Composiciones: W; De fuera a dentro; Tampoco te pases; Kevin; Vals en re menor; Al día siguiente; Año 711 d.C.; Cerebral dance; Final feliz
Todas las composiciones por Chema Sáiz.
Músicos: Chema Sáiz (guitarra eléctrica), Bobby Martínez (saxo tenor y flauta travesera), Germán Kucich (piano), Tom Warburton (contrabajo), Guillermo McGill (batería)
Grabado en Infinity Studios (Madrid), 16 de Septiembre
de 2003.
SJR CD 00070J
Comentario: Tras los excelentes Mi Carro y Solo Album en que Chema Sáiz repasara grandes éxitos del cancionero popular en clave de jazz, nos presenta este De fuera a dentro que, a pesar de algún que otro devaneo, se puede considerar más ortodoxo. Hasta cierto punto, ya que en la música de Chema siempre hay un alto porcentaje de riesgo, investigación y descaro, mucho descaro. El disco, grabado en un solo día, cuenta con una formación excelente, donde la rocosa sección rítmica formada por Tom Warburton y Guillermo McGill es el soporte ideal para el discurrir de las ideas de Chema y de un formidable Bobby Martínez, cuyas intencionadas intervenciones de sonido claro dan fuerza y color al sonido del cuarteto, ampliado a quinteto en cuatro de los temas gracias a la presencia del argentino Germán Kucich, refinado pianista de interesante fraseo.
Los temas, todos ellos originales, si bien algunos de ellos basados en armonías de clásicos, van desde el rockero (y métricamente complejo) W o el animado Al día siguiente hasta la suavidad del formato de trío en el que da título al CD o la frescura de Tampoco te pases (surgido de los acordes de Bésame Mucho), pasando por el divertido Vals en Re menor (en la carpetilla interior se puede encontrar una transcripción del solo de guitarra) o el exótico Año 711 d.C., donde Bobby se pasa a la flauta y McGill a las mazas para dotar a la composición del aire sofisticado que requiere su interpretación. Durante toda la grabación la guitarra de Chema se muestra camaleónica, abarcando un sinfín de rangos estilísticos y tímbricos, con cierta reminiscencia a John Scofield en algunos pasajes pero siempre con el fraseo personal que atesora. El alcalaíno hace uso de pedales y efectos allá donde es necesario o, simplemente, él considera oportuno, dotando de variedad e interés a un CD que salva con creces otro riesgo: el de la duración (casi 77 minutos).
Tras el obsesivo Cerebral dance llega el cierre del disco con Final feliz, y a buen seguro que lo es. Uno de los mejores trabajos discográficos aparecidos últimamente en nuestro país, no es sino una pequeña muestra de lo que puede hacer un talento como Chema Sáiz. Para comprobarlo, nada mejor que verle en directo. Hasta la próxima ocasión, seguiremos deleitándonos con este De fuera a dentro.
Arturo Mora Rioja, 2005
Composiciones: Seis cinco; Fajardeño; Punto Cubano;
Aguinaldo; Chorreao; Enramada; Villarán; Llanera; Mariandá;
Jíbaro
Todas las composiciones por Miguel Zenón.
Músicos: Miguel Zenón (saxo alto), Luis Perdomo (piano), Hans Glawishnig (contrabajo), Antonio Sánchez (batería)
Grabado en System II Studios (Brooklyn, Nueva
York, USA), 20-22 de Septiembre de 2004.
marsalis music/rounder 11661-3312-2
Comentario: La promesa se convierte en realidad. Si Looking Forward despuntaba notablemente para ser un disco de debut, y Ceremonial sorprendía por su claridad de concepto y nivel musical, este Jíbaro confirma a Miguel Zenón como un músico maduro, con estilo propio y muchas, muchísimas ideas. Sus recientes experiencias con el SFJazz Collective y el grupo Land of the Sun de Charlie Haden a buen seguro habrán reforzado el buen hacer del portorriqueño.
