Composiciones:
1. Las razones de los artesanos (6:10)
2. Toño se va en un barco (7:57)
3. La memoria de las hojas de la calle 80 (7:00)
4. El himno de la resistencia (4:50)
5. Luchadores de Yenín (7:48)
6. La guaracha de los artesanos (5:28)
7. Lucy, Australophitecus Afarensis (8:26)
8. La memoria de las hojas de la calle 80 (4:16)
( versión guit. Española)
Músicos: Teo Gómez
- piano
José Vicente Muñoz - contrabajo y bajo eléctrico
Juan Ramón Callejas - saxo tenor
Renato Di Prinzio - batería
Juan Camacho - guitaras eléctrica y española, todas
las composiciones
Sello: Satchmo Jazz Records 2005
Comentario: La verdad es que
editar una obra de jazz en España es toda una proeza, pero
si además de esto, te encuentras con que la master se pierde,
por no se sabe bien qué; tenemos el vivo ejemplo de alguien
que no quiere ser ni héroe ni mártir de la música,
pero que se encuentra con una situación altamente dolorosa,
que casi le obliga a ello.
Juan Camacho, es el músico y, Ternario-La poética de
la resistencia- su obra. No cabe la menor duda, que lo de la poética
y sobre todo la resistencia le van al pelo de lo que digo.
Un romántico, ¡si señor!. Auténtico como
pocos, y como el mismo confiesa su parto más doloroso, también
su disco mas maduro y completo. Ternario-por su tercer trabajo, y
por el dominio del tres por cuatro mayoritario de los temas.
Y entre estos, destaca Lucy ,australopithecus Afarensis, dedicado
al homínido descubierto por los antropólogos Leakey,
y cuyo nombre fue en honor a la canción de los Beatles. Intensidad,
dramatismo y jazz-rock dominan el tema con excelentes solos de guitarra
y piano sobre todos los demás, sin olvidar los teclados y,
el tenor en los adornos y acompañamientos.
La memoria de la hojas de la calle 80, es un tema duplicado para enriquecer
la obra, la versión acústica cierra el disco con serena
belleza a solo de guitarra española; y el tercer corte del
mismo título con todos los integrantes, comienza con una introducción
de Teo Gómez delicioso al oído, que da paso a la guitarra
de Camacho y, el bajo eléctrico de J. Vicente con líneas
melódicas del saxo de J.R. Callejas llenas de gusto y elegancia.
Si, Juan es músico y líder, pero no por ello oscurece
a sus músicos, muy al contrario gusta de su participación
en el proyecto.
Cómo ser humano, que lo es, hace y deja hacer, es comprometido
con todo lo social, de ahí, nace El himno de la resistencia,
estupendo tema melódico-armónico en el que destacan
los diálogos de guitarra y saxo.
Luchadores de Yenin, de sentimiento profundo y melancólico
en el comienzo, y swing mas adelante, brillando con luz propia Teo
Gómez en el piano, para regresar al final, al principio, pero
con el apoyo del arco de J.V.Muñoz en el contrabajo.
No puedo pasar por alto, Toño se va en un barco, tema que supone
un homenaje al fallecido pintor Juan Antonio Roda-autor de la portada-y,
con el cual convivió Camacho gran parte de su vida.
No mucho más por mi parte, pero no quiero dejar pasar por alto
el grado de compromiso demostrado por todos los integrantes de este
quinteto, por su convicción en lo que hacen y, en definitiva
por el amor que demuestran en cada composición, y es mas, en
cada nota.
Es el triunfo del placer de lo auténtico por encima del dolor
y el sacrificio.
Enrique Farelo
Composiciones: Bajo Mínimos (Germán Kucich),
Isn' t she lovely (Stevie Wonder), Astro Alma (Germán Kucich),
Ava Gardner (Sergio Rafaelli), Sky Phamtoms (Paco Charlín),
Land of Mirrors (Paco Charlín) ,This is new (Kurt Weill
e Ira Gershwin), Monk's Dream (Thelonius Monk), Para C (Juanma
Barroso), Desde la memoria (Germán Kucich).
Músicos: Germán Kucich (piano), Paco Charlín (contrabajo) y Juanma Barroso (batería)
Grabado en Madrid en la SGAE el 22 y 23 de diciembre
de 2004
New Mood Jazz, 2005 www.newmoodjazz.com
Comentario: Muchos músicos de jazz sienten que el trío es el formato en que el pueden mostrar al máximo su capacidad creativa, pero también suele ser el más exigente, porque requiere estar siempre en la cuerda floja, llegar a un nivel suficiente para que el fruto de su creación no se vea descompensado. Como un triángulo equilátero, el trío requiere de una igual aportación de los músicos para que al final lo que quede sea la música como un conjunto, donde lo más importante sea el resultado final y no los propios músicos. Pocos tríos han sido capaces de dominar la situación, antes al contrario, muchos han sido devorados por su propia ansiedad de obtener un resultado a base de encajar las notas con calzador. Dominar el “Arte del Trío” (frase acuñada o por lo menos popularizada por el gran Brad Mehldau) y conseguir que cuaje, no es nada sencillo: requiere perderle miedo al vértigo del abismo y dejar volar la sabiduría musical. Existen referencias de tríos que han fracasado porque, aún compuestos por eminentes músicos, aquello no funcionaba y no irradiaba una verdadera implicación de los músicos en el producto final, donde el perfecto equilibrio armónico y rítmico es fundamental.
Ya en su anterior trabajo de hace cuatro años,
“Y después...Qué?”, el pianista argentino Germán
Kucich y el batería Juanma Barroso, en aquella ocasión
acompañados por el contrabajista Carlos Ibáñez,
apuntaron una serie de ideas que tienen ahora su culminación
más madura (confiamos en que exista una siguiente), en
este “This is new”, en el que la incorporación de Paco
Charlín, asiduo colaborador de Abe Rábade, le ha
proporcionado al trío un gran refuerzo en la base rítmica.
Paco Charlín es sin duda uno de los mejores contrabajistas
nacionales y tiene un futuro por delante espléndido. Dos
de los temas del disco, “Sky Phantoms”y Land of Mirrors”, son
suyos, y en ellos demuestra una sensibilidad extraordinaria para
la composición y el acompañamiento.
El disco se abre con una vieja composición de Kucich, “Bajo
Mínimos”, que muestra ya, a las primeras de cambio, el
sentido por donde va a ir la música siguiente. Temas lentos,
potentes y siempre bajo el control de quien maneja las techas
con una suavidad meridiana. Kucich toca como si el fantasma de
Bill Evans le fuera guiando. Juanma Barroso es otro músico
de categoría, (hace una versión estupenda del Monk´s
Dream), que supone el complemento perfecto para uno de los mejores
tríos del jazz nacional que podemos disfrutar en la actualidad.
La selección de los temas dice mucho a favor de este disco,
que combina composiciones propias con cuatro versiones de altos
vuelos, entre ellas un standard, que da título al disco
y hasta una composición muy bien interpretada de Stevie
Wonder, el archiconocido “Isn´t she lovely”.
“This is new”, una producción que acaba de editar el nuevo
sello New Mood Jazz, es una de las mejores cosas que le podía
pasar al jazz nacional justo a finales de año: un broche
de oro perfecto. Un disco que merece la pena escucharlo más
de una vez, porque en cada ocasión se descubren nuevas
texturas y sorpresas escondidas. Si este trío pudiera tener
estabilidad, estaríamos ante uno de los mejores acontecimientos
del jazz nacional. La prueba es este fenomenal trabajo. Da gusto
disfrutar de esta deliciosa música que destila sabiduría
jazzística por los cuatro costados y una interpretación
impecable por parte de los tres miembros del trío, que
están perfectos en su papel.
Carlos Lara
Composiciones: 1.Menuet sur le nom du Haydn (5:51);
2.Suite for soprano saxophone & piano I-VII (25:46);
3.The last waltz (5:31); 4.Musica callada I-VI (22:08);
5.Silkscreen (5:30)
Tema #1 compuesto por Ravel; #2 original de Andrew Rathbun;
#3 & 5 firmadas por George Colligan; #4 compuesta por
Federico Mompou.
Músicos: Andrew Rathbun (saxos tenor & soprano); George Colligan (p)
Duración: 1h 05min
09seg
Grabado el 17 de enero de 2004 en los estudios System II,
Nueva York. Ingeniero de sonido: Joe Marciano; mezclado
por Micheal Marciano; editado por Andrew Rathbun.
REF: FSNT-237
www.freshsoundrecords.com
www.andrewrathbun.com
Comentario: Renderings es la mirada intimista de una formación a dúo unida a la interpretación de piezas de Maurice Ravel (1875-1937) y del español Federico Mompou (1893-1987); un trabajo de hilado fino en el que tanto el saxofonista canadiense Andrew Rathbun como el pianista George Colligan (ambas figuras bien arropadas en sus trayectorias por el sello FSNT) juegan a moverse en la delgada línea que separa los contextos musicales del jazz y de la interpretación clásica, no sólo en la ejecución de piezas de autores clásicos, sino en la composición de una suite homenaje a Wayne Shorter en la que las atmósferas evocan a Haydn con mucha fuerza. En definitiva, el reto a la eternidad de la interpretación clásica conjugada con el reto al instante de la improvisación jazzística.
El resultado puede definirse como una interesante mezcla en la que el oído salta continuamente en el tiempo entre el fraseo fresco y las líneas melódicas de perfil añejo (sirva como brújula del experimento el tercer movimiento de la suite de Mompou), moviéndose entre la rigidez rítmica de los fragmentos más clásicos y la síncopa de los segmentos jazzísticos. El soprano de Rathbun parece jugar el papel del clarinete en cuanto al timbre, y la interpretación del dúo alcanza un excelente nivel interpretativo: el oído se vuelve exigente cuando sólo dos instrumentos ocupan el espacio auditivo, y un exquisito control del tono y del volumen de los instrumentos es necesario. Colligan y Rathbun alcanzan dicho nivel técnico (al menos para mi sincopado sentido auditivo), y consiguen hacer de Renderings una grabación similar a las de otros autores, tales como Joachim Kühn y su reciente grabación para ACT Piano Works I: Allegro Vivace, en las que el telón de fondo del blues tan característico en el jazz (esas notas que suenan cuando los dedos las buscan en el bulbo raquídeo en lugar de hacerlo en la masa encefálica) es sustituido por los tapices de los compositores europeos. Una extraña muestra en lo que a la escena neoyorquina se refiere.
