Composiciones: Every Day (I Thank You); Farmer's Trust; Always and Forever; Five Songs in the Form of a Baroque Suite (Last Train Home [prelude]; Antonia [allemande]; Tell Her You Saw Me [chaconne]; Question and Answer [gavotte and double]; James [gigue]); Letter From Home; The Road to You; In Her Family; Message to a Friend; The Bat [tremolo-etude]
Músicos: Jason Vieaux - guitarra clásica
AZICA-71233
Comentario: Aún hay gente que pone en duda la importancia de la figura de Pat Metheny en el jazz contemporáneo. Mientras algunos hablan otros actúan, y no sólamente la excelente obra escrita del guitarrista de Missouri es continuamente versionada, sino que acaba de aparecer el segundo disco formado exclusivamente por composiciones del entorno Metheny (tras el excelente The Music of Pat Metheny & Lyle Mays de la Bob Curnow's L.A. Big Band - 1994 MAMA Foundation).
En este caso es el guitarrista estadounidense Jason Vieaux el que recrea algunas de las más populares composiciones de Pat bajo el prisma de la guitarra clásica, aprovechando el vocabulario de ésta pero sin imponer límites estilísticos. Y la verdad es que el resultado es simplemente fantástico. Vieux basa su perfeccionista interpretación en unos arreglos no excesivamente complejos desde el punto de vista conceptual, pero sumamente efectivos, cambiando el aire de la partitura original y haciendo propias las obras a tratar, algo de mucho mérito tratándose de las archiconocidas canciones de un Pat Metheny que suele cuidar sus arreglos finales hasta hacerlos casi inmejorables.
Y es que el interés de este Images of Metheny no sólo radica en deleitarse con el virtuosismo del intérprete, capaz de simultanear acordes, melodía y bajos con la naturalidad de quien va a comprar el pan, sino en apreciar el nuevo tratamiento de los temas. Así, en Antonia, Jason ataca unas líneas de contrapunto que cubren con clase los silencios, en Tell Her You Saw Me traza un amplio desarrollo basado en progresiones e incluso es capaz de dibujar el vals de Question and Answer en compás de 4x4. El medio tiempo de Last Train Home constituye una auténtica interpolación entre las dos versiones oficiales del propio Pat Metheny (la original de Still Life (Talking) - 1987 Geffen - y la rápida de One Quiet Night - 2003 Warner Bros) y el atrevimiento con que Vieaux reproduce parte del solo de Michael Brecker en Every Day (I Thank You) es digno de alabanza. El predominio de tintes barrocos es notable durante toda la obra, y ese ataque clásico de las notas, nada atresillado, nada sincopado, dota de carácter a versiones menos incisivas como las de Farmer's Trust, Letter From Home o Message to My Friend.
Un CD de indiscutible calidad, constituye una interesantísima curiosidad para amantes del jazz y de la clásica, de la guitarra o de cualquier otro instrumento, y se convierte en obra indispensable para cualquier Metheniófilo que se precie (destacar la excelente reacción del propio Metheny al respecto). La conclusión más importante: a ver si cunde el ejemplo y se populariza este tipo de fórmula donde se rompen fronteras y se abren nuevos caminos.
Arturo Mora Rioja, 2006
Composiciones: Wolfbane (Lenny White); Bb Blues (Larry
Coryell); So What (Miles Davis); Sex Machine (Sylvester Stewart);
Black Dog (Robert Plant, Jimmy Page & John Baldwin); Footprints
(Wayne Shorter); Born Under a Bad Sign (W.M.Bell Booker T Jones);
Lowblow (Victor Bailey); Rhapsody and Blues (Larry Coryell)
Músicos: Larry Coryell (guitarra eléctrica), Victor Bailey (bajo eléctrico), Lenny White (batería)
Chesky JD308
Comentario: Tras su excelente Tricycles con Mark Egan y Paul Wertico, Larry Coryell vuelve a la carga repitiendo el formato de trío. En esta ocasión bajo un prisma más atrevido y con Victor Bailey y Lenny White como compañeros. El resultado: una grabación desigual, con momentos buenos y malos, muy buenos y muy malos, fragmentos brillantes y errores incomprensibles unidos en una grabación algo desestructurada donde blues, jazz y rock influyen por igual.