Jíbaro guarda ciertas similitudes con Ceremonial, si bien se trata de un paso adelante donde los elementos que tanto sorprendían en su anterior trabajo aquí se presentan interpretados con dominio y seguridad. El sonido del cuarteto es más compacto y todos los temas del CD guardan un altísimo nivel de coherencia. Características como los obligados rítmicos, los cambios de dinámica y la casi obsesiva repetición de patrones son desplegadas a lo largo de la grabación, uniéndose al personal sonido de saxo alto de Miguel para dotar al disco de fortaleza estructural. Zenón sigue usando características latinas, pero sin abusar de ellas, acercándose por tanto a una concepción musical más amplia. Como novedad, el uso de músicas tradicionales en contexto jazzístico (no en vano la música jíbara que da título al disco surge de determinadas regiones de Puerto Rico) aporta un toque exótico no exento de profundidad en temas como Punto Cubano o Chorreao. La complejidad rítmica de Seis Cinco o el aire coltraniano de Enramada aportan variedad y dificultad, haciendo de este CD una obra compacta y sin fisuras. Para que ello ocurra la aportación de los side-men es básica. Luis Perdomo se encuentra como pez en el agua en este contexto musical, aportando colorido y forma a las texturas que surgen de la música de Zenón. Hans Glawishnig muestra sobriedad al contrabajo y de Antonio Sánchez poco se puede decir ya. El mexicano se encuentra en un momento dulce de su carrera y encaja a la perfección en este cuarteto.
Jíbaro afianza conceptos, desarrolla ideas y crea mundos sonoros muy personales. Miguel Zenón está siguiendo el camino de los grandes, sin avasallar pero con mucho trabajo y las ideas muy claras. Es momento de seguir creciendo, pero también de ir recogiendo frutos, y este Jíbaro es buena muestra de ello.
Arturo Mora Rioja, 2005
Composiciones: Grandmas Song (tradicional); Mind If I (Börje Fredriksson/Per Holknekt); From Above (Lars Danielsson/Per Holknekt); Dialogue (Esbjörn Svensson/Per Holknekt); You Gave Me The Flow (Jacob Karlzon/Per Holknekt); Den Första Gang (tradicional); Dannys Dreaming (Lars Gullin/Lina Nyberg); The Morning of You (Esbjörn Svensson/Per Holknekt); Mayday (Anders Jormin/Lina Nyberg); I Hope It's Spring for You (Lars Gullin/Chan Parker); Jag Yet En Dejlig Rosa (tradicional)
Músicos: Viktoria Tolstoy (voz), Jacob Karlzon (piano), Lars Danielsson (contrabajo, chelo), Peter Danemo (batería, percusión), Ulf Wakenius (guitarra acústica), Nils Landgren (voz, trombón)
Músicos invitados: Ale Möller (mandola, flauta), Christian Spering (contrabajo), Wolfgang Haffner (batería), Bohuslän Bigband
Grabado en Nilento Studio (Goethenburg, Suecia),
2004.
ACT 9705-2
Comentario: Más que interesante este último trabajo de Viktoria Tolstoy para el sello ACT. Desmarcándose del convencionalismo comercial de su anterior entrega, la sueca realiza un sentido tributo a los padres del movimiento jazzístico en el país escandinavo, con especial atención a las figuras de Jan Johansson, Börje Fredriksson, Lars Gullin y Monica Zetterlund. El timbre de la Tolstoy sirve de dulce contraste a una música seria, profunda y bien estructurada, con muchas reminiscencias folk y excelentemente interpretada por un grupo de músicos formidables, entre los que cabe destacar el buen hacer del joven pianista Jacob Karlzon en los arreglos y el sonido preciosista de un Ulf Wakenius más comedido que de costumbre, explorando las finas sonoridades de la guitarra acústica. Buen trabajo el de la sección rítmica compuesta por Lars Danielsson y Peter Danemo.
Contando con la producción y las notas al libreto de Nils Landgren (quien también colabora cantando y tocando el trombón), el repertorio abarca canciones tradicionales suecas, temas de jazz compuestos por los míticos músicos anteriormente comentados y también algunos originales, como los dos temas (Dialogue y The Morning of You) escritos por el mismísimo Esbjörn Svensson, figura predominante en la comunidad jazzística escandinava.
En este caso si bien no podemos hablar de excesivo riesgo, tampoco podemos hacerlo de conformismo. La originalidad de los temas escogidos, así como de los soberbios arreglos, y la calidad del resultado final, hacen de My Swedish Heart algo más que un homenaje, algo más que un disco de grandes éxitos y mucho más que simple revisionismo. A buen seguro este CD podrá introducir a muchos en los orígenes del jazz en Suecia o, como mínimo, hacer pasar al oyente una excelente velada.