Composiciones: 1.El
origen de todo; 2.Oscuro y húmedo; 3.Paisajes de una
vida ordenada; 4.Numen 1; 5.Otra luz (a Lucía); 6.Lluvia
de enero; 7.Siempre amanece; 8.Ritual; 9.Numen 2; 10.Sueño
que soy acorde
Todos los temas compuestos por Pedro Cortejosa, excepto #4
y #9 que son improvisaciones libres.
Músicos: Pedro Cortejosa (st); Perico Sambeat (sa); Juan Gómez (p); Arturo Serra (vib); José López (cb); Markku Ounaskari (bat); Luis Balaguer (g);
Duración: 1h 01min
33seg
Grabado en La Bodega, Jerez, en febrero de 2005. Mezclado
y masterizado por Juan Antonio Espinosa. Distribuido por Karonte.
REF: BJ-060
www.bujio.com
www.pedrocortejosa.com
Comentario:
El premio a mejor grupo andaluz en el Festival Internacional
de Jazz de Granada del 2003 ha permitido a Pedro Cortejosa
grabar el segundo álbum a su nombre, Numen, editado
por El Bujío, pequeña productora gaditana acostumbrada
a manejarse entre el flamenco y las músicas del mundo,
y que ya lanzó al mercado Mosaico (BJ-036) en el 2002,
el primer disco como líder del saxofonista.
Respecto a Mosaico, Cortejosa conserva a José
López en el contrabajo y mantiene los apuntes de guitarra
española de Luís Balaguer; cambia de pianista
y de batería, e introduce el vibráfono como
novedad en el sonido del disco. En lo que respecta a las composiciones,
la formación sigue la misma fórmula: cultivar
frases sencillas de presentación que golpean de lleno,
infiltrándose en los oídos para después
ir desarrollándose poco a poco a medida que los compases
y los instrumentos se van dando el relevo. La principal virtud
de Cortejosa al tenor es la limpieza de sus fraseos, un sonido
de cuerpo consistente, de notas definidas, capaces de convertir
las dos dimensiones de las partituras en las tres dimensiones
de la música, tallando en mármol las notas,
sin prisas pero sin pausa. Al igual que ocurre con Mosaico,
el segundo de los temas del disco, que en aquel momento fue
Levante en calma, y que en esta ocasión es Oscuro y
húmedo, es difícil de olvidar desde la primera
escucha, una composición de tempo medio que transmite
serenidad e incertidumbre a partes iguales, de un marcado
ritmo sobre el que el tenor de Cortejosa va generando y resolviendo
las tensiones armónicas. No menos estupenda resulta
Lluvia de enero, de marcada rítmica de tango sin llegar
a desvelarse como tal, o Pasajes de una vida ordenada, más
de siete minutos en los que el tiempo parece dilatarse con
ayuda de las notas de la española de Balaguer (a las
que se les superpone la atmósfera carnal de la marcada
respiración de éste). Destacar cómo la
aportación de Arturo Serra al vibráfono define
el carácter de algunas de las composiciones, haciendo
su presencia compatible con las notas del piano de Gómez
en Siempre amanece. Los paréntesis musicales de Perico
Sambeat son igualmente de agradecer. El alto de Sambeat pone
sus inconfundibles acentos sobre la pieza que abre el disco,
El origen de todo (con unos primeros compases muy coltranianos),
y sobre las dos improvisaciones libres del disco, Numen 1
y Numen 2.
La pasada edición del QurtubaJazz de Córdoba
a finales de octubre convocó a las ocho provincias
andaluzas (cada una tuvo como embajadora a la formación
más representativa), y en ésta el cuarteto gaditano
de Pedro Cortejosa (con López, Serra y Ounaskari) demostró
no sólo que forma parte de la actualidad musical de
esta comunidad, sino que además tiene mucho que contar
al resto de la geografía española. Numen viene
a confirmar una promesa lanzada al aire con Mosaico; la propuesta
musical del sur de la península con más fuerza
en este año, ya a punto de concluir.
Sergio Masferrer
Músicos: Raynald Colom (tp, flgh), Marti Serra (ts, ss), José Reinoso (Fender Rhodes, Hammond, Wurlitzer), Tom Warburton (b) and Marc Ayza (d). Guest musicians: Jesse Davis (as), Alex A. 'TNT ' (vcl, g), Javier Mas (archilaud)
Composiciones: 1."3" (5:54); 2.Interlude
#1 (Plaza Real 05:30 am) (2:16); 3.Bs As (3:43); 4.Shvlarh (7:34);
5.Interlude #2 (Un lunes cualquiera...) (0:30); 6.Atom (6:29); 7.Three
Views of a Secret (6:48); 8.Interlude #3 (...!!!!!) (1:16); 9.Africa
(9:33); 10.Interlude #4 (Two hotdog & a strawberry soda) (1:02);
11.¿Y qué sé yo? (5:20); 12.Interlude #5 (The
End) (1:14)
Todos los arreglos por Raynald Colom excepto #10 por Raynald Colom
y Alex A. 'TNT'.
Duración: 51min 39seg
Grabado los días 19,20 y 21 de julio de 2004 en los estudios
Nomada 57, Barcelona. Grabado y mezclado por Pere Aguilar.
REF: FSNT-214
www.freshsoundrecords.com
www.raynaldcolom.net
Comentario: En la escucha del nuevo disco de Perico Sambeat (Ziribuye, Karonte, 2005), Colom despunta como uno de los principales valores de la grabación; si a raíz de este encuentro acústico uno se interesa por la producción musical de este trompetista y descubre que Fresh Sound New Talent acaba de producir su nuevo trabajo, entonces el interés crece de forma tal que se hace inminente la escucha del mismo.
La sorpresa es mayúscula al descubrir que excepto la primera de las piezas, “3” (fácil y agradable de encasillar en los sonidos que la factoría Jordi Puyol está produciendo), y el espacio para la balada en Skylark y Africa, el resto del disco se mueve entre el groove y el funk, desde los sutiles apuntes electrónicos con atmósferas a Miles Davis de finales de los 60 en Interlude #1 (plaza real 5:30 a.m.) hasta el explícito tema vocal de Interlude “4” (two hotdogs & a strawberry soda). Y referencias al más puro estilo bebop en Bs As, empujados hacia los anteriores estilos por el fabuloso Hammond de José Reinoso (partícipe también en Ziribuye).
La trompeta de Colom consigue un sonido limpio que se adapta a todos los terrenos: ágil en los pasajes bebop, templada en los momentos más tiernos, y de pulso rítmico en los cortes más animados. El Hammond de Reinoso y la sección rítmica alcanzan la misma altura que la trompeta, mientras que el sonido del saxo alto de Jesse Davis derrapa en los fraseos bebop más rápidos (este efecto parece producido por el uso de una caña demasiado blanda para el saxo, haciendo que el sonido de éste pierda definición).
Un disco fresco, de sonidos del presente y del pasado transportados a la actualidad; un terreno armónico sencillo por el que los músicos se pasean dejando apuntes de muy buena calidad. Una grabación que pide encender el equipo y pasar un rato distendido, sin necesidad de profundas reflexiones para su comprensión. Cincuenta y un minutos que piden a gritos el disfrute en directo de la formación.
Músicos: Sergi Sirvent Escué (p, electric davoli, voz en #8); Esteban Hernández (cb); Daniel Domínguez (bat); Unexpected (voces en #3)
Composiciones: 1.Fúcsia
(9:22); 2.Milonga en la frontera (7:40); 3.Concret (Nostàlgia
de Barcelona) (9:45); 4.Need (7:41); 5.Blues in Need (7:24); 6.Les
esquerdes (8:33); 7.Acurrucat i Injust (4:45); 8.Waltz for Someone
(6:07)
Todos los temas compuestos por Sergi Sirvent Escué excepto
‘Milonga en la Frontera’ por Esteban Hernández.
Duración: 1h 01min 07seg
Grabado el 18 de julio de 2004 en los Estudis
Moraleda, Barcelona. Producido por Sergi Sirvent; producción
ejecutiva: Jordi Puyol.
REF: FSNT-231
www.freshsoundrecords.com
Comentario: Sergi Sirvent sigue sumando títulos a su joven y prolífica carrera musical. A 9 Muses (FSNT-193) y Free Quartet (FSNT-208) se añade esta segunda entrega de los Unexpected, una formación en la que Sirvent se une a Esteban Hernández y a Daniel Domínguez.
Comenzando por el título y continuando con el evidente e intencionado contagio en gran parte en las composiciones, Plays the Blues in Need es un devoto homenaje a Thelonious Monk, la figura que acercó a Sirvent al jazz. Los compases son recorridos con ritmos tropezados de acento muy marcado, y la evolución de los temas es pretendidamente torpe y lenta. Eso sí, mientras que Monk sitúa su obra en un terreno del blues muy personal, el trío catalán apunta en muchos instantes hacia el rock (esto ya ocurre en la anterior entrega de los Unexpected (FSNT-157). Este tratamiento musical va dejándose entrever a lo largo del disco, y se torna evidente en la pista que da nombre a la grabación, o en Waltz for Someone.
Unexpected Plays the Blues in Need no termina de cuajar: retazos de Monk poco cohesionados entre los que es fácil observar tangibles fisuras. Por ejemplo, Blues in Need atraviesa un pasaje tosco y monótono en el que Sirvent se tiende él mismo una trampa, e insiste sobre un par de acordes durante un tiempo excesivo; el ‘feeling’ como sustituto de la técnica y la afinación de la voz de Sirvent en Waltz for Someone queda simpático, pero sólo para andar por casa. Y es que si algo pueden demostrar los sesenta minutos de grabación es la compleja sencillez de la exquisita torpeza de Monk. Un ejercicio nada fácil de imitar o de intentar transportar a otros terrenos.
Dejando a un lado el análisis de si los Unexpected suenan o no a Monk, cabe concluir que al trío, aun sonando bien y con intenciones (destacar Fùcsia o Les Esquerdes), le falta fluidez en el desarrollo de las piezas.
Músicos: Ferry Hemingway (batería), Herb Robertson (trompeta), Ellery Eskelin (saxo tenor) y Mark Helias (contrabajo eléctrico y acústico)
Grabado el 2 de Marzo y el 17 de Junio de
2004 en New York.
Clean Feed CF040CD
Comentario:
Interesante y arriesgado el segundo trabajo discográfico
de Gerry Hemingway para Clean Feed. Para el mismo, Hemingway
se ha rodeado de algunos de los músicos más
interesantes y acreditados del mundo de la improvisación
(y a los que conoce a la perfección, a consecuencia
de haber trabajos junto a los mimos en diversas grabaciones),
como por ejemplo Ellery Eskelin en el saxo tenor o la trompeta
de Herb Robertson como principales instrumentistas, pero con
el añadido de la sección rítmica de Mark
Helias al contrabajo.
