José Francisco Tapiz
Jeff Kaiser Ockodektet - 13 Themes for a Triskaidekaphobic
pfMENTUM http://www.pfmentum.com/
Comentario: Dentro del vasto catálogo de
miedos que asolan a la humanidad, abunda la triscaidecafobia, que no
es otra cosa que el miedo al número trece. Hay quien no siente
ningún recelo respecto al trece y contempla la asociación
de los dos guarismos como un hecho sin ninguna relevancia fuera de la
aritmética. Pero también hay quien se aterroriza sólo
de imaginarlos asociados. Sin miedo, intentando eliminar la fobia enfrentándose
a ella con coraje, Jeff Kaiser bromea con las cuestión en el
disco grabado para pfMENTUM, su micro-discográfica propia, con
sede en Ventura, California. Estemos ante un caso u otro, lo cierto
es que Jeff Kaiser, trompetista, compositor, arreglista y director de
orquesta, abordó la cuestión con sentido del humor, tal
vez creyendo en los beneficios de la terapia musical para sí
mismo o para otros, a través de la audición de 13 Themes
For A Triskaidekaphobic (“Trece temas para un triscaidecafóbico”).
Y entre bromas, la cuestión es llevada a un asunto muy serio:
son trece los temas humorísticamente titulados según los
títulos de “The Life And Opinions Of Tristram Shandy, Gentleman”,
novela cómica en nueve volúmenes de Laurence Sterne, publicada
entre 1759 y 1767 (por ejemplo “My Uncle Toby’s Apologetical Oration”,
“Gravity Was An Errant Scoundrel”, "The Stranger's Nose Was No
More Head Of", etc.), con una duración de una hora, trece
minutos y trece segundos. Exactamente. Para condensar el clima supersticioso
(o no), Kaiser incluye en la portada una cita de Carl Jung, a propósito
de las innombrables cosas de la psique de la que el discípulo
de Freud era un reputado especialista: “Number helps more than anything
else to bring order into the chaos of appearances” [“Los números
ayudan más que cualquier otra cosa a poner orden en el caso de
las apariencias”]. Así sea.
Dejando de lado las consideraciones extramusicales, 13 Themes for a
Triskaidekaphobic está estructurado como una larga suite ejecutada
por el Ockdektet de Jeff Kaiser (con 18 integrantes como su propio nombre
indica), que incluye a Vinny Golia, Ernesto Díaz-Infante y cerca
de una decena y media de músicos de la mejor cosecha de la costa
Oeste de los USA. Kaiser involucra a todos estos músicos en la
creación de una estética basada en la libre improvisación
moderna, en formato de big band, de propensión fuertemente abstracta,
que tanto suena como sus congéneres británicas de Barry
Guy, por ejemplo, como con las menos tradicionales orquestas de jazz
norteamericanas, privilegiando igualmente las sonoridades camerísticas
más próximas a la tradición musical europea. Un
organismo complejo que ejecuta una música de elevada complejidad
en su estructura y desarrollo.
La obra es impresionante en su magnitud, tanto en los efectos de conjunto
y
los arreglos para diferentes conjuntos instrumentales, como en los detalles
de los solos, con especial nota para los vientos (la sección
incluye saxos tenor, alto y soprano, clarinetes, flautas, trompetas,
trombones y tuba), que tienen el mayor protagonismo. Jeff Kaiser compone
música de difícil aproximación, que requiere del
oyente una actitud de escucha constructiva, esto es, concentración
e interés para conseguir acompañar cada momento creativo,
tarea nada ligera si se considera que el programa es realmente ambicioso
y a veces algo pesado. Se recomienda que se empiece con escuchas parciales,
por partes, antes de abalanzarse sobre la secuencia total, para la cual
es preciso tomar aliento y realizar cierto jogging auditivo. Si se da
el caso de tener los oídos bien robustos por mucho fitness y
si no se es supersticioso, el desafío de 13 Themes for a Triskaidekaphobic
puede ser altamente estimulante y satisfactorio.