Arturo Mora Rioja, 2005
Fecha de lanzamiento: junio de 2005
CD1
1.- Blues for line (Tete Montoliu)
2.- Sugerencias (Tete Montoliu)
3.- Imagination (Johnny Burke, Jimmy Van Heusen)
4.- Apartamento 512 (Tete Montoliu)
5.- When I fall in love (Edward Heyman, Victor Young)
6.- Solar (Miles Davis, Chuck Wayne)
7.- Lover man (Roger 'Ram' Ramirez, Jimmy Davis, Jimmy Sherman)
8.- One more thing, one more time (Tete Montoliu)
9.- A nightingale sang in Berkeley Square (Eric Maschwitz, Manning
Sherwin)
10.- Yellow Dolphin street (Tete Montoliu)
11.- Where are you? (Jimmy McHugh, Harold Adamson)
12.- Waltz for Monika (Tete Montoliu)
13.- If you could see me now (Tadd Dameron)
14.- What is this thing called love? / Hot house (Cole Porter /
Tadd Dameron)
15.- Sophisticated lady (Irving Mills, Mitchell Parish, Duke Ellington)
16.- Saps (Joan Manuel Serrat)
17.- I want to talk about you (Billy Eckstine)
Tete Montoliu (piano)
Temas 1-9 grabados en el Estudio Música 1 de RNE, el 17
de febrero de 1973.
Temas 10-17 grabados en el Estudio Música 2 de RNE, el 24
de marzo de 1982
CD2
1.- Blues (Tete Montoliu)
2.- Days of wine and roses (Henry Mancini)
3.- Giant steps (John Coltrane)
4.- Jo vull que m´acariciis (Tete Montoliu)
5.- Confirmation (Charlie Paker)
6.- Experimento: A child is born & All blues (Thad Jones / Miles
Davis)
7.- You´ve changed (Bill Carey, Carl Fischer)
8.- Round about midnight (Thelonious Monk, Cootie Williams, Bernie
Hanighen)
Tete Montoliu (piano); David Thomas (contrabajo); Peer Wyboris (batería)
Grabado en el Estudio Música 2 de RNE, el 22 de marzo de 1982.
Comentario: El sello RTVE-Música acaba de poner en marcha una colección con el título de “Jazz en España” que trata, según sus propias palabras, de “recopilar, reorganizar y optimizar el acervo jazzístico de nuestro archivo histórico, así como intentar promocionar las últimas iniciativas del jazz contemporáneo”. Recogerá grabaciones inéditas de músicos españoles y también de músicos extranjeros que han sido vitales en la escena jazzística española.
El primer volumen de la colección está dedicado a nuestro músico más internacional: Tete Montoliu. En los archivos de RNE se acumulan numerosas grabaciones de Tete, realizadas a lo largo de su dilatada carrera, grabaciones que en su mayor parte se encuentran inéditas.
El material que se ha sacado a la luz en esta ocasión abarca dos CD. El primero está dedicado al Tete Montoliu solista, e incluye nueve temas grabados en febrero de 1973 y ocho grabados en marzo de 1982. El segundo incluye ocho temas grabados en trío (piano, contrabajo, batería) también en marzo de 1982, dos días antes que los temas a piano solo.
Piano solo, febrero de 1973
Las únicas grabaciones de Tete Montoliu a piano solo anteriores a esta fecha que se han publicado hasta ahora son las de la maratoniana sesión de 25 de septiembre de 1971 que dio lugar a los discos “That´s all” y “Lush life” (publicados por SteepleChase) y “Songs for love” (publicado por Enja). Por lo tanto, aunque sólo fuese por la importancia histórica de la misma, esta sesión sería interesante.
En ella se incluyen cuatro composiciones propias, dos de las cuales no aparecen en ningún otro disco oficial con ese título: “Sugerencias”, balada que empieza con un perfil intimista, sube después de temperatura y termina de forma lánguida tras retornar al tema, y el vibrante tema bop “One more thing, one more time”. “Blues for Line” también es interpretado en tiempo rápido, mientras que una de las composiciones más conocidas de Tete, “Apartment 512” recibe un tratamiento algo distinto al habitual: con una introducción de aproximadamente un minuto, la melodía se presenta de forma bastante acelerada, y el desarrollo de la improvisación no está entre los más inspirados que hemos podido escuchar. El resto del material está compuesto fundamentalmente por baladas, sobre las que Tete desarrolla su inagotable capacidad melódica e improvisatoria, con mención especial para una casi impresionista “When I fall in love” de menos de dos minutos y para una interesante versión de “Lover man”.
El sonido es algo deficiente, poco nítido y con pequeñas distorsiones en algunos temas cuando el volumen se eleva.
Piano solo, marzo de 1982
También los temas de marzo de 1982 tienen cierta significación desde el punto de vista discográfico, ya que se trata de una época en la que Tete no se prodigaba en los estudios. Bajo contrato con Steeplechase, el disco anterior se había grabado en febrero de 1981 (“Steps up”, a nombre de Eddie Harris) y no sería hasta abril de 1984 cuando Tete volvería a meterse en un estudio de grabación (“Carmina”, editado por Jazzizz y que no ha reeditado en CD).