Todos los temas que se interpretan en el presente disco son
originales de Hemingway, y los mismos permiten el lucimiento
de todos los componentes del grupo, pero muy especialmente
de Eskelin y de Robertson. Estos dos músicos ofrecen
un recital tanto musical como interpretativo, al ejecutar
tanto pasajes muy sensitivos, como momentos de gran aportación
rítmica y de desarrollo sonoro, con fragmentos muy
libres de sus instrumentos, muy especialmente por parte de
Robertson. Ello es apreciable en uno de los temas más
largos del cedé “Curlycue”, o en el tema “The Current
Underneath”, en donde la participación de la sección
rítmica se presenta indispensable para el desarrollo
del mismo, ya sea por la aportación rítmica
de la batería de Hemingway, como la pulsación
del contrabajo eléctrico de Mark Helias. Este músico
además ofrece grandes dosis de adaptación a
los diversos temas a los que se enfrenta, al procurar un ritmo
mucho más funk en el tema “The Whimbler”, o un ritmo
más tradicional en el tema “Rallier”; no cabe duda
alguna que la musicalidad de este contrabajista es básica
para el éxito de la grabación.
Ante toda esta contribución musical de los integrantes
del cuarteto, Gerry Hemingway no se queda atrás y despliega
un sonido acorde con las aportaciones de sus compañeros,
con unos solos interesantes, por momentos muy aeróbicos,
y en otros por el contrario muy harmoniosos con un gran despliegue
de recursos estilísticos, muy especialmente en el tratamiento
de los platos. El resultado de todo lo comentado es un grupo
en perfecta conjunción, que desarrolla a la perfección
los planteamientos musicales planteados por el líder,
y en donde cada instrumentista aporta su propia personalidad
en arras de un bien mayor, y que no es otro que la música
que finalmente se consigue.
Un disco para disfrutar.
Juan Carlos Abelenda.
Enrico Rava - Tati
Músicos: Enrico Rava (trompeta), Steffano Bollani (piano), y Paul Motian (batería).
Grabado el Noviembre de 2004 en los estudios Avatar,
New York.
ECM 1921 9870174
Comentario:
“Un extraordinario contador de historias”, de esta forma podríamos
calificar a Enrico Rava, a quien se puede considerar uno de los
músicos europeos más importantes de la actualidad.
Los últimos trabajos que ha realizado el trompetista italiano,
son pequeñas joyas que ningún aficionado al jazz debería
dejar pasar, y muy especialmente los del sello ECM, el que estamos
comentando y “Easy Living”, que supuso el regreso a la discográfica
alemán, y que perteneció en los años 70 y 80,
y que tan suculentos frutos aportó en su momento.
Tati se podría calificar como un encuentro de amigos, a tenor
de la participación que en el mismo llevan a cabo, tanto
el pianista Steffano Bollani, como el baterista Paul Motian. No
cabe la menor duda, que este trabajo se trata de un canto al lirismo,
a la musicalidad, al sentimiento y a las atmósferas; pero
por encima de todo ello, la última grabación de Rava
es una perfecta combinación de elementos sonoros, cabalmente
compenetrados por la trompeta de Enrico Rava, (con claras reminiscencias
e influencias de Miles Davis), que moldea el sonido a través
de un equilibrio entre lo sutil y la libre improvisación,
o la sensibilidad y la claridad de ideas de Steffano Bollani (un
estupendo pianista, bastante desconocido por nuestras fronteras,
pero con una calidad sencillamente escalofriante), y el maestro
en el arte de la sugerencia, en el arte del silencio, de las texturas
atmosféricas y de musicalidad sin límites, Paul Motian
a la batería.
Tati se encuentra conformado en su mayoría por material original
de todos los integrantes del trío, en concreto: seis temas
de Rava, tres de Motian y uno de Bollani, más la inclusión
de un tema de Gershwin, “The Man I Love” (deliciosa la relectura
de este clásico) y el aria de Puccini, “E Lucevan Le Stelle”.
En el desarrollo de estos temas encontramos una compenetración
telepática entre Rava y Bollani, como consecuencia de la
gran cantidad de proyectos en que ambos músicos han participado,
y que se antoja como el compañero perfecto para esta grabación;
tan sólo hay que escuchar algunas composiciones como el que
da título al trabajo, “Mirrors”, o el que firma el propio
pianista “Casa di Bambola”, para poder percibir pasajes de exquisito
diálogo musical entre ambos músicos, a veces sutil
y delicado, y en otros instantes complicado y abstracto. Mientras
tanto, Paul Motian se presenta como un músico de gran colorido
(gracias al excelente trabajo que despliega en los platos), intuitivo,
pero a la vez relajado y muy reflexivo en la utilización
de atmósferas y tempos de “exasperante” y terrible belleza
sonora.
Pero no todas las composiciones del presente trabajo son melodiosas
y líricas, sino que en determinados momentos el pasado musical
del estilo free de Enrico Rava se nos muestra como actual y presente.
Ello se lleva a cabo a través de desarrollos musicales de
gran libertad interpretativa, como son los temas “Jessica Too”,
“Fantasm” o “Cornettology” (un claro homenaje a Ornette Coleman),
y en donde las interpretaciones del trío se vuelven libres,
abigarradas y oscuras por momentos, y es en este marco donde los
músicos tienen la posibilidad de desarrollar otras texturas
más complejas, gracias a la concepción abstracta y
abierta de los mismos.
Esta contraposición de estilos interpretativos, es lo que
permitirá al aficionado, disfrutar de un trabajo que se ha
planteado como una gran aventura musical, y donde se manifiestan
diversas caras de un mismo músico, que al final nos demuestra
que Enrico Rava sigue siendo un músico libre, no en el sentido
estricto del término, sino “libre” en el sentido del planteamiento
musical utilizado, ya sea en una balada melodiosa o en una composición
con una fuerte carga de improvisación.
Un trabajo de cinco estrellas para disfrutar, y disfrutar.
Juan Carlos Abelenda.
Músicos: Madlib ( Otis Jackson ) Teclados, Bajo, Batería, Percusión, Vibráfono, Marimba, Kalimba, Platos y Programación con Todd Simon Flauta, Trompeta, Flugerhorn y Teclados, David Ralicke Trombón y Saxofón Tenor, Kevin Lightning Saxos Tenor y Barítono y Flauta , Hoagie Haven Trompeta y Flugerhorn, Tracy Wannomae Flauta, Saxofón Alto y Clarinete Bajo, Dan Ubick Guitarra, D’Wayne Kelly Hammond B-3 y Arp String Ensemble, Malcolm Catto y Babatunde Batería.
Stones Throw Records STH2124.
Comentario:
Nuevo opus del incansable Madlib, discjockey, manipulador de platos
giradiscos, productor, multi-instrumentista, rapero…aquí
con su ficticio grupo ( sus miembros no existen, él toca
todo ) Yesterdays New Quintet, presentando una nueva cosa llamada
Sound Directions, aparcando de momento sus otros proyectos Quasimoto,
The Lootpack, o sus otras actividades con el nombre Madlib. Con
este grupo, su anterior trabajo fue el homenaje a Weldon Irvine
que casi sonaba más a Sun Ra que al propio homenajeado, aunque
la conexión entre ambos no era en absoluto descabellada,
con aquellos ritmos funk a tropezones aparentemente vanguardistas
que en este nuevo disco parecen aclararse un poco, al parecer suautor
quiere caminar aquí por una senda más clásica
del funk, pero aún con sus matices característicos,
con algo de esos ritmos rotos y flotantes que tanto le gusta utilizar
para salirse de los patrones más estereotipados de este estilo.
Al contrario que en otros discos del ficticio grupo, en este hay
invitados a los vientos de las formaciones de los grupos Breakestra
y Wildflowers, más los míticos Malcolm Catto y Babatunde
Lea a la batería en uno y dos temas respectivamente, y la
sección de viento en la mayoría de los temas sí
que le da un sonido muy diferente a la música del “grupo”.
El repertorio es variado, con temas de Madlib alternados con una
fantástica versión del “Wanda Vidal” de Marcos Valle,
otra no menos sorprendente del “On The Hill” de Oliver Sain cerrando
este disco en el que sobresalen una versión de un tema de
David Axelrod que le va a este grupo como anillo al dedo, y otra
del tema “One For J.J.” de J.J. Johnson.
Más entretenido para los aficionados al jazz que sus discos
anteriores, y no menos interesante para los aficionados al funk
o al hip hop que forman su habitual público, otra muestra
estupenda del talento de este sorprendente y complejo personaje,
muy buen ejemplo del eclecticismo de los tiempos que corren.
Jorge LG
Músicos: Tim Berne Saxofón Alto, Craig Taborn Piano, Tom Rainey Batería.
Screwgun Records 700015.
Comentario: Hard Cell : Berne
al alto y, esta vez, en formación acústica, Rainey
a la batería y Taborn al piano en vez de éste último
a los teclados y diversa electrónica como en los dos discos
anteriores de esta formación, otra más del polifacético
líder, uno en estudio y otro en directo.
Berne concibe cada disco como una obra de arte integral. Desde el
increíble envase, diseño otra vez de su amigo Stephen
Byram, ya una institución en el mundo del jazz más
moderno por sus trabajos para JMT, Winter & Winter, New World,
Nonesuch, y sobre todo estos últimos años para el
sello de Berne, Screwgun, en cuya página web uno puede agenciarse
estupenda obra gráfica de este artista gráfico, que
aquí colabora con el fotógrafo Robert Lewis, hasta
el diseño sonoro en el que una vez más participa su
habitual colaborador, el también músico, arquitecto
sonoro y productor David Torn, aquí mano a mano con el ingeniero
Héctor Castillo, estos discos son en realidad una especie
de esculturas sonoras integrales, auténticas obras de arte.
Berne es probablemente el alto más original de su generación
alternativo al binomio M-Base, Steve Coleman-Greg Osby. Muy influído
por un gran representante de la generación anterior a la
suya, Julius Hemphill, del que fue alumno, representa fenomenalmente
el sonido del downtown neoyorquino. Su música bebe en las
fuentes del post free de la generación de Hemphill, pero
es más poderosa rítmicamente, y en ella también
se aprecia la influencia del gran jefe del downtown, Zorn. El blues
y el jazz están ahí, como un poso o base sobre la
que buscar un sonido urbano, moderno y ácido, muy contemporáneo
y muy relacionado con el sonido del mejor y más oscuro rock.