Eduardo Chagas
Publicada en Portugués originalmente en http://jazzearredores.blogspot.com/
Jeff Kaiser Ockodektet - Kaiser/Diaz-Infante Sextet - The Alchemical Mass/Suite Solutio
pfMENTUM http://www.pfmentum.com/
Comentario: Fuera de bromas y en un registro mucho más
serio, Jeff Kaiser nos ofreció un tiempo después de 13
Themes for a Triskaidekaphobic dos bellas piezas musicales: The Alchemical
Mass, con el Jeff Kaiser Ockodektet y el conjunto vocal Ojai Camerata,
y Suite Solutio, con el Kaiser/Díaz-Infante Sextet.
Comentario: The Alchemical Mass es, como su nombre
indica, una misa (Introitus; Kyrie; Collecta e Gloria; Epistola e Graduale;
Offertorium; Ave Maria e Commune), que inspirada en la obra homónima,
escrita en algún tiempo entre 1490 y 1516, funde la forma clásica
de la misa con elementos de una cierta religiosidad primitivista, presentes
a través del canto (Ojai Camerata) y reforzados con los motivos
afro-exóticos que dan a la música un colorido fascinante,
al mismo tiempo erudito y popular. Kaiser es el hombre adecuado para
este tipo de grandes producciones de “new music”, donde los aspectos
convencionales se unen con un tipo de escritura innovadora y una ejecución
experimental.
La segunda pieza del disco, interpretada por el Kaiser/Díaz-Infante
Sextet (Jeff Kaiser, Ernesto Díaz-Infante, Scot Ray, Jim Connolly,
Brad Dutz y Richie West) es muy diferente de la misa. Lo que aquí
tenemos es una grabación de 2001, incluida en el mismo CD, tal
vez para llenar el espacio libre. Qué bien que Kaiser tomase
la decisión de juntar ambas piezas, dando la magnífica
oportunidad de escuchar a un sexteto de jazz (trompeta, guitarra, trombón,
contrabajo, batería y percusión), el de Kaiser y Díaz-Infante,
que improvisa en un estilo free-bop experimental, apoyado por las buenas
composiciones, propias de Kaiser y demás músicos, con
un destacado papel para los guitarrazos de Díaz-Infante, que
infunden respeto, dado la forma en que trabaja con las seis cuerdas.
Común a ambas piezas es asimismo el tono sombrío que las
envuelve y les confiere un aura de misterio, algo que procede de tiempos
inmemoriales y que se desarrolla en directo frente a nosotros. Bello
y escalofriante.
Eduardo Chagas
Publicada en Portugués originalmente en http://jazzearredores.blogspot.com/
Evan Parker Trio & Peter Brötzmann Trio - The Bishop's Move
Músicos: Evan Parker (saxos
soprano y tenor), Peter Brötzmann (saxo tenor, tarogato, clarinete),
Alexander Von Schlippenbach (piano), Paul Lytton (batería, percusión),
William Parker (contrabajo), Hamid Drake (batería, djembe, percusión)
Composiciones: The Bishop's Move (Peter Brötzmann
- Evan Parker) 73:30
Grabado en directo en el vigésimo Festival International de Musique
Actuelle de Victoriaville, 19 de mayo de 2003. Editado en 2004.
Les Disques Victo. VICTO cd 093 http://www.victo.qc.ca/
Comentario: A los aficionados a la música
de Evan Parker y Peter Brötzmann se les puede dar la enhorabuena
merced a la edición del encuentro de estos dos tríos de
improvisadores de primera línea. Cuatro de ellos pertenecen a
la primera generación de improvisadores europeos (el alemán
Peter Brötzmann, más el trío del británico
Evan Parker, formado por Paul Lytton y Alexander Von Schlippenbach).
Los dos músicos restantes son una de las rítmicas de lujo
en el Jazz actual. Muchos adivinarán que no puede ser otra que
la formada por los americanos William Parker y Hamid Drake, hiperactivos
en su actividad y acompañantes desde hace tiempo en las andanzas
del saxofonista alemán. Sólo habría que recordar
sin retroceder demasiado en el tiempo sus grabaciones en cuarteto en
FMP a nombre del Die Like A Dog Quartet (añadiendo al trio el
trompetista Toshinori Kondo) o el disco homenaje a Peter Kowald ya en
formación de trio.