En esta segunda parte del primer disco la calidad sonora mejora notablemente y podemos apreciar con más nitidez ese poderoso toque marca de la casa, con un sonido inconfundible y lleno de frescura.
Aparte de su composición “Yellow Dolphin street”, que con anterioridad a esta colección sólo aparecía en el LP de igual nombre editado por Timeless, posteriormente incluido en el CD “Solo piano”, el material de esta sesión rinde homenaje a algunos de los compositores y músicos favoritos de Tete, como Bill Evans, Cole Porter, Tadd Dameron, Duke Ellington o Joan Manuel Serrat. Prevalecen también los temas lentos, unas veces recreándose en la melodía y sometiéndola a infinitas variaciones y otras veces dotándolos de ese marcado acento de blues que a Tete tanto le gustaba. Como constantes en toda su música, numerosos cambios de ritmo y repentinas paradas continuadas por furiosos “latigazos” de notas tocadas a gran velocidad.
Merece la pena destacar la breve y muy personal versión de “What is this thing called love”, que fusiona el tema de Cole Porter con la recreación que de este clásico hizo Tadd Dameron y que tituló “Hot house”; así como unas interesantes versiones del “Sophisticated lady” de Ellington y de “I want to talk about you” de Billy Eckstine, deudora ésta última de la que hizo John Coltrane en el disco “Soultrane”.
Trío, marzo de 1982
Este segundo disco se centra en la formación jazzística favorita del músico catalán: el trío de piano, contrabajo y batería. Los músicos fueron convocados expresamente para esta grabación, y eso se nota en una cierta falta de cohesión en el grupo. No obstante, a Tete se le nota bastante relajado tocando y en algunos momentos brillante; concediendo bastante espacio para los solos de sus acompañantes, sobre todo al contrabajista David Thomas, cuyo sonido recuerda al del recientemente fallecido Niels-Henning Orsted Pedersen, que participase en tantos discos del pianista español, aunque sin esa fluidez en el fraseo de la que hacía gala el músico danés.
De nuevo nos encontramos con material procedente de la pluma de algunos de los iconos de Tete, como John Coltrane (“Giant steps”, uno de sus temas favoritos y de los más habituales en su repertorio, y “Some other blues”, en una versión más rápida y vigorosa que la incluida en el disco “Tootie´s tempo”), Charlie Parker (“Confirmation”) o Thelonious Monk (“Round midnight”). El punto álgido es la extensa versión de la preciosa balada “Jo vull que m´acariciis”, cuya sencilla melodía de siete notas siempre dio juego a innumerables variaciones.
En resumen: la edición de cualquier grabación inédita de Tete Montoliu es una buena noticia, incluso aunque el material incluido probablemente no se encuentre entre lo mejor dentro de la abundante discografía de Tete. RTVE-Música ha tratado de sacar una edición cuidada, con un doble digipack bien diseñado y presentado que incluye un libreto de diez páginas. No obstante, hay algunos aspectos que se podrían haber mejorado, como la fotografía de Tete al piano que se incluye en la portada, correspondiente probablemente a 1997, cuando las grabaciones son de 24 y 15 años antes. Alguien debería haber repasado las notas de la sesión y comprobado los créditos, puesto lo que se incluye como “Blues”, acreditado a Tete Montoliu, no es otra cosa que el “Some other blues” de John Coltrane, y lo que aparece como “Waltz for Monika”, en realidad se trata del “Waltz for Debbie” de Bill Evans (este último error puede deberse a que Evans dedicó el tema a su amante Monika Zetterlund, aunque no hizo figurar su nombre en el título). Por otra parte, el libreto está plagado de errores ortográficos en los nombres extranjeros (Stephane Grapelli, Archi Shepp, Booker Erwin, Sonny Sttit, por citar unos pocos) y la biografía de cinco páginas contiene alguna pequeña incorrección.
Esperemos que, tanto RNE como algunos sellos discográficos que poseen abundante material (entre ellos Fresh Sound Records), saquen a la luz más grabaciones inéditas de Tete Montoliu. El año 2007, décimo aniversario de su muerte, parece un buen momento.