Las melodías reiterativas de su música son puntuadas
en esta formación a veces por el piano y la batería,
ésta muy melódica pero muy potente, al unísono,
y ninguno de los tres instrumentos recoge en casi ningún
momento el testigo para tocar las líneas del inexistente
bajo o contrabajo, y cuando lo hacen, en algún momento son
los tres simultáneamente los que adoptan esa función
de manera contrapunteante, con lo cual la música que resulta
se vuelve aún más extraña que la base rítmica
( o arítmica ) y armónica ( o falta de armonía…convencional
) de la que parten.
Como resultado, una música compleja, ácida, intrincada,
pero fascinante, que tocada por músicos menores sería
bastante desagradecida, pero a la que estos tres grandes músicos
se adaptan muy bien, tocándola con un convencimiento y una
energía potentes, en un trío equilibrado donde piano
y batería son tan presentes y protagonistas como el alto
del ¿ líder ?
Y van…¿ veinte ? ¿ veintitantos discos complicados,
distintos, fascinantes...en veinte años ? Uno de los grandes
creadores del final del siglo pasado, de este comienzo del que corre.
Que nadie espere otros tantos para descubrirlo, aunque no se aprecian
signos de agotamiento en Berne ni en el flexible ( aunque no lo
parezca, lo es ) concepto de su música como para que no continúe
en esta increíble línea.
Y espero que nadie tarde en descubrir en sus formaciones a estos
dos músicos, como antes descubrimos en los anteriores grupos
de Berne a gente como Marc Ducret, Joey Baron, Drew Gress, Kermit
Driscoll, Hank Roberts o Bill Frisell, y que no queden olvidados
como su gran “Don Cherry” en los ochenta y noventa, el fantástico
Herb Robertson, o el gran Mark Feldman. Como todos los grandes líderes,
uno ve la gente que ha pasado por las bandas de Berne y no deja
de asombrarse de las figuras que le han acompañado.
Jorge LG
LAFAYETTE
GILCHRIST - THE MUSIC ACCORDING TO LAFAYETTE GILCHRIST
LAFAYETTE GILCHRIST - TOWARDS THE SHINING PATH
Músicos:
The Music According to Lafayette Gilchrist: Lafayette Gilchrist
Piano, con Vincent Loving y Erve Madden, bajo eléctrico,
Nate Reynolds y Mark Stewart, batería, Mike Cerri y Freddy
Dunn, trompeta, John Dierker, Saxofones alto y tenor.
Towards the Shining Path: Lafayette Gilchrist Piano,
con Anthony “Blue” Jenkins, bajo eléctrico, Nate Reynolds,
batería, Mike Cerri, trompeta, John Dierker y Gabriel Ware,
saxofón alto, Gregory L. Thompkins, saxofón tenor.
Shantytone Records / Hyena.
Comentario: El primer disco de Harris tiene ya
un año, este nuevo es reciente, pero dada la unidad de su
música y lo desapercibido del lanzamiento del primero, se
pueden observar ambos como novedad. De Lafayette Gilchrist se empieza
a hablar mucho por sus conciertos con David Murray, y últimamente
por su participación en el último disco de éste,
en cuarteto más cuerdas. Y con razón : en Baltimore
hace ya tiempo que se rumorea que este joven, autodidacta, es un
auténtico monstruo del instrumento ; incluso entre los músicos
de clásica ( Baltimore es una de las capitales de esta música
en Estados Unidos ) se menciona siempre su nombre como ejemplo de
virtuosidad inverosímil en un pianista sin formación
clásica.
Y es que su técnica es apabullante. Puede que su digitación
no sea muy correcta, pero el ataque y la definición de las
notas y acentos, muy monkiano, de este pianista, son brutales. Está
claro que a Gilchrist lo que le interesa es exprimir las características
sonoras del instrumento que toca, y cómo lo logra es asombroso.
Pura frescura y energía, una energía que recuerda
a la de los más primitivos pianistas gospel, también
muy influyentes en Monk.
La música de Harris es bien personal : líneas funk
de bajo, brutales, sobre ritmos funk muy marcados, inalterables,
reiterativos, y riffs de los vientos cortos y repetitivos, todo
con un aire que recuerda al M-Base, pero menos matemático
y sofisticado que la música de Steve Coleman y sus compadres,
mucho más directa y con una energía callejera, una
sensación de diamante sin pulir que te hace pensar en el
rhythm & blues más auténtico, y a la vez en la
inmediatez rítmica del gospel, al que también recuerdan
esos temas como de llamada y respuesta de los vientos sobre los
ritmos poderosos del líder, que resuena sobre la rítmica
como una especie de Don Pullen aún más martilleante
y percusivo.
Los vientos está bien claro que conocen y muy bien la más
reciente historia de esta música. Un trompetista, Cerri,
muy en la línea de Baikida Carroll o Ted Daniel, con un sonido
precioso, y saxofonistas cuyas influencias hay que buscarlas en
la generación de los lofts, en Murray, Oliver Lake y gente
así, todos aparentemente muy jóvenes pero con sonidos
muy elaborados, que aún recordando a unos u otros parece
que tienen mucho que decir.
Y el piano del líder y su peculiar música…está
claro que la gente los odiará o se quedará enganchada
a ellos, desde luego encantará a los que disfrutamos de cosas
muy rítmicas como el M-Base o nos gusten las producciones
duras, ácidas, pero desde luego a oídos acostumbrados
a los ritmos más convencionales del post bop o a la falta
de ritmo de gran parte del post free, como poco les costará
un poco más. Lafayette Gilchrist no es un músico convencional
o fácil de clasificar, pero para aquellos a los que nos gustan
de esa especie, es algo más que una buena esperanza.
Jorge LG
Músicos: Evan Parker (saxo soprano, voz), Philipp Wachsmann (violín, live electronics), Paul Lytton (percusión, live electronics), Agustí Fernández (piano, piano modificado), Adam Linson (contrabajo), Lawrence Casserley (percusión, voz, signal processing instrument), Joel Ryan (sample and signal processing), Walter Prati (computer processing), Richard Barrett y Paul Obermayer (sampling keyboard, live electronics), Marco Vecchi (sound projection)
Composiciones: Shadow Play (Parker - Casserley
- Ryan - Prati) 17:29, The Eleventh Hour Part 1 - 5 (Evan Parker)
12:52 / 9:33 / 12:02 / 15:32 / 5:28
Duración: 1:12:56
Grabado en directo en noviembre de 2004 en Centre for Contemporary
Arts, Glasgow, Inglaterra. Producido por Steve Lake. Editado
en 2005.
ECM 1924 http://www.ecmrecords.com
Distribuído por Nuevos Medios
Comentario: The Eleventh Hour es el cuarto disco del Electro-Acoustic Ensemble del saxofonista británico Evan Parker, todos ellos editados en ECM. Tras Memory-Vision (2003), Drawn Inward (1999) y Toward The Margins (1997), el grupo continúa mutando. En esta ocasión y con algún mínimo cambio en sus integrantes desde la anterior grabación, la formación pasa de nueve a once componentes, aumentando los artistas encargados de la electrónica y manipulación sonora. Al conjunto de cinco artistas dedicados ex profeso a esta labor, se añaden los percusionistas Paul Lytton y Lawrence Casserley, así como el violinista Philipp Wachsmann. Su trabajo, lejos de accesorio o puramente decorativo, es fundamental en el resultado final de la obra: su labor toma carta de naturaleza como un complemento imprescindible para el trabajo del (llamémoslo así) “sexteto acústico” (saxo, violín, contrabajo, piano y percusiones). Tal es así que en esta obra por encima de la pericia instrumental individual (que no es poca), está la obtención de las diferentes atmósferas y ambientes recorridos a lo largo de un alucinante viaje sonoro.
Grabado en Glasgow, el compacto toma el título de la obra encargada por el Centre for Contemporary Arts de esta ciudad británica para la serie de conciertos Free RadiCCAls 2004. Se inicia con Shadow Play, pieza elaborada casi exclusivamiente a partir del sonido de Evan Parker al soprano y su manipulación por parte de sus compañeros a la electrónica. En sus diecisiete minutos, quizás lo más conseguido de la obra, se recoge una pieza con un ambiente esencialmente sosegado, que es una magnífica muestra de los niveles a los que puede llegar este tipo de improvisación en directo.
The Eleventh Hour, el grueso del compacto, es una pieza dividida en cinco partes compuesta por Evan Parker y llena de detalles. La primera parte comienza con los músicos trabajando a la vez. Allí se suceden distintos ambientes que partiendo de un cierto caos inicial los músicos van transformando hasta llegar a un punto de calma inquientante.
La segunda parte empieza con una tranquilidad sosegada, rota puntualmente por las intervenciones de una parte de los instrumentistas. Esta se va alterando hasta alcanzar un ambiente de crispación creado gracias a una interacción muy interesante entre el contrabajo y sus partenaires a la electrónica. Un golpe de campana y su resonancia rompen este clímax para dar paso a la tercera de las partes. En esta la protagonista inicial es la percusión, que toma ese final de la parte anterior como leitmotiv para construir su discurso. Un discurso que a mitad de la pieza cesa en su calma y que retoma Agustí al piano, recogiendo el motivo sonoro que abría esta parte. En estos pasajes resulta un placer escuchar el sonido del piano rebotando replicado y tranquilo, provocando el juego musical del pianista consigo mismo (gracias a los manipuladores sonoros). Las percusiones y Evan Parker se unen a Agustí para terminar la pieza y comenzar con la cuarta parte. Lytton y Parker la inician, no tardando mucho en reincorporarse Agustí con una cascada de notas al piano (tocadas casi con la suavidad de una lluvia primaveral) con unos truenos (vocales) y el viento resonando al fondo. Resulta especialmente interesante el tramo final, con el encuentro entre el saxo de Parker y el violín de Wachsmann, sobre el sonido del piano de Agustín y la electrónica actuando como colchón sonoro.
La quinta parte, la más breve de todas, es la más inquientante gracias al trabajo por parte de la electrónica. En forma de diminuendo finaliza esta parte y la pieza en calma: un final perfecto para esta más que notable grabación.
Con elementos de la libre improvisación y de la clásica
contemporánea, esta es otra muestra de la maestría
de Evan Parker (aquí en formato electro-acústico),
perfecto para ser escuchado en múltiples ocasiones y
en cada una de ellas fijar la mirada en nuevos e interesantes
detalles.