La seriedad y precisión del primer tema,
Wolfbane, donde la obsesiva línea de bajo conduce las evoluciones
de sus compañeros, puede inducir al oyente a una concepción
erronea del CD. Ya en Bb Blues (como su propio nombre indica,
un simple blues en Si bemol) el aire distendido se apodera del
ambiente, y el uso de motivos muy cercanos al rock va llevando
la música poco a poco a una sonoridad ramplona y bastante
vacía de contenido, sobre todo teniendo en cuenta la calidad
que a estos intérpretes se presupone. Sex Machine, Born
Under a Bad Sign y el Black Dog de Led Zeppelin no hacen sino
confirmar las sospechas, con un Coryell que enfoca sus improvisaciones
como una mezcla de largas notas y rápidos fraseos, apoyándose
en la contundencia rítmica de Lenny White. Pero lo peor
viene con los temas más jazzeros, donde el infortunio se
alía con el trío y los errores se pueden apreciar
con claridad (más si cabe dada la apuesta de Chesky Records
por preservar la calidad de sonido más básica imaginable,
sin compresores ni efectos posteriores a la grabación).
La versión de So What se torna completamente innecesaria,
y en el Shorteriano Footprints uno tiene la sensación de
escuchar continuas imprecisiones rítmicas, sobre todo por
parte de Coryell en su exposición de la melodía.
Atropello y poca preparación. Para colmo Victor Bailey,
que estaba haciendo el mejor trabajo de los tres con bastante
diferencia, se equivoca en su propio tema Lowblow (una de las
pocas versiones acertadas, donde se encuentran colores alternativos
a los de la versión original - Lowblow, 1999 ESC), perdiendo
la sincronización rítmica con White en pleno solo
de Larry Coryell.
Músicos de este prestigio deberían, a veces, plantearse
si el material que sacan al mercado cumple unos mínimos.
Sin llegar a ser un disco lamentable, este Electric aporta algo
de cal y mucha arena, convirtiendo la improvisación más
en imprevisión que en espontaneidad. Toda una pena.
Arturo Mora Rioja, 2006
Composiciones: Preludio y Merengue (Paquito D'Rivera);
Difficult (Peter Eldridge); Recorda a Papá (Mario
Ruiz Armengol); A Night in Tunisia (Dizzy Gillespie, Jon
Hendricks & Frank Paparelli); Alfonsina y el Mar (Ariel
Ramírez & Félix Luna); Kalimba (Mark Summer);
Five After (Alon Yavnai); Cristal (César Camargo
Mariano); Improvisation (Eugene J. Bozza); A Fuego Lento
(Horacio Salgán); Carinhoso (Pixinguinha); Niebla
y Cemento (Mario Herrerias)
Músicos: Paquito D'Rivera (clarinete, saxo alto); Mark Summer (chelo); Alon Yavnai (piano)
Grabado en la Foundation for Iberian Music,
The Graduate Center, City University of New York, 21-23
de Diciembre de 2004
Chesky JD293
Comentario: Fusión, crossover, tercera corriente, ... Da igual cómo lo llamemos, no es la primera vez que se intenta acercar el jazz al entorno clásico (anteriormente ya lo hicieron Gunther Schuller, Jacques Loussier o Claude Bolling entre muchos otros), pero tampoco han sido excesivos los intentos, y lo cierto es que al cubano Paquito D'Rivera, histórica figura del latin jazz, le ha quedado una obra redonda.
Aprovechando el virtuosismo y la versatilidad
del chelista Mark Summer (miembro fundador del Turtle Island
String Quartet) y el buen pianista israelí Alon Yavnaí,
D'Rivera aborda un repertorio variado, con querencia a lo
latinoamericano en patrones y formas, pero bajo un prisma
clásico en cuanto a sonido y ejecución, y
con la improvisación jazzística como fiel
compañera de viaje. Así, los resultados van
desde el perfeccionismo del original Preludio y Merengue
al sonido Gershwiniano de A Night in Tunisia donde Mark
Summer acompaña en pizzicato, imitando a un contrabajo
y utilizando vocabulario puramente jazzístico basado
en cromatismos y aproximaciones de medio tono. La ausencia
de elementos percusivos da más mérito al conjunto,
permitiendo utilizar el silencio como arma devastadora (en
el mejor sentido, claro está) y haciendo de la escucha
una auténtica delicia. Para desatascar oídos,
de vez en cuando encontramos interpretaciones sin acompañamiento,
como la de Summer en su Kalimba o la espectacular del propio
D'Rivera en Improvisation (Saxophone Solo). En Cristal,
el dúo entre el saxofonista y Avnai inunda el entorno
de elegancia y legendarias canciones como Alfonsina y el
Mar toman un cariz aún más lírico si
cabe en manos del Jazz Chamber Trio.
Jazz, clásica, latin, ... el propio D'Rivera habla
en la carpetilla del CD de "poligamia musical".
Y es que, en el mundo artístico, ser estilísticamente
infiel suele dar resultados asombrosos. De muestra, un botón.
El del "play".
Arturo Mora Rioja, 2006
Joel Xavier & Ron Carter - In New York
Composiciones: Silence;
Happiness; Dream; Moments; Maria; Memories; Destiny; Simple
Things; Life
Todas las composiciones por Joel Xavier.