Agustín Pérez, 2005
Composiciones: 1.- Meditation
2.- Single Petal Of A Rose
3.- Blues
4.- Nagoya
5.- Unidentified title / Little African Flower
6.- Meditation
7.- T.G.T.T. / Little Purple Flower
The River – A Ballet Suite:
8.- The spring
9.- The run
10.- The meander
11.- Grap (The Giggling Rapids)
12.- The Lake
13.- Stud (The Neo-Hip-Hot Cool Kiddies Community)
14.- Riddle
15.- Blues
16.- Blues
Todas las composiciones por Duke Ellington.
Músicos: Temas 1-13: Duke
Ellington (p)
Temas 14-16: Duke Ellington (p); Wild Bill Davis (org); Joe Benjamin
(b); Rufus Jones (d)
Grabado en Nueva York, París y Tokio entre
1961 y 1971. Publicado en mayo de 2005.
Storyville 101 8399. Digipack
Comentario: A lo largo de su extensa carrera, que abarca prácticamente los cincuenta años centrales del siglo XX, la figura de Duke Ellington como pianista ha quedado oscurecida y relegada a un segundo plano por su brillante e impactante trayectoria como compositor, arreglista, director de orquesta e incluso como empresario y relaciones públicas.
En comparación con el enorme legado discográfico que nos dejó al frente de su orquesta, Ellington realizó pocas grabaciones en pequeños grupos. Generalmente se trata de sesiones con pequeños combos integrados por músicos de su orquesta o simples dúos o tríos. Basten como ejemplo los famosos dúos con Jimmy Blanton de 1939-40, las grabaciones en trío para Capitol en 1953 y para Columbia en 1961, el disco “Money Jungle” con Charles Mingus y Max Roach en 1962, o los dúos con Ray Brown en 1972 (“This one’s for Blanton”). Mucho más escasas aún son las grabaciones del Duque en piano solo, que además suelen proceder de conciertos, como el de Columbia University en 1964 o el de Gotuelas-en-Forez, en Francia, en 1966.
En las grabaciones de la orquesta podemos oír el piano de Ellington como acompañante al frente de la sección rítmica, siempre al lado de fantásticos contrabajistas (no existe el mismo consenso con los baterías), efectuando algún ocasional solo, introduciendo brevemente algunos temas, puntuando algunos pasajes de determinada sección o finalizando los temas con estridentes notas aisladas (en sus propias palabras “ahí entro yo y hago el plink plink plink”). En sus habituales presentaciones de los músicos de la orquesta, a él le gustaba llamarse “nuestro pianista” o “el pianista” (the piano player, de ahí el título de este disco). Como curiosidad y muestra de su agudo sentido del humor, en el concierto del 25 de Octubre de 1973 en Malmoe (Suecia), a pocos meses de su muerte y ya gravemente enfermo, un Ellington con 74 años se presentó a sí mismo como “ese joven y prometedor aprendiz de pianista”. El propio Billy Strayhorn, su alter ego, acuñó bastante tiempo antes la famosa frase “Duke Ellington toca el piano, pero su instrumento es en realidad la orquesta”.
Por todo ello, estamos de enhorabuena ante este nuevo lanzamiento del sello danés Storyville, procedente de las stockpile recordings, grabaciones privadas financiadas por el propio Ellington, que fue acumulando a lo largo de los últimos veinte o treinta años de su vida y que sus herederos han ido haciendo públicas con cuentagotas desde su muerte.
Se trata de 16 temas inéditos, grabados entre 1961 y 1971, en los que la calidad de sonido es notable. En los primeros trece temas Ellington aparece solo al piano, mientras que en los otros tres se hace acompañar por Wild Bill Davis al órgano, Joe Benjamin al contrabajo y Rufus Jones a la batería.
La formación del estilo pianístico de Duke Ellington, fuertemente influida por el blues, se desarrolló en los primeros años veinte al lado de los grandes maestros del stride. No obstante, en los temas a piano solo de este disco, Ellington nos muestra su cara más intimista, desarrollando tiempos lentísimos, esbozando breves viñetas.
“Meditation”, que posteriormente fue incluida en The Second Sacred Concert y cuyo título se explica por sí solo, fue al parecer creada como una improvisación en un encuentro entre Ellington y el pintor Joan Miró que fue filmado durante la gira de 1966 por Francia. Aquí nos encontramos con la segunda interpretación grabada más antigua (Nueva York, 28 de diciembre de 1966), además de la más larga.
“Single Petal Of A Rose” forma parte de la “Queen´s Suite”, compuesta por Strayhorn y Ellington en homenaje a la Reina Isabel II de Inglaterra, tras ser presentados durante la visita de la orquesta a Gran Bretaña en 1958, y fue un tema muy habitual en los conciertos de los años 60. En este caso, se nos ofrece una versión perteneciente a una grabación televisiva de 1962.