José
Francisco Tapiz
Músicos: Agustí Fernández (piano, piano preparado), Mats Gustafsson (saxos barítono y tenor)
Composiciones: Critical Mass 5:58 Critical
Mass 5:32 Critical Mass 4:26 Critical Mass 6:53 Critical
Mass 4:46 Critical Mass 6:04 Critical Mass 3:20 Critical
Mass 5:15 Critical Mass 6:13 Critical Mass 5:59
Toda la música compuesta por Fernández y Gustafsson,
salvo Critical Mass 5:15 por Gustafsson y Critical Mass
6:13 por Fernández.
Grabado el 30 de julio de 2004 en Rosazul Estudi, Barcelona.
Mezclado el 14 de enero de 2005 en Laboratori de So Metrònom.
Grabación y mezcla por Ferran Conangla. Editado en
2005.
Psi Records. PSI 2005.06 http://www.emanemdisc.com/psi.html
Comentario: 2005 ha sido especialmente fructífero para Agustí Fernández en cuestión de ediciones discográficas. Ha editado a su nombre el homenaje a Ornette Coleman en cuarteto (elegido por los críticos de la revista Cuadernos de Jazz como mejor disco nacional) y un extracto de un maratoniano concierto a solo de título Camallera. También ha participado en las últimas grabaciones de la Barry Guy New Orchestra (Intakt, Choc de L'Annee para la veterana Jazz Magazine) y en el Electro-Acoustic Ensenble de Evan Parker (ECM): dos de las formaciones amplias más interesantes en la actualidad. A todo ello hay que añadir dos dúos. Grabado en 2000 Sea Of Lead con el contrabajista Peter Kowald y editado en Hopscotch (el sello del saxofonista Assif Tsahar en dónde editó Barcelona, otro dúo con el recientemente fallecido Derek Bailey). En Psi (el sello del saxofonista Evan Parker distribuído por el histórico sello británico Emanem) ha editado Critical Masss, a dúo con el saxofonista sueco Mats Gustafsson.
Grabado en julio de 2004 en Barcelona y mezclado en enero de 2005, Critical Mass es una nueva exploración de Agustí Fernández por el terreno de la libre improvisación (tanto en lo musical como en la exploración de las posibilidades de su instrumento), esta vez en compañía de Mats Gustafsson, saxofonista de primera fila en la escena libreimprovisadora tanto europea como mundial y tal y como algún lector averiguará, su contenido tiene que ver con lo físico, pero también con el efecto sutil y mágico que se produce en ciertos momentos en dónde la materia se transforma y transustancia.
Diez piezas (de nombre Critical Mass todas ellas, con apellido su duración) conforman el encuentro: siete dúos iniciales, a los que siguen dos solos (primero por el saxofonista nórdico y luego por el pianista), para finalizar con un último dúo que cierra su encuentro. A lo largo de los 55 minutos ambos se entienden a la perfección y a lo largo de sus discursos hay espacio para el trabajo a solo pero también y sobre todo para el diálogo y la interacción. En estos discursos la exploración de los recursos sonoros de los instrumentos (heterodoxos dentro de la "tradición" del jazz, dentro de la ortodoxia para quienes trabajan dentro de la libre improvisación) toma un importante papel.
2005 ha sido una año realmente fructífero para Agustí Fernández. Por sus conciertos, por sus proyectos (alguno de ellos pendiente de edición) y también por sus grabaciones. Y es que ni más ni menos estamos hablando de un músico que se quiera o no lleva ya unos cuantos años escribiendo con letras mayúsculas la historia del jazz (o como queramos llamarlo) en España... y no sólo aquí.
Músicos: Fred Lonberg-Holm (violonchelo), Jason Roebke (contrabajo), Frank Rosaly (batería)
Composiciones: east of uz (Sun Ra) 7:10
fool (C. Marshall) 8:41 arnold layne (Syd Barrett) 5:00
almost mid-day (F.Lonberg-Holm) 5:14 vals på vingar
(E. Malmberg) 6:10 flo (F.Lonberg-Holm) 7:44 winter in america
(Gil Scott-Heron) 6:25 jesus etc (J.Tweedy / J.Bennett)
4:13 i got nothing (Jasion Roebke) 6:36 to my buddy, buddy
(F.Katz) 9:13
Editado en 2005 por Atavistic
alp165cd http://www.atavistic.com
distribuído por http://www.greenufos.com
Comentario: El violonchelista
Fred Lonberg-Holm, sustituto del trombonista Jeb Bishop
en The Vandermark 5 ha pasado a tener una cierta notoriedad
entre los aficionados tras su incorporación a esta
veterana (ya son unos cuantos años de carretera)
formación. No obstante, tras de sí tiene una
más o menos amplia e interesante carrera, tanto a
nombre propio (con grabaciones en sellos como emanem, Atavistic
o Knitting Factory) como con diversas colaboraciones.
En Other Valentines, su nueva grabación, el papel
de Lonberg-Holm como solista casi exclusivo y la búsqueda
de la melodía por encima de cualquier otro planteamiento
dan como resultado un disco bonito en las formas, pero excesivamente
lineal en su planteamiento, a pesar de utilizar un repertorio
muy variado y variopinto que incluye tanto temas propios
como piezas de Gil Scott-Heron (winter in america), Sun
Ra (east of uz) o Pink Floyd (arnold layne). A pesar de
estas premisas el resultado final de su escucha continuada
aburre: el disco resulta demasiado largo, demasiado monótono,
demasiado plano... demasiado bonito. Nada que ver, por cierto,
con su participación destacada, no ya en The Vandermark
5, sino en las últimas grabaciones de The Peter Brötzmann
Chicago Tentet (Be music, Night) o la Territory Band en
su cuarta encarnación.
Músicos: David Liebman (saxos soprano y tenor, flauta de madera)
Composiciones: The Loneliness Of A Long
Distance Runner: Mind And Body 5:18 Colors: Red, Gray, Yellow
8:44 Petite Fleur (Sydney Bechet) 6:35 The Tree: Roots,
Limbs, Branches 7:10 Mother; Father 6:57 Time Immemorial:
Before, Then, Now, After 15:39 Peace On Earth (John Coltrane)
4:25
Composiciones por David Liebman salvo las indicadas.
Grabado en Jazzfestival Willisau, Suiza, el 28 de agosto
de 2004. Editado en 2005.
HatOlogy 628 http://www.hathut.com
Distribuído por Harmonia Mundi
Comentario: Distance
Runner es el primer disco en directo a solo (que no el primer
disco en solitario) del saxofonista Dave Liebman. Grabado
en el festival de Willisau (Suiza) en 2004 y editado por
el sello de Werner X. Uehlinger, es un recorrido musical,
emocionante, que sirve como homenaje a ese gran saxo soprano
del jazz moderno de nombre Steve Lacy, fallecido unos pocos
meses antes de celebrarse este concierto. Para esta ocasión
Liebman además del saxo soprano utiliza la flauta
de madera y en la parte final opta por trabajar con el saxo
tenor. Un instrumento del que se apartó en un determinado
momento para centrarse en el saxo soprano, y al que parece
que ha vuelto. Además de estos instrumentos en Time
Immemorial, el tema más extenso, utiliza para acompañarse
(más como soporte ambiental que como elementos rítmicos
o armónicos) unas cintas grabadas con sonidos grabados
en directo.
El repertorio oscila entre lo compuesto y lo puramente improvisado,
con temas absolutamente expresivos como Colors (en sus tres
partes), Mother; Father o The Tree. Entre las versiones
dos declaraciones de intención a la par que homenajes
a maestros en su instrumento. En primer lugar el famosísimo
y bello Petite Fleur de Sydney Bechet. Y para finalizar
Peace On Earth: no es reto pequeño el realizar este
homenaje a Coltrane en tal fase de su estado creativo, apuntando
en dirección hacia el Sol. El resultado, es un precioso,
emocionante y variado disco en directo.
José
Francisco Tapiz
Caja con 10 compactos. 152 temas. Duración: 12
horas 15 minutos aproximadamente. Temas grabados en 1954.
Incluye un libreto de 56 páginas en edición
bilingüe francés / inglés. Créditos
para todos los temas. Indice temático.
Editado por Le Chant Du Monde. 574 1331.40. Distribuído
por Harmonia Mundi.
Comentario:
Fieles a su cita André Francis & Jean Schwarz
retornan todos los años (desde hace ya unos cuantos)
con la recopilación "Los tesoros del Jazz"
(les treasures du jazz). En 2005 y una vez transcurridos
los 50 años para la caducidad de los derechos sobre
las grabaciones (en la Unión Europea), estos dos
grandes y devotos aficionados nos presentan su visión
cronológica en diez compactos con lo más interesante
(en su opinión) grabado (importantísimo detalle,
son fechas de grabación, no edición) en 1954
y dispuesto en orden cronológico: el viaje se inicia
el 1 de enero de ese año, finalizando tras 152 temas
y más de doce horas el 20 de diciembre.
Uno de los aspectos más importantes de estas recopilaciones (esta es la quinta de la serie) es la posibilidad de observar el panorama jazzístico no desde un punto de vista vertical (el que proporcionan las recopilaciones de un artista, estilo, sello...), sino horizontal: estos diez compactos y más de doce horas permiten observar una parte de las propuestas que en ese año se plasmaron en forma de grabación y apreciar la diversidad de propuestas vigentes en cada ese período temporal. Por otra parte, el origen francés de estos recopiladores permite que en esta aproximación aparezcan algunos artistas europeos (franceses, pero también nórdicos) que quizás de otro modo no se habrían tenido en cuenta. Obviamente y como sucede con cualquier recopilación, la selección puede ser más o menos discutible, pero no es menos cierta la inmensa calidad de lo que uno se puede encontrar mayormente en esta fantástica caja. La lista es de ensueño. Por ahí están (entre muchos, la lista es enorme) Charles Mingus, Miles Davis, Thelonious Monk, Stan Getz, Charlie Parker, Bud Powell, Chet Baker, Stan Kenton, Shorty Rogers, Sonny Rollins, Erroll Garner, Lennie Tristano, Louis Armstrong, Count Basie o Duke Ellington: sus 152 temas permiten realizar una recopilación más que generosa y sobre todo muy interesante.
Entrando en dos pequeños detalles y tras lo escuchado allí no queda duda alguna que el tema del año fue Lullaby Of Birdland, del que se recogen siete versiones. Sarah Vaughan realiza un tratamiento vocal fascinante, que supera al de la mísmísima Ella Fitzgerald. Igualmente fascinante es la aproximación casi barroca al tema por parte del clarinetista Tony Scott. Están también los tratamientos casi orquestales y ciertamente diferentes de Shorty Rogers, Al Cohn o Charlie Barnet, o el trabajo a trio de Barbara Carroll. Un gran tema y diferentes e interesantes explotaciones / exploraciones.