Músicos: Joel Xavier (guitarra acústica), Ron Carter (contrabajo)
Grabado en New York el 24 de Septiembre de
2004
Galileo GMC011
Comentario:
Qué sensaciones debieron pasar por la cabeza del buen
guitarrista portugués Joel Xavier cuando conoció
por primera vez a todo un mito como Ron Carter ¡minutos
antes de grabar este disco!. Así se fraguó In
New York, una grabación fresca e intimista que adolece
de evidente falta de preparación, resultando en una
obra a ratos simpática, a ratos hueca.
Nueve son las composiciones que aborda el dúo, nueve
teóricos originales del guitarrista que, sin embargo,
recuerdan sobremanera a legendarios clásicos de la
música sudamericana, en forma, armonía e incluso
melodía. Consideramos, pues, los temas como excusas
para que ambos músicos muestren su lado más
lírico, aprovechando los innumerables espacios creados
(Xavier renunció a su idea original de grabar dos pistas
de guitarra) y utilizando la sencillez como vehículo
expresivo. El poco tiempo disponible jugó, no obstante,
alguna que otra mala pasada, y no es inusual escuchar pequeñas
incorrecciones técnicas, dudas por parte de Carter
y, en definitiva, momentos no excesivamente brillantes. A
favor de los intérpretes juega la dificultad que entraña
semejante formación.
La escasísima duración del CD (32 minutos) también
implica un menor riesgo de monotonía, y en ningún
caso encontraremos en este disco momentos capaces de levantar
de su silla al oyente, pero sí al menos de esbozar
una sonrisa. Simpático.
Arturo Mora
Rioja, 2006
Músicos: Frank Avitabile (piano)
Grabado los días 27 y 28 de Septiembre de 2004 en Paris.
DREYFUS JAZZ FDM 36 672-2
Comentario: El primer trabajo
en solitario del pianista francés Frank Avitabile se puede
calificar de un extraordinario ejercicio de musicalidad, un universo
de sensaciones y de buen gusto, que todo aficionado no debería
dejar escapar.
Con un programa conformado por composiciones propias del pianista
y con la excepción de temas como “My Romance”, “Smile” y
“Nature Boy”; Avitabile realiza un trabajo con influencias bien
eclécticas, tanto provenientes del jazz como de la música
clásica, del primero destacar, las formas más clásicas
de Art Tatum, la sonoridad de Ahmad Jamal, pasando por la creación
y la melodía de Keith Jarrett, el romanticismo de Brad Mehldau,
hasta la fantasía más moderna de Martial Solal; mientras
que de la música clásica señalar el arte contrapuntístico
de Bach o las influencias románticas del piano de Debussy.
En el desarrollo de los temas percibimos un perfecto dominio, tanto
de las técnicas jazzísticas como clásicas,
y en concreto un lenguaje brillante a lo hora de ejecutar la técnica
de independencia de las dos manos; una expresividad elocuente; una
contraposición de momentos de tensión interpretativa
con otros de relajación, que son resueltos con elegancia
y maestría; la aportación de grandes recursos interpretativos,
que revelan una gran imaginación musical por parte de Avitabile;
la ejecución melodiosa y en momentos melancólica e
intimista; y por último, unas estupendas lecturas de los
temas que no son propios, todo ello a través de una rearmonización
de los mismos, efectiva y deslumbrante.
Todo lo comentado proporciona un trabajo bello, extremadamente lírico,
con una música que despliega atmósferas muy románticas,
que nunca son empalagosas ni gratuitas, sino llenas de delicadeza
y calidez, y que para su disfrute debe de ser objeto de reiteradas
escuchas, para poder extraer del mismo, el gran caudal musical que
atesora, y que es producto de tocar sencillamente el piano.
Juan Carlos Abelenda.
Músicos: Stochelo Rosenberg (guitarra), Mozes Rosenberg (guitarra), y Sani Van Mullem (contrabajo).
Grabado el entre el 14 y el 18 de Febrero de 2005
IRIS MUSIC 3001 891
Comentario: El
presente cedé que comento se podría calificar perfectamente
como un “trabajo de estilo”, al desarrollar en toda su extensión,
pero con matices, el jazz que en su momento se calificó
como “jazz manouche”. La presente afirmación, hace que
la temática interpretativa de la música desarrollada
en el trabajo, tenga una clara definición de por donde
van a ir los senderos musicales del mismo. No cabe la menor duda,
que la gran tradición del Quinteto del Hot Club de Francia
y que la influencia de Django Reinhardt, sobrevuelan a lo largo
y ancho de toda la grabación.