El blues que viene a continuación procede de una sesión informal de la época en la que se grabó la música para la película “Paris Blues”, y presenta un marcado y repetitivo ritmo compuesto por tres notas tocadas con la mano izquierda.
Los dos siguientes temas se grabaron en Tokio durante la gira por Japón en junio y julio de 1964. La extensa versión que aquí se incluye de “Nagoya” (que posteriormente formaría parte de la suite “Ad Lib On Nippon”) es la primera grabada que se conoce. El breve medley posterior contiene una composición con título desconocido y unos pocos compases de “Little African Flower” (“Fleurette Africaine”).
La segunda versión de “Meditation” y el medley de “T.G.T.T.” (Too Good To Title) y “A Little Purple Flower” proceden de una cinta que una serie de pianistas (Joe Turner, Claude Bolling y el propio Ellington, entre otros), grabaron y enviaron desde París en marzo de 1967 a Billy Strayhorn, ya por aquel entonces aquejado de un cáncer que acabaría con su vida un mes después, a modo de regalo y homenaje.
“The River – A Ballet Suite” fue un encargo del American Ballet Theatre a Ellington, que escribió un ballet basado en el agua –el río Mississippi- como una alegoría de la vida. Como sucedía en bastantes ocasiones, Ellington se retrasó con la música, y el coreógrafo Alvin Alley comenzó a desesperarse. En mayo de 1970 Duke grabó seis de las partes del ballet (las que se incluyen en este disco) para que Alley fuera trabajando en algo y algunos días después grabó con la orquesta esos seis temas y cinco más. El ballet, todavía incompleto, se estrenó en Nueva York el 25 de junio de ese año con notable éxito de crítica.
Los últimos tres temas corresponden a grabaciones en formato de cuarteto con Wild Bill Davis al órgano, Joe Benjamín al bajo y Rufus Jones a la batería, de febrero de 1971. Se trata de temas tocados para relajarse en mitad o al final de una sesión de grabación de la orquesta, y ese tono desenfadado es precisamente lo que los hace atractivos.
En conclusión: el sello Storyville, una vez más, ha editado un disco muy atractivo para todo aficionado a la música de Duke Ellington, íntegramente compuesto por material inédito del Maestro, y además en una de sus facetas menos conocidas, la de pianista. Pero no es sólo eso. No se trata solo de un disco para completistas: es además un disco que puede interesar a todos los amantes del jazz de piano.
Agustín Pérez, 2005
Composiciones: 1.La tarara; 2.El toro y la luna; 3.How about you?; 4.Dolphin Dance; 5.Con alma; 6.No me platiques más; 7.It could happen to you; 8.Hullo bolinas; 9.Jure; 10.Speak low; 10.Bésame mucho
Músicos: Chano Domínguez (piano); George Mraz (contrabajo); Jeff Ballard (batería)
Duración: 1h 07min 26seg
Grabado por Nuba Records el 8 de agosto de 2003 en
los Avatar Studio. Producido por Tetsuo Hara & Todd Barkan;
coproducido por Julio Martí. Ingeniero de sonido: James Faber;
asistente: Peter Doris; coordinador técnico: Derek Kwan.
Distribuido por Karonte Records.
REF: NUBA 7787
Comentario: Tropezarse de entrada con una grabación que comienza con la revisión de dos temas que el autor ya incluyó en su primera grabación (datada en 1993) plantea no pocos interrogantes, y muchos de ellos bastante malintencionados desde el punto de vista crítico, con poco que uno quiera generar polémica.
Si a una atenta escucha (y posterior análisis) a la revisión de La tarara y de El toro y la luna, ya incluidos en Chano (Nuba7756), trenzamos el hecho de que en este primer disco aparecía una versión de Time remembered (original firmado por Bill Evans), entonces la conclusión a la que fácilmente se llega es que el pianista gaditano ha sufrido una clara evansgelización. Tanto la formación como la elección de los temas y la evolución musical de Chano Domínguez posicionan claramente Con alma en una dirección muy distinta a sus anteriores trabajos (de entre los que destacan Imán (Nuba7767), Hecho a mano (Nuba7759) o en otra línea bien diferenciada Acoplados (RTVE)). El lenguaje utilizado por el trío es mucho más jazzístico, mucho más estandarizado, y la paleta de colores tan personal de Chano a la hora de frasear cerca del flamenco apenas matiza el resultado final. Me atrevo a interpretar Con alma como la puesta de largo de Chano ante el público internacional, teniendo además en cuenta que la producción es japonesa. George Mraz estableciendo interesantes diálogos entre piano y contrabajo, y el soporte rítmico de Jeff Ballard a la batería para completar un trío de lujo con el que interpretar los dos temas anteriormente mencionados, más que conocidos por el pianista (que parecen querer evidenciar algo más que evidente: el crecimiento como intérprete de Chano), un conjunto de estándares de jazz con una atmósfera cristalinamente igual a la de Evans, y un cierre de disco que es la versión más personal de la sesión: Bésame mucho.