En cuanto a la agrupación de esta grabación, esta es la
primera vez que los seis músicos coincidían en escena
(gracias al magnífico proyecto de Michel Levasseur, director
artístico del FIMAV, festival en dónde tuvo lugar este
encuentro). Sin duda alguna, un supergrupo del free y la libre improvisación,.
Tras este preámbulo y explicaciones previas, alguien preguntará:
¿qué tal está el disco? ¿merece la pena?
Y las respuestas son un sí rotundo y mayúsculo a ambas
cuestiones. Este es es un concierto magnífico y sin duda merece
la pena, a pesar de que los prejucios de muchos oyentes les llevarán
a huir de un disco en el que:
a) hay un solo tema de 72 minutos y 55 segundos más 35 segundos
de aplausos
b) incluye entre su formación a músicos como Evan Parker
y sobre todo a Peter Brötzmann.
Musicalmente el grupo construye su discurso a partir de una serie de
motivos que sirven para su exposición en grupo y desarrollo individual
por medio de distintas interacciones entre sus miembrios, en las que
se incluyen obviamente los dos trios originales y también un
encuentro entre el piano y los dos baterías percusionistas.
Si bien todos están a gran nivel, destaca sobre todos los demás
el papel a lo largo de las dos primeros tercios del disco del pianista
Alexander Von Schlippenbach. Él es quien paradójicamente
parece llevar el peso de la grabación en esta primera fase, con
un discurso se permite pasar de la aridez y percutividad de un Cecil
Taylor, sin olvidar momentos de gran lirismo. En el tercio final el
protagonista es Peter Brötzmann. El músico está tremendo
empezando en el clarinete y continuando con el saxo.
En definitiva, este es el referido supergrupo, en este caso cumpliendo
¡y de qué modo! con las posibles expectativas que tal formación
pudiese generar.
José Francisco Tapiz
Músicos: Elton Dean (saxello,
saxo alto, piano eléctrico), Hugo Hooper (contrabajo), John Marshall
(batería), Mike Ratledge (piano eléctrico, órgano)
Composiciones:
CD I: 1. Plain Tiffs 3:30 2. All White 6:23-Quinto
Disco 3. Slightly All The Time 13:07-Tercer Disco 4. Drop 7:49-Quinto
Disco 5. M.C. 2:49-Quinto Disco 6. Out-Bloody-Rageous 13:22-Tercer Disco
CD II: 1. Facelift 17:50-Tercer Disco 2. And Sevens
8:54 3. As If 8:27-Quinto Disco 4. LBO 6:07-Quinto Disco 5. Pigling
Bland 6:04-Quinto Disco 6. At Sixes 10:35
Grabado en directo en París, 2 de mayo de 1972. Publicado en
2004 en Cuneiform Records http://cuneiformrecords.com/
Comentario: Nueva reedición de Cuneiform del
doble cd de Soft Machine grabado en Paris (Francia) en 1972, incluyendo
temas pertenecientes a sus 3º,4º y5º trabajos.
Grabación magnífica en la que no percibes que es en directo
hasta escuchar el aplauso del público.
En gran medida estos tres álbumes suponen lo mas granado de su
dilatada carrera jazz-rock Canterbury de marcado estilo intelectual,
si exceptuamos su 6º disco, no aparecido en el momento que se produjo
esta grabación.
Destacables son la inclusión de tres temas nunca aparecidos en
disco alguno, (¡al menos que yo sepa!) como son :Plain Tiffs (E.Dean)
que abre el 1º de los dos cd’s , And Sevens (Dean, Hooper, Marshall,
Ratledge) y At Sixes ambos del 2ºcd.
El resto de los temas son pertenecientes a los ya reseñados 3º,4º
y5º trabajos, titulados así con números.