En cuanto a la sesión del año, sin duda alguna tuvo lugar con el encuentro (o más bien desencuentro) el día de navidad de Miles Davis y Thelonious Monk acompañados por el Modern Jazz Quartet (obviamente sin John Lewis).
Y mientras escucho y reescucho (en tragos largos o a pequeños sorbos), esta caja y las otras cuatro publicadas hasta ahora (otros 35 compactos, diez para el períodos 1898-1943, otros tantos para 1943-1951, cinco para el año 1952 y diez para el año 1953), quedo a la espera en 2006 (ya) de la caja correspondiente a 1955.
Una sola objeción, o sugerencia, que no resta interés a la recopilación, que es como sus hermanas mayores, magnífica: la inclusión de un índice con todos los músicos participantes en estas grabaciones. La guinda para una de las iniciativas más interesantes de los últimos años, tanto para los que recién llegados como para los que llevamos unos cuantos años en el mundo del jazz. En el fondo es una recopilación amplia y generosa que a cualquir aficionado le encantaría (supongo) poder hacer.
Músicos:Joe Lovano (saxo tenor), John Scofield (guitarra), Eliane Elias (piano), Marc Johnson (contrabajo), Joey Baron (batería), Alain Mallet (órgano)
Composiciones: Ton Sur Ton (Marc Johnson
/ Eliane Elias), Apareceu (Eliane Elias), Shades Of Jade
(Marc Johnson / Eliane Elias), In 30 Hours (Eliane Elias),
Blue Nefertiti (Marc Johnson), Snow (Eliane Elias), Since
You Asked (Marc Johnson), Raise (Marc Johnson), All Yours
(Eliane Elias), Don't Ask Me (Intz Mi Khntrir) (Anton Mailyan,
canción armenia)
Duración: 60:48
Grabado en enero y febrero de 2004 en Avatar Studios, Nueva
York. Editado en 2005.
ECM Records. ECM 1894 http://www.ecmrecords.com
Distribuído por Nuevos Medios
Comentario: Formación de lujo para acompañar a Marc Johnson en su nueva grabación en ECM: el guitarrista John Scofield, el "habitual" en este sello Joe Lovano o el batería Joey Baron. El quinteto se completa con la aportación de la pianista brasileña Eliane Elias y un casi anecdótico en su presencia Alain Mallet al órgano. Estos nombres serían algo púramente anecdótico en el intento de plantear una grabación de All-Stars (que lo son), si no existiera el importante detalle de unas largas y fructíferas carreras en las que se han encontrado en distintos grupos y formaciones en que han ejercido tanto de titulares de las formaciones como de sidemen, e incluso en algún caso trabajando en labores de producción.
El tono que respira la obra es el de la belleza y la quietud en su inicio (con un Lovano en el inicial Ton Sur Ton especialmente inspirado), alcanzando su cima tras los aromas levemente brasileños de Apareceu, en el tema que da título a la grabación. Este tono pausado se rompe en parte en Blue Nefertiti, un medio tiempo, en el que John Scofield está especialmente brillante, siendo respondido como merecía la ocasión por un inmenso Joe Lovano, sobre la magnífica rítmica de Marc Johnson y Joey Baron. Siguen la tranquilidad en In 30 Hours (terciopelo el saxo de Lovano, precioso el tema de Elias) y Snow. La estructura aparentemente se rompe en You Asked Me (breve, para el batería y el organista). Continúan con Raise, tema animado y pleno de swing, con un Lovano especialmente ácido. Más tranquilidad en All Yours y para cerrar un disco precioso, Don't Ask Of Me, con demostración al arco incluída. Una preciosidad de disco, unos maestros en acción.
Músicos: John Snider (sintetizador), Joe McPhee (saxo tenor, trompeta, fliscornio, trompeta y corneta de bolsillo, e-flat alto horn, modified nagoya harp, ceramic wind chimes, bird chimes, bamboo wind chimes, voz)
Composiciones: Prologue / Twelve 9:10
Shadow Sculpture 3:34 Les Heros Sont Fatigues 3:30 Red Giant
3:08 Windows In Dreams / Colors In Crystal 23:07
Grabado por Craig Johnson, CJR Studios, West Park, NY. Editado
en 1974 por CJR. CJR-4. Reeditado en 2005 en Unheard Music
Series. Atavistic. ALP256CD http://www.atavistic.com
Distribuído en España por http://www.greenufos.com
Comentario:
Atavistic continúa por medio de sus Unheard Music
Series reeditando obras fuera de circulación desde
hace tiempo. Pieces of Light, dúo de Joe McPhee con
John Snyder, perteneció al catálogo del sello
CJR. Un sello por Craig Johnson a finales de los años
60 para publicar el trabajo de Joe McPhee. Algo similar
a lo que haría con la misma finalidad en los años
70 Werner X. Uehlinger dando lugar a HatOlogy.
En cuanto a la serie de reediciones en Atavistic, señalar que esta no es la primera de las obras de CJR. Como es bien conocido y se aconseja no perder de vista, con anterioridad aparecieron las tres referencias anteriores a la comentada, editadas las tres a nombre de Joe McPhee: Underground Railroad (CJR 1), Nation Time (CJR 2) y Trinity (CJR3) son sus títulos.
A diferencia de las anteriores, que trabajaban en formatos
más habituales y cercanos al Free, Pieces Of Light
presenta un carácter más experimental, cercano
a la libre improvisación. La formación se
reduce hasta el dúo (en su máxima expresión),
con un tratamiento del sonido por parte de John Snyder,
que utiliza su sintetizador de un modo no al uso, utilizándolo
más que como elemento armónico, como un complemento
rítmico al trabajo de McPhee. Grabado totalmente
en estudio, los músicos hicieron uso de técnicas
como la grabación en multipistas para poder utilizar
toda la paleta sonora proporcionada por multitud de instrumentos.
En la obra el trabajo de Snyder es el que peor ha superado
el paso del tiempo. Desde un punto de vista actual en algunos
momentos muestra una cierta pobreza de recursos, aunque
por fortuna tampoco tiene un papel preponderante en la grabación.
Afortunadamente este parece más un disco de McPhee.
El trabajo de éste músico, por el contrario,
sí que ha resistido perfectamente el paso del tiempo.
El músico de Poughkepsie muestra su gran versatilidad
como instrumentista tanto en las cañas como en los
metales. A lo largo de la obra se recogen algunos pasajes
al tenor absolutamente líricos, acompañados
por otros preñados de la expresividad llena de elementos
metalingüisticos habituales en su obra. Todo ello se
encuentra complementado y condimentado (sin abusar en ningún
momento) por las diferentes percusiones y variados instrumentos
de su arseñal instrumental. Este es el aparente final
de la cuatrilogía inicial en CJR, que como en los
cuentos de hadas tiene un final feliz. Este sello ha sido
puesto de nuevo en funcionamiento en 2005 por Craig Johnson
para editar una nueva grabación de mr. McPhee, de
título Remembrance en la que le acompañan
su viejo amigo, el guitarrista gitano Raymond Boni y Michael
Bisio.
Músicos:
En Disco 1 / Disco 2, temas 1 a 4: Free
Trade Hall, Manchester, Inglaterra, 27 de septiembre de
1960
Miles Davis (trompeta), Sonny Stitt (saxos alto y tenor),
Wynton Kelly (piano), Paul Chambers (contrabajo), Jimmy
Cobb (batería)
Bonus Tracks: Disco 2, temas 5 a 7: Jazz
Villa, Saint Louis, USA, 29 de mayo de 1963
Miles Davis (trompeta), George Coleman (saxo tenor), Herbie
Hancock (piano), Ron Carter (contrabajo), Tony Williams
(batería).
Composiciones:
Disco 1: 1 Four (1) 10:51 2 All Of You
14:09 3 Walkin' 4:15(*) 4 Four (2) 7:58 5 All Blues 4:41
6 Well You Needn't 13:02
Disco 2: 1 Autumn Leaves 17:11 2 So What
10:33 3 Stardust 4:15 4 The Theme 0:38 5 I Thought About
You 8:01 6 All Blues 12:40 7 Seven Steps To Heaven / The
Theme 10:34
Temas 5-7 Bonus Tracks
* Tema Incompleto
Duración: 65:38 / 64:12
Editado por Lone Hill Jazz LHJ10210
Comentario: En la carrera de Miles Davis (y por extensión en la historia del jazz) hay dos Quintetos por antonomasia: el formado por John Coltrane a los saxos, Wynton Kelly al piano, Paul Chambers al contrabajo y el batería Jimmy Cobb hasta 1960, en primer lugar cronológicamente. El segundo es el integrado por Wayne Shorter a los saxos, Herbie Hancock al piano, Ron Carter al contrabajo y el jovencísimo (en aquellos momentos) Tonny Williams a la batería a partir de 1963.
Estas dos grabaciones inéditas del Miles Davis Quintet recogen dos formaciones diferentes de sus quintetos. La primera con Sonny Stitt tras la salida de Coltrane en 1960 y la segunda (añadida como bonus), con George Coleman, justo antes de que Wayne Shorter ocupase su puesto en 1963.
Stitt (saxofonista próximo a la tradición del bop) fue el encargado de sustituir a John Coltrane, un músico a quien aparentemente el quinteto de Miles se le quedó como un muy estrecho redil en donde desarrollar su música. Acompañado por la rítmica magnífica de Wynton Kelly, Paul Chambers y Jimmy Cobb (que están inmensos), se pueden apreciar los intentos de este saxofonista en aproximarse (con desigual éxito) a las propuestas modales de Miles Davis, especialmente en So What. En esta ocasión es notable el papel de trompetista, recuperando un papel de líder en directo, tras cederlo aparentemente en los últimos tiempos de su quinteto con Trane justo unos meses antes (1).
El doble compacto se completa con el quinteto integrado por el saxofonista George Coleman, a quienes acompañan Hancock, Carter y Tony Williams casi adolescente. La sustitución del primero por el enorme Wayne Shorter y la grabación de una serie de joyas discográficas iniciada con ESP y los directos del Plugged Nickel, daría lugar a un quinteto con una trayectoria histórica y ejemplarizante en la historia del jazz.
