Gorka Benitez - Sólo la verdad es sexy

Músicos: Gorka Benitez (saxo tenor y voz), Albert Bover (piano), Nick Thys (bajo eléctrico) y David Xirgu (batería y percusión); con las colaboraciones especiales de Carme Canela (voz), Juan de Diego (flugelhorn), Dani Pérez (guitarra) y Victor de Diego (saxo alto)
Grabado el 23 y 24 de 2003.
Fresh Sound Records FSNT 188DG (2 CD).

Comentario: El mundo que nos toca vivir y que en la actualidad se encuentra completamente globalizado, permite a cualquier persona y en especial a los creadores (con independencia del arte que profesen), el poder asomarse a ese mundo infinito en pos de la búsqueda de un sinfín de historias que dar a conocer y ante todo transmitir a través de su arte.

Si hay un artista que sabe explicar y contar estas historias a la perfección, este es el saxofonista bilbaíno y afincado desde 1995 en Barcelona, Gorka Benitez. Con su nuevo trabajo publicado en Fresh Sound Records (el cuarto como líder y con la misma discográfica), Gorka Benitez nos da a conocer su visión personal del mundo que nos rodea. Para ello la discográfica catalana le ha proporcionado entera libertad para desarrollar el que se puede considerar sin duda alguna, el proyecto discográfico más importante de su carrera musical como líder. Para afrontar tal reto, Gorka Benitez ha llamado a músicos de su total confianza, como Albert Bover, David Xirgu, Carme Canela o Dani Pérez, compañeros infatigables de numerosas aventuras e historias a lo largo de muchos años de conciertos y grabaciones.

La música contenida en este trabajo (un doble CD) resume a la perfección el mundo personal de Gorka Benitez, al mostrarnos influencias de diversos “mundos” a los cuales se ha asomado el líder. Estos mundos han servido de base para los diversos temas que configuran el trabajo, desde influencias vascas como en el tema “Behera”, clásicas y modernas como “Schönberg Op. 69”, baladas con cierto corte pop como el tema que da título al trabajo “Sólo la verdad es sexy” (en sus dos versiones instrumental y vocal) o estados mentales como “Nobleza Barbitúrica” (así mismo en sus dos versiones), a aspectos más cotidianos de la vida real como “Pepi´s Dance”.

La música que se desprende de la escucha podrá sorprender por su sencillez y por su lenguaje directo, pero dentro de la misma se puede encontrar todo un mundo. Y este es el mundo personal e intransferible de Gorka Benitez; un mundo directo, auténtico y honesto. El acompañamiento de músicos como Albert Bover y David Xirgu, proporcionan un plus de calidad en la grabación que merece la pena señalar. Bover despliega una música pensada y concebida tanto para acompañar como para desarrollar su faceta de solista, escúchese a modo de ejemplo el tema “1929”, en donde el mano a mano entre Gorka Benitez y Albert Bover, proporciona uno de los momentos álgidos de la grabación, y donde la música se torna reflexiva, melódica, lírica, pero llena de matices e ideas. Una pequeña joya, pero de enormes quilates, que bien merece su escucha. Por el contrario David Xirgu y Nick Thys son el soporte perfecto para el tratamiento rítmico de los temas y de la base de los desarrollos del líder y de Albert Bover.

En definitiva, un estupendo trabajo que proporcionará a los seguidores de este músico el poder disfrutar de una música sin cortapisas, sin medias verdades, con un sello de autenticidad propio y reconocible de Gorka Benitez. Una música que permite desarrollar y contar las historias del mundo real que nos envuelve; el mundo según Gorka Benitez.

Juan Carlos Abelenda.

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Craig Taborn - Junk Magic

Thirsty Ear, 2004

Comentario: El catálogo "Blue Series" del sello Thirsty Ear, de cuya dirección se encarga el pianista Matthew Shipp, promueve algunos de los proyectos más interesantes de la vanguardia del jazz inconformista de la actualidad. Siempre explorando nuevos rumbos, este sello no se cansa de presentar proyectos innovadores que son, al mismo tiempo, siempre interesantes y agradables. Ejemplos de ello son las grabaciones de los renacidos Spring Heel Jack (con invitados), del gigante William Parker, del propio Matthew Shipp (a su nombre, liderando la Blue Series Continuum o en colaboración con Antipop Consortium), quienes, entre otros, ya han presentado resultados excelentes. Una de las más recientes ediciones del catálogo es la grabación de una sesión liderada por el pianista Craig Taborn. “Junk Magic” es el resultado de un gran proyecto de Taborn en el que cuenta con la colaboración de Aaron Stewart (saxo tenor), Mat Maneri (viola) y David King, miembro The Bad Plus (batería).

Como es obvio, de otro modo no estaríamos hablando de Thirsty Ear, la música de este disco no cae en los convencionalismos. Pese a que este es su tercer disco como líder y su segundo trabajo para este sello, es la primera vez que Taborn aborda directamente la electrónica. Este es fundamentalmente un proyecto personal en el que Craig Taborn traza un mapa con sus ideas precisas y controla por completo su ejecución: compone los temas, toca el piano y los teclados y se encarga de las programaciones y de la posproducción electrónica. Aunque Taborn controle meticulosamente el proceso de creación, también abre espacios para la improvisación de sus acompañantes. Stewart, Maneri y King son cruciales en el desarrollo de los temas y determinantes para la originalidad de este disco.

Presentando un resultado diferente a las otras experiencias válidas anteriores (Matthew Shipp, por ejemplo), la música de “Junk Magic” es de una enorme frescura. A través de una fusión natural, garantiza un acercamiento saludable y logrado entre el jazz (en su vertiente free/improv) y las estéticas electrónicas actuales (IDM, ambient, clicks’n’cuts, etc). En unos proyectos que se proponen realizar un determinado tipo de fusión entre géneros diferentes es común sentir dónde termina un género y comienza otro. Curiosamente, en esta grabación rara vez tenemos esta sensación, ya que el intercambio de sonidos es transformado en una masa orgánica unificada. Con una naturalidad inhabitual, Craig Taborn consigue dos objetivos simultáneos: crear una música innovadora (interesante) y al mismo tiempo atractiva (sabrosa). El futuro promete cosas buenas.

Nuno Catarino http://aformadojazz.blogspot.com

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Irene Schweizer & Omri Ziegele - Where's Africa

Músicos: Irène Schweizer (Piano), Omri Ziegele (Saxofón, voz)

Composiciones por Don Cherry, Thelonious Monk, Duke Ellington, Kurt Weil, Irene Schweizer, Johnny Mandel, Dudu Pukwana, Rodges & Hart y temas tradicionales.

Grabado los días 14 y 15 de enero de 2004 por Martin Pearson en Radio Studio DRS Zürich. Productor ejecutivo Patrik Landolt. Editado en 2005 por Intakt Records.
http://www.intaktrec.ch Intakt CD 098

Intakt CD 098 / 2005

Comentario: Muy agradable sorpresa Where's Africa de la pianista Irène Schweizer y el saxofonista y ocasional cantante Omri Ziegele. Echando un vistazo a la obra de la pianista suiza y limitándonos exclusivamente al catálogo del sello suizo Intakt Records, uno halla más de veinte obras con nombres tan interesantes como los de Barry Guy con su London Jazz Composers Orchestra, George Lewis, Joëlle