Pero a pesar de las inevitables influencias que se han comentado,
la personalidad del líder de la sesión, es perfectamente
perceptible, tanto a nivel interpretativo, como compositivo, y
en particular el repertorio escogido para la sesión. El
grupo de Stochelo Rosenberg se encuentra conformado por un sencillo
pero efectivo trío, basado en dos guitarras (una como líder
y otra como de rítmica/líder) y un contrabajo.
Stochelo Rosenberg se nos muestra como un músico con una
técnica deslumbrante, así como con unas interpretaciones
brillantes, efectivas y altamente rítmicas. Pero esta técnica
se encuentra controlada, y no es gratuita, banal, ni rimbombante,
sino todo lo contrario, esta llena de elegancia, de sobriedad
y extraordinaria musicalidad. A todo ello contribuyen los compañeros
del grupo que saben apoyar a su líder en todo momento,
muy especialmente la segunda guitarra de Mozes Rosenberg, que
hace las veces de guitarra rítmica o de líder en
función de la pieza interpretada.
Pero es en la selección de los temas que conforman el cedé,
donde se aprecia con claridad que la tradición sirve de
vehículo para la modernidad, pues temas tan tradicionales
como “Relaxin at Camarillo” de Charlie Parker, “All The Things
you Are” de Jerome Kern, el imperecedero “Body and Soul” o “Blue
Bossa” de Kenny Dorham, coexisten con temas más actuales
como el de Stevie Gonder “I Wish” o diversos composiciones del
propio Stochelo Rosenberg. Entre todos estos temas citados hay
un nexo causal de unión, y éste no es otro que la
influencia musical de Django Reinhardt, de quien se interpreta
el tema “Djangology”, pero aprovechando las improvisaciones y
sonoridades de este músico, y que sirven de base para desarrollar
el presente trabajo.
En definitiva, un trabajo muy interesante que los aficionados
al “jazz manouche” no deberían de dejar de adquirir, y
en mayor medida de disfrutar.
Juan Carlos Abelenda.
Músicos: Bobo Stenson (piano), Anders Jormin (contrabajo), y Paul Motian (batería).
Grabado en Abril de 2004 en los estudios Avatar,
New York.
ECM 982 5173
Comentario:
Bobo Stenson se puede considerar como uno de los pianistas europeos
con mejor currículo profesional, así como uno de los
músicos más interesantes dentro del extenso y complicado
mundo de los pianistas. Goodbye, es el primer trabajo para el sello
discográfico de Manfred Eicher en cinco años, un espacio
de tiempo que se me antoja excesivo a consecuencia de la gran calidad
que atesora este músico.
La escucha atenta de Goodbye no dejará indiferente al aficionado,
quien se llegará a preguntar si se encuentra ante un trabajo
discográfico de un músico de jazz, o sencillamente,
ante una grabación o una selección de temas musicales,
en el más amplio sentido terminológico. La respuesta
a la pregunta anterior, es fácil; tras sucesivas escuchas
del cedé, se puede afirmar de una forma rotunda, que el presente
trabajo de Bobo Stenson es un homenaje a la música, en su
sentido más amplio, sin necesidad de imponer etiquetas para
la catalogación de la música que desarrolla.
La abstracción de la música que despliega Stenson
y su trío, desde los temas propios del pianista, de Paul
Motian, de Anders Jormin, hasta un tema de música clásica
de Henry Purcell “Music for a While”, es lo que provoca la extraordinaria
belleza que impregna el trabajo desde el comienzo hasta el final
del mismo, demostrando que el trabajo es una recopilación
de músicas modernas, clásicas o románticas.
El trío, en condiciones de igualdad musical, desarrolla los
temas con una exquisitez y belleza que es el resultado de la conjunción
de todos los músicos, empezando por la personalidad del propio
pianista, que desarrolla momentos de armonías modernistas,
de melodías y efluvios musicales, a momentos más íntimos
y pensativos. A estos diferentes estados emocionales de la interpretación,
ayudan tanto Anders Jormin como Paul Motian, el primero con un sonido
preciso, sobrio y perfectamente conjuntado a la batería (excepcional
la interpretación con arco en el tema de Tony Williams “There
Comes A Time” o de Paul Motian “Sudan”), y un Motian pleno de facultades,
con una interpretación aeróbica, por momentos precisa
y minimalista, que posibilita un colchón sonoro para el desarrollo
de ideas improvisatorias por parte de los componentes del grupo.
Como ya he comentado con anterioridad, el resultado de todo ello
es una música de extraordinaria belleza, que demuestra la
perfección del trío como conjunto y no como meras
individualidades de músicos, todo ello con el fin de obtener
un resultado único, y que no es otro que “música”,
en su más amplio sentido.
Juan Carlos Abelenda.