Al analizar la trayectoria de Chano Domínguez parece casi imprescindible considerar Calle 54 como una pieza clave. El largometraje de Fernando Trueba ha abierto las puertas del mercado internacional a uno de los pianistas españoles con más carácter. Pero al mismo tiempo, esta apertura parece haber contaminado en cierto grado esta nueva producción de Nuba Records: las líneas de piano aparecen más normalizadas, mucho más cerca de lo jazzísticamente establecido, y la personalidad de Chano se presenta atenuada (en muchos momentos, hasta doblegada), en una producción con tintes de gran tirada. Esperemos que, al igual que el papel que jugó Thimar (ECM, 1998) en la trayectoria musical de Anouar Brahem, Con Alma sea un viaje de ida con el que conseguir, a la vuelta del mismo, poder seguir exprimiendo la savia conjunta del jazz y del flamenco con mayor repercusión.
Composiciones: 1.Tokimeku Yokan; 2.Voodoo Doll; 3.Kundalini, Winter Time; 4.Kundalini, Primavera; 5. Kundalini, La Lumiere; 6.What Once Was; 7.T Rock; 8.Eleven Bitches of Blood, Part 1; 9.Eleven Bitches of Blood, Part 2; 10.The Third Eye, Prologue; 11.The Third Eye, Part 1; 12.The Third Eye, Part 2;
Músicos: Bob Tildesley (trompeta); Terence Sagan (bajo); Joel Lavoie (guitarra, voz en 5); Mark Segger, Peter Hendrickson (batería); mariko (teclados)
Duración: 58min 23seg
Grabado entre los meses de enero y agosto de 2004
en Haunted Recorders, Edmonton, Canadá.
REF: HMJC02
www.heavymetaljazzconcepts.com
Comentario: Heavy was a sweater pasa por ser un puñado de sílice arrojado al agua. Un simple puñado de arena de playa por lo disperso del material incluido, y arrojado al agua porque con tan sólo una escucha el disco desaparece sin dejar huella alguna sobre la superficie líquida.
Tokimeku Yokan abre la grabación con las notas de una trompeta al puro estilo fusión de Miles Davis como primer protagonista de la sesión. A los veinte segundos cae sobre las líneas melódicas de la trompeta una espesa niebla en forma de guitarra distorsionada y golpeo incesante de caja de batería. A esta espesa niebla se le suma al poco tiempo un piano ecualizado al más puro estilo disco, con los agudos y el brillo por las nubes. Más viento metal a lo Davis en Voodoo Doll, más distorsión, y la misma fórmula: violentos cambios de intensidad en forma de arreo a la batería y punteos dignos de cualquier grupo de heavy en edad de instituto. Con todo el dolor de mi corazón, continúo la escucha de un disco en el que los únicos momentos rescatables no tienen nada que ver con el heavy metal, sino con el blues. Kundalini, La Lumiere vuelve a ser digno de aparecer en Tutu o en cualquiera de los discos menores de Davis en su último regreso a los estudios en la década de los 80.
Varias han sido las escuchas del disco (demasiadas oportunidades, de hecho), y todas ellas convergen a una misma solución: montar un sello discográfico y editar discos con el nombre de conceptos jazzísticos del heavy metal, dados los resultados, llega a ser pretencioso. Otros nombres, como Allan Holdsworth, tienen sus raíces en este tipo de música, y no se dedican a gritar a los cuatro vientos el término ‘jazz’ para dar caché o glamour a sus grabaciones. En definitiva, en lugar de Heavy was a sweater la grabación podría perfectamente llamarse Jazz is a sweater.
Composiciones: 1.San Juan; 2.Insomnio; 3.Sencillos deseos; 4.Pudo ser una samba; 5.Euria; 6.La evidencia; 7.Tximeletak; 8.Maialen; 9.Bolero; 10.Sapos y culebras
Músicos: Teresa Zabalza (piano); Alejandro Mingot (guitarra); Miguel “Pintxo” Villar (saxo); Iosu Izagirre (contrabajo); Hasier Oleaga (batería)
Duración: 51min 25seg
Grabado en los estudios Laietana de Barcelona en
el 2004.