Una de las características propias del grupo en sus directos,
es exponer todos los temas como si se tratara de una obra conceptual,
tal como ya hicieran en Noisette (cuneiform 1970-2000)y Live in concert
BBC (1971-1993) lo que da una visión distinta a la de los discos
grabados en estudio. En vivo el sonido se hace mas improvisado, lisérgico
y minimalista pero sin dejar de ser Sotf Machine cuyo personalidad es
inconfundible.
Cuatro instrumentistas de lujo, perfectos en sus intervenciones tanto
individuales como colectivas, destacando principalmente los solos de
Mike Ratledge al órgano ó el piano eléctrico (que
fue capaz de crear escuela en otros teclistas de la escena Canterbury,
como Dave Stewart o David Sinclair).
Igualmente reseñable la sin cronicidad alcanzada durante el concierto
entre los pianos eléctricos de M.Ratledge y Elton Dean en un
juego de doblaje y relevo realmente sugerente.
Hugo Hooper y John Marshall trabajo oscuro el suyo, pero muy destacable,
en el parecen no tener tanta importancia y que sin embargo suponen el
sustento rítmico de la máquina.
Soft Machine supuso para la época (década de los 70) un
grupo visionario por encima de sus contemporáneos y, hoy día
siguen sonando frescos y actuales, como si el tiempo se hubiese detenido.
Por cierto Soft Works podemos considerarlo como una nueva reencarnación
de la Máquina, grabaron un disco titulado Abracadabra(2003),con
E.Dean, A.Holdsworth, H.Hooper y J.Marhall del que podéis encontrar
una crítica en esta misma web.
Enrique Farelo
Marc Ayza – Deejah
Composiciones:
Superagente Morgan; Sorongo; Mixing; Seulblues; Deejah; Finals d’Agost;
Groovaloo; Esencia de coco; NB Fontana; Patience
Todas las composiciones por Marc Ayza excepto Mixing por Airto Moreira.
Músicos: Marc Ayza (batería), Guim G.
Balasch (saxos alto y soprano), José Reinoso (piano), David Mengual
(contrabajo), David Soler (guitarra).
Grabado en Estudis Laietana (Barcelona), 27 y 28 de Octubre 2003. Publicado
en 2004.
Satchmo Jazz Records SJR CD00072J
Comentario: A uno siempre le entra cierto recelo a
la hora de afrontar la escucha de un CD firmado por un batería
o bajista. Nunca se sabe si se asistirá a un experimento con
gaseosa, o bien a un grandioso ejercicio pirotécnico tan espectacular
como falto de sentido. No es el caso de este trabajo, Deejah, a nombre
del batería Marc Ayza. Un buen disco que repasa varios de los
“palos” del jazz moderno, y donde la sección rítmica,
formada por Ayza y un excelente David Mengual, camina con paso firme
y decidido, haciendo una buena labor exenta de concesiones a la galería.
El bien llevado concepto de cuarteto hace olvidar por completo quién
es el líder del mismo, excepto en lo que a la autoría
de los temas se refiere. El catálogo de obras comienza con un
blues menor en 6x4, al estilo del Footprints de Wayne Shorter, explora
sonidos monkianos en Seulblues o profundiza en el lirismo y simplicidad
en Esencia de coco o Sorongo, donde el pianista uruguayo José
Reinoso nos deja un solo elegante y bien construido. Mixing, del percusionista
Airto Moreira, es un 7x4 sobre ritmo brasileño, mientras el que
da título al disco es un precioso y largo tema en 3x4 con un
evocativo vamp final a partir de un momento de pausa en mitad de la
composición. Tanto en ese como en el último corte, Patience,
colabora el guitarrista David Soler con bonitos timbres que conforman
el complemento ideal al sonido del grupo. Por otro lado el saxo pastoso
pero no pesado de Guim Balasch es el vehículo ideal para transmitir
las sencillas y a la vez contundentes melodías y dejarnos improvisaciones
de nivel.
Deejah es un CD necesario, nueva muestra de la continua evolución
del jazz nacional. Interesante grabación, compensado cuarteto
y un músico a seguir: Marc Ayza.
Arturo Mora Rioja, 2004
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