Dizzy Gillespie
/ Charlie Parker - Town Hall, New York City, June 22, 1945
Thelonious Monk Quartet with John Coltrane - At Carnegie Hall
John Coltrane - One Down, One Up. Live At The Half Note
Dizzy Gillespie / Charlie Parker - Town Hall,
New York City, June 22, 1945
Músicos: Dizzy Gillespie (trompeta), Charlie
Parker (saxo alto), Don Byas (saxo alto, tema 1), Al Haig
(piano), Curley Russell (contrabajo), Max Roach (batería,
1-4), Sidney Catlett (batería, 5-6); Symphony "Sid"
Torin (presentador)
Composiciones: 1 Intro 1:20 2 BeBop (D.Gillespie)
7:03 3 A Night In Tunisia (Gillespie - Paparelli) 7:23 4
Groovin' High (D.Gillespie) 6:54 5 Salt Peanuts (Gillespie
- Clarke) 7:02 6 Hot House (T.Dameron) 6:38 7 52nd Street
Theme (T.Monk) 2:14
Todos los arreglos por Raynald Colom excepto #10 por Raynald
Colom y Alex A. 'TNT'.
Duración: 40:46
Editado en 2005 por Uptown Records. Flashback Series. UPTOWN
UPCD 27.51. Uptown Records. P.O.Box 394. Whitehall, MI 49461.
USA
Thelonious Monk Quartet with John Coltrane - At
Carnegie Hall
Músicos: Thelonious Monk (piano), John Coltrane
(saxo tenor), Ahmed Abdul-Malik (contrabajo), Shadow Wilson
(batería)
Composiciones:
Early Show: Monk's Mood 7:52, Evidence 4:42, Crepuscule
with Nellie 4:27, Nutty 5:04, Epistrophy (Monk - Clarke)
4:29
Late Show: Bye-Ya 6:31, Sweet And Lovely (Arnheim - Daniels
- Tobias) 9:34, Blue Monk 6:31, Epistrophy (incompleta)
(Monk - Clarke) 2:24
Todos los temas por Thelonious Monk, salvo los indicados.
Duración: 51:34
Grabado el 29 de noviembre de 1957 por Voice Of America,
Carnegie Hall, New York City. Editado en 2005.
Thelonious Records Productions. Blue Note. 0946 3 35173
25
John Coltrane - One Down, One Up. Live At The Half
Note
Músicos: John Coltrane (saxos tenor
y soprano), McCoy Tyner (piano), Jimmy Garrison (contrabajo),
Elvin Jones (batería)
Temas:
Disco I: Introductions & Announcements 1:36 One Down,
One Up (John Coltrane) 27:40 Announcements 0:52 Afro Blue
12:44 (Mongo Santamaría)
Disco II: Introductions & Announcements 0:44, Song Of
Praise (John Coltrane) 19:39 Announcements 0:44, My Favourite
Things (Rodgers - Hammerstein) 22:47
Grabado en directo en 1965 en The Half Note, New York City.
Disco I grabado el 26 de marzo. Disco II grabado el 7 de
mayo. Presentación e introducción por Alan
Grant.
Editado anteriormente como grabaciones piratas. Editado
oficialmente en 2005 por Universal Music Company. Producido
por Ravi Coltrane.
Comentario: 2005 ha resultado un año especialmente fructífero en cuanto a la aparición y edición de nuevas grabaciones con una especial importancia histórica. Entre todas ellas y sin entrar en la categoría de antiguo disco pirata editado por fin oficialmente destacan dos de las grabaciones aquí comentadas: el concierto de Charlie Parker y Dizzy Gillespie en el Town Hall en el año 1945, así como la grabación de 1957 de Thelonious Monk y John Coltrane en el Carnegie Hall neoyorkino.
El primero está editado a partir de unos acetatos recientemente descubiertos. La sesión procede de unas emisiones radiofónicas y se han editado con un sonido decente y una presentación más que notable. En la grabación nos encontramos a Bird como integrante del quinteto de Dizzy Gillespie. El resultado sonoro es la música de dos veinteañeros tocando con una fiereza inaudita en un momento embrionario del BeBop. Un disco imprescindible.
Imprescindible es también el directo de Monk con Trane en el Carnegie Hall en 1957. Esta grabación se ha editado a partir de unas bobinas descubiertas en la Biblioteca del Congreso de los Estados Unidos en el proceso de digitalización de su archivo sonoro, recogida originalmente por el programa radiofónico Voice Of America y etiquetadas con un escueto "Carnegie Hall Jazz 1957".
La historia de la relación entre Monk y Trane es bien conocida: entre sus dos estancias en los grupos de Miles Davis, John Coltrane pasó un breve espacio de tiempo (que no llegó al año de duración) acompañando a Thelonious Monk. Además de las grabaciones en estudio en el sello Prestige (recogidas en los discos Monk's Music y Thelonious Monk with John Coltrane), sólo se disponía como muestra de su trabajo en directo la muy interesante grabación, pero más que deficiente en cuanto a calidad de sonido, Live At The Five Spot Discovery. El directo en Carnegie Hall, por fortuna, suple con creces esa deficiencia sonora del directo en el Five Spot, con un sonido más que notable. Por encima de un gran nivel y su importancia histórica, destacan los 6 minutos iniciales, con Coltrane y Monk mano a mano sobre Monk's Mood que hacen más que merecedora invertir en la adquisición de este compacto.
Sin pertenecer a la categoría de las grabaciones inéditas, hay que destacar los cuatro temas recogidos en directo en el Half Note del cuarteto de John Coltrane y editados como doble compacto. Estos ya eran conocidos por una parte de los aficionados, pues inicialmente habían estado disponibles como grabaciones piratas, pero con una calidad de sonido muy inferior a la de su edición oficial en Impulse!, dentro de la estructura de Universal. En esta edición (¿habrá alguna posterior con nuevo material?), a pesar de no llegar en total a los 90 minutos de duración y de presentar los temas finales de cada uno de los compactos (My Favourite Things y Afro Blue) incompletos. Algo no extraño, ya que su origen son unas grabaciones radiofónicas en directo, presentador incluído. Aún así, la música allí contenida merece la pena, ya que además de la fiereza del saxofonista en un repertorio habitual que permite a los músicos unas extensas interpretaciones (Afro-Blue, My Favourite Things) y una versión de Sonf Of Praise, presenta como tema estrella al que da título al compacto: One Down, One Up. A lo largo de sus casi 28 minutos, va mutando y pasa de ser interpretada en cuarteto a trio, para quedarse finalmente en un largo dúo con una interpretación alucinante mano a mano entre John Coltrane y Elvin Jones.
Músicos: Herb Robertson (trompeta, corneta, mutes, megáfono), Tim Berne (saxo alto), Sylvie Courvoisier (piano, piano preparado), Mark Dresser (contrabajo), Tom Rainey (batería)
Composiciones: Elaboration (for Ken Pickering) (Herb Robertson) 48:28
Grabado en The Studio, NYC el 11 de octubre de 2004. Producido
por Herb Robertson y Tim Berne. Masterizado por David Torn.
Editado en 2005.
Clean Feed. CD042CD http://www.cleanfeed-records.com
Distribuído por Distrijazz
Comentario: Comenzando
con los protagonistas, dos notas sobre la nueva formación
de Herb Robertson.
La primera es sobre el acierto en su nombre. Este grupo
es realmente una reunión de All Stars del Downtown
Neoyorkino. Ahí están los nombres con sus
trayectorias respectivas de músicos del nivel de
Tim Berne, Mark Dresser, Sylvie Courvoisier o Tom Rainey,
sin olvidar al titular, un trompetista no lo suficientemente
ponderado a pesar de poseer una más que interesante
obra a su nombre.
La segunda y más importante: estos músicos no sólo están en activo (por tanto nada de reuniones de viejas glorias en este cd), sino que han sido y son compañeros a lo largo de sus trayectorias musicales. La excepción podría presentarse para Sylvier Courvoisier, aunque todos ellos han llegado a tocar con la pianista con anterioridad a esta grabación.
Pero lo importante, obviamente, es la música y no el currículum de sus participantes. A pesar de estar interpretada como una única pieza de 48 minutos, Elaboration está conformada por distintas secciones, doce según su compositor Herb Robertson. Estas secciones están abiertas en cuanto a su interpretación y aportación por parte de los cinco músicos y más que como elementos cerrados, sirven como trampolín para la improvisación y la interacción en diferentes agrupaciones, que van desde los correspondientes solos hasta el quinteto. Todo ello hace que a lo largo de su transcurrir aparezcan diferentes ambientes y momentos musicales de distinta intensidad que logran hacer que no se pierda el interés en la obra.
En cuanto a los músicos, poco que añadir a lo ya conocido sobre la maestría de Robertson, Berne o Dresser. Sí a la labor de Courvoisier (en algún momento da la impresión de que esta grabación es un concierto para piano escrito para esta pianista) y Tom Rainey con algunos momentos especialmente sublimes.
Uri Caine - Toys
Músicos: Don Byron (clarinete bajo), Gary
Thomas (flauta y saxo tenor), Dave Douglas (trompeta), Joshua
Roseman (trombón), Uri Caine (piano), Dave Holland
(contrabajo), Ralph Peterson (batería), Don Alias
(percusión)
Composiciones: Time Will Tell (Caine)
7:54 The Prisoner (Hancock) 10:39 Herbal Blue (Caine) 5:47
Or Truth? (Caine) 7:22 Yellow Stars In Heaven (Caine) 9:05
OVER & OUT (Caine) 7:53 Dolphin Dance (Hancock) 2:06
Toys (Hancock) 7:26 Cantaloupe Island (Hancock / Simpson
/ Wilkinson / Kelly) 4:10 Woodpecker (Caine) 4:25 I'm meshugah
for my sugah [and my sugah's meshugah for me] 1:41
Duración: 69:37
Grabado en febrero de 1995. Editado en 1995 en JMT. Reeditado
en 2005. #77/81
Winter & Winter JMT Edition Nº 919 077-2 http://www.winterandwinter.com
Distribuído por
http://www.diverdi.com
Uri Caine - Sphere Music
Músicos: Uri Caine (piano), Kenny Davis
(contrabajo en 1, 2, 6), Anthony Cox (contrabajo en 3, 5,
7, 8, 9), Ralph Peterson (batería en todos los temas
salvo en 4), Don Byron (clarinete en 1, 4, 6), Gary Thomas
(saxo tenor en 3, 7, 9), Graham Haynes (corneta en 3, 9)
Composiciones: 1 Mr.B.C. 8:55 2 This Is
A Thing Called Love 7:09 3 When The Word Is Given 5:17 4
"Round Midnight" (Thelonious Monk) 4:14 5 Let
Me Count The Ways 6:31 6 Jelly 7:16 7 Just In Time (Styne
/ Green) 7:47 8 We See (Thelonious Monk) 8:00 9 Jan Fan
10:09
Todas las composiciones por Uri Caine, salvo las indicadas.