REF: E.R.004
Comentario: Euria de Teresa Zabalza y Oraindik Ametsetan de Víctor de Diego son las recientes apuestas del novel sello vasco Errabal Jazz. Con cierto paralelismo en el aspecto técnico con las producciones de Fresh Sound New Talent (ambos discos han sido grabados en los estudios Laietana de Barcelona, con Jordi Vidal como técnico en la grabación, así como la presencia de Gorka Benítez en “Euria” como asesor artístico y la colaboración de Carme Canela), el sonido del Teresa Zabalza Quintet se aleja en intención de la línea aérea trazada por Fresh Sound entre Nueva York y Barcelona.
Con la homogeneidad como rasgo característico, el piano de Zabalza, reforzado en todo momento por el peso de las notas del tenor de Miguel Villar, toma como epicentro los sonidos latinos a los que tanto partido sacó la Blue Note en la década de los 60. Oscilando en torno a este núcleo, el quinteto desarrolla San Juan, tema en el que Dexter Gordon revolotea sobre el sonido y las líneas del saxofón (característica que será una constante en la mayor parte de la grabación); Pudo ser una samba rescata los acordes de guitarra de Grant Green; Euria divide el tiempo, jugando elegantemente con la languidez del golpeo de la batería y el entrelazado de las melodías de saxo y guitarra. Más aromas latinos en La evidencia, con una producción fresca aunque con ese sabor rancio de armonías extraídas de las más antiguas barricas de la música cubana. Un Bolero y espacio para la lírica en Sencillos deseos con la voz de Carme Canela son dos elementos añadidos que pueden encontrarse en la escucha del CD.
En resumen, Euria pasa por ser el ejercicio de un quinteto en el que ninguno de los componentes pretende destacar. Una grabación en la que los instrumentistas demuestran recursos suficientes para mantener el disco, pero en el que las composiciones, por demasiado añejas, no dan más de sí, y en las que el quinteto, quizás por no explotar rítmicamente los temas, termina aplanando los algo más de 50 minutos del mismo.
Composiciones: 1.Il-lusió; 2.El domador de bestias; 3.Yeah; 4.Hori da; 5.Queseyo; 6.Magrella; 7.Lortzeko bidea; 8.Baketsu
Músicos: Víctor De Diego (saxos tenor y soprano); Curro Gálvez (contrabajo); Joan Díaz (piano); Marc Ayza (batería)
Duración: 56min 41seg
Grabado en el 2005 en los estudios Laietana de Barcelona.
REF: E.R.006
Comentario: Ocho son las piezas que componen el último de los puzzles manufacturados por Víctor De Diego. El cuarto trabajo firmado con su nombre, esta vez para el sello vasco Errabal Jazz tras haber pisado con anterioridad los estudios para el Taller de Músics, Fresh Sound New Talent y Satchmo Records.
La arquitectura armónica de las composiciones roza la sencillez, y es la rítmica de los temas la que sustenta el disco. Al igual que en la grabación realizada por el quinteto de Teresa Zabalza Euria para este mismo sello y editado en las mimas fechas, el sonido del disco queda demasiado atrás en el tiempo, y el tenor de Víctor De Diego suena a la Blue Note de hace cuatro décadas (a Hank Mobley y a Dexter Gordon si entramos en más detalle), especialmente en los dos temas que abren el disco. El soprano en Yeah parece acercar a la actualidad la grabación, pero sin meterse en camisa de once varas: sencillez y efectividad en una línea melódica muy cerca del rythm & blues, logrando una fácil escucha con un tempo muy agradable. Momento acertado del disco el crescendo en intensidad del piano de Joan Díaz en Hori da. Contundencia rítmica y líneas de saxo mimetizando a Joe Henderson en Queseyo. Espacio para la balada en Magrela, para el blues en Lortzeko bidea, y elegante cierre de la grabación con los dos minutos de Baketsu.
La esencia de Oraindik ametsetan es la misma que la analizada en la anterior narración: el oyente cultivado encontrará en el disco continuas referencias acústicas a grabaciones con más de cuatro décadas de antigüedad. Y esto pesa bastante, quizás demasiado, a la hora de analizar el resultado final del mismo. Particularmente, no he encontrado ningún pasaje musical con el cual caracterizar a los músicos, dar con un perfil característico con el que poder reconocer el piano, el contrabajo, la batería o los saxos si con éstos me tropezase en alguna grabación. Un disco correcto, aunque construido sobre la personalidad de otros, aún cuando todas las composiciones estén firmadas por el saxofonista.