Grabado en abril y mayo de 1992. Editado en 1993 en JMT.
Reeditado en 2005. #64/81
Winter & Winter JMT Edition Nº 919 064-2 http://www.winterandwinter.com
Distribuído por
http://www.diverdi.com
Comentario: Uri Caine es uno de los pianistas más interesantes en la escena del Jazz en estos momentos, con una carrera en la recoge e integra elementos de la música clásica (su formación), la música de baile (Filadelfia es su ciudad natal), músicas de diversas partes del mundo (Brasil o Europa del Este) y cómo no, el Jazz. Prácticamente toda su carrera está documentada en sellos dirigidos por Stephan Winter: JMT inicialmente y Winter & Winter en la actualidad.
Gracias a la reedición en el segundo de los sellos de todo el catálogo publicado en JMT, los aficionados podemos disfrutar de una magnífica colección de grabaciones (presentadas en unas inconfundibles carpetas negras con la reproducción de las carátulas y las notas originales) en la que hayamos dos trabajos tempranos, muy interesantes y diferentes, con un magnífico (aunque desigual) nivel. Unos trabajos que anticipaban una parte de lo que posteriormente ha mostrado y continúa mostrando en una muy interesante carrera.
Sphere Music es la primera de estas dos obras cronológicamente
hablando. Se estructura en torno a un magnífico trio
de piano (Caine, Kenny Davis o Anthony Cox al contrabajo
y Ralph Peterson a la batería), al que se incorporan
distintos colaboradores, entre los que destaca Don Byron,
que está tremendo en el clarinete en sus tres intervenciones.
Monk (cómo no por el título) es visitado en
dos tremendas revisiones de We See y Round Midnight (a trio
pero en formato de clarinete bajo, piano y contrabajo).
El espíritu del bop revolotea en Jan Fan y Jelly
(¿Roll Morton?) parece ser un homenaje a este músico
y la música de su tiempo, aportando en ambas piezas
elementos contemporáneos. Como se ha señalado,
un magnífico disco de trio de piano, con unas aportaciones
muy interesantes, especialmente las de Byron.
En Toys, grabada en 1995, Herbie Hancock es uno de los protagonistas
principales. Cuatro composiciones del pianista son retomadas
por Canie: Dolphin Dance en breve versión, una fabulosa
The Prisoner en dos partes, la popular Cantaloupe Island
con un Byron al clarinete bajo más que recomendable
(nuevamente) y la que da título al disco. Añade
alguna versión más y composiciones propias,
que ejecuta acompañado por un elenco de colaboradores
más que notable: Dave Holland (enorme como casi siempre),
y de la escena neoyorquina a "unos desconocidos"
(en aquellos tiempos) Dave Douglas y Joshua Roseman además
del citado Don Byron. Con estos trabaja en distintas formaciones
que van desde los dúos (con Holland, Byron y Douglas)
al septeto. A pesar de más de un momento ciertamente
notable, el resultado abusa de una cierta dispersión
en algún momento (mostrando influencias que recogería
en obras posteriores) restando interés y rompiendo
el ritmo de la grabación. A pesar de ello y obviando
esos momentos, el resultado vuelve a ser más que
notable, con muy buenas revisiones e ideas, unos músicos
magníficos y alguna composición propia más
que notable.
Músicos: Mats Gustafsson (saxo barítono), Luca T. Mai (saxo barítono), Massimo Pupillo (bajo), Jacopo Battaglia (batería).
Composiciones: 1 Over A Furnace 2 How
To Raise An Ox 3 Eating The Landscape 4 The King Devours
His Sons 5 Bring The War Back Home 6 Meat Eater, Solar Bird
7 Palace Of Reptiles 8 Beasts Only Die To Be Born 9 The
Tiger Teaches The Lamb
Duración: 40:31
Grabado en 2004 en Locomotore Studio, Roma, Italia. Editado
en 2005 por Atavistic.
alp168cd http://www.atavistic.com
Distribuído en España por
http://www.greenufos.com
Comentario: La bestia sueca frente a las bestias italianas. En su anterior trabajo en Atavistic (Radiale) el trio italiano Zu completaba su formación con el saxo de Ken Vandermark para trabajar con su propuesta sonora, esencialmente rock, con añadidos del free, punk, avant-garde, hardcore y funk entre otros. En esa su primera obra en Atavistic el grupo oscilaba entre su sonido crudo (en compañía de Ken Vandermark) y terrenos cercanos al Free-Funk en compañía de los Spaceways Incorporated.
Aquí, en el bestial How To Raise An Ox, la incorporación al trio de Mats Gustafsson, aportando el sonido de un segundo saxo barítono, no puede ser más acertada a la vista de la orientación sonora habitual para el trio y de las maneras del soplador sueco en propuestas cercanas al rock por medio del grupo The Thing. Este músico se adapta a Zu, complementando perfectamente el trabajo de los italianos, sin hacer un uso excesivo de su hiper-expresionismo free. El resultado es un compacto en que domina un sonido intenso, oscuro y a tempo lento (en su mayor parte), con piezas no muy extensas en su duración (esta varía entre los dos y los siete minutos), algunas de las cuales aparecen más bien como esbozos que como composiciones totalmente terminadas, siguiendo la tónica de un sonido crudo y bronco. Acompañado por un magnífico equilibrio entre los músicos (muy interesante el trabajo del bajista en especial, muy eficaz el trabajo de los dos saxos), el resultado es una obra llena de inmediatez, que no debieran perder de vista los aficionados al noise-rock con curiosidad acerca del jazz.
Músicos: Adrián Iaies: piano; Pablo Mainetti: bandoneón; Horacio Fumero: contrabajo
Composiciones:
1 - El Marne (Arolas) - (8:10)
2 - La pulpera de Santa Lucía (Blomberg/Maciel) -
(9:07)
3 - What are you doing the rest of your life (Legrand/Bergman)
- (7:29)
4 - Chimango (Fumero) - (1:50)
5 - Nocturna (Plaza) - (6:26)
6 - Mariposita (Aieta/García Jiménez) - (9:55)
7 - Uno (Mores/Contursi) - (4:01)
8 - Astor Changes (Iaies) - (5:31)
9 - Silbando (Plaza/Castillo) - (7:47)
10 - Decarísimo (Piazzolla) - (8:14)
11 - Bis: Algún día nunca llega (Iaies) -
(6:56)
Grabado en directo en La Trastienda de Buenos Aires los
días 4 y 11 de septiembre de 2004. Mezclado y masterizado
en febrero de 2005.
Comentario: Esta muy recomendable edición del Tango Reflections Trio, es una consecuencia bastante lógica del punto en el que se encontraba, en los días de la grabación, la trayectoria de su interesante pianista.
“Nostalgias y otros vicios” (1998) llamó la atención por la naturalidad con la que jazz y tango confluían en el discurso de Adrián Iaies, así como por el alto nivel que mostraba en su debut un músico prácticamente desconocido. El celebrado doble CD “Las tardecitas en Minton’s” (1999) fue la confirmación de que la propuesta del argentino podía tener un mayor recorrido. Este título, en el que ya el bandoneón aparecía como invitado en algunos temas, traspasó las fronteras de su país y comenzó a obtener cierto reconocimiento en España, Francia y EE.UU. A partir de allí, y a través de cinco álbumes, Iaies continuó desarrollando su propio universo musical. Lo hizo en piano solo (“Una módica plenitud”, de 2000, íntegramente grabado en este formato) y en diversos dúos, tríos y cuartetos que se alternaron en los demás discos. Continuó interpretando principalmente clásicos del repertorio tanguero, algunos destacados standars de jazz (Ellington, Monk, Davis, Shorter, Legrand) y composiciones propias. Experimentó en un par de temas con una cantante folclórica de su país y en otros dos con los vientos de Raynald Colom o Perico Sambeat. Participó en diversos festivales de EE.UU. y España y cosechó estupendos comentarios en publicaciones como Down Beat, Jazzman, Jazz Magazine y Cuadernos de Jazz (donde diferentes críticos puntuaron sus discos con cuatro y cinco estrellas). Continuó consolidando un entendimiento muy rico (especialmente a partir de “Round Midnight y otros tangos”, 2002) con el bandoneonista Pablo Mainetti y con el contrabajista Horacio Fumero, con quienes llegaría a constituir este Tango Reflections Trio.
Era, pues, hora de darse un homenaje. Y qué mejor que hacerlo registrando una actuación ante su público, en uno de los más afamados clubes de jazz de su ciudad, disfrutando de los temas que había interpretado en sus álbumes anteriores (en nuevas versiones con más espacio para la improvisación) y presentando algunas composiciones inéditas de los miembros del trío.
El resultado no podría ser más satisfactorio para los amantes de esta música. La compenetración del trío es absoluta y sus integrantes se complementan con asombrosa complicidad. Esto se hace más evidente en las seductoras improvisaciones que Iaies, Fumero y Mainetti van trenzando sin perder de vista la melodía sobre la cual construyen su música.
Adrián vuelve a dar excelentes muestras de su personalidad, de su técnica depurada y de su talento como arreglista. Es un placer escuchar desde sus ataques milongueros hasta sus introspectivas improvisaciones con ecos evansianos, en las que toca de un modo espaciado, dejando que los sentimientos respiren a través de unos silencios muy bien dosificados.
Mainetti, “el más artista de los tres” según Adrián, continúa madurando a pasos acelerados, exhibiendo una soltura infrecuente en los instrumentistas provenientes del tango. Después de apreciar que este bandoneonista había tenido con una gran presencia en los últimos trabajos de Iaies, a nadie debió sorprenderle demasiado que el pianista decidiera que en la portada de este disco su nombre ya no debía prevalecer sobre los de los demás.
Isoca Fumero, con su sonido profundo, se muestra aquí más participativo que de costumbre, algo que en los conciertos el público espera hasta de los contrabajistas más sobrios. Se lo escucha generoso, marcando los tiempos con sabiduría, soleando con imaginación. Su instrumento, al igual que los de sus compañeros, se mueve como pez en el agua en este jazz que juega con milongas, valses, tangos y acentos telúricos.
Astor Changes es, en definitiva, la tranquila celebración de tres músicos amigos que se entienden a la perfección, llevando a nuevos territorios la música que corre por sus venas.
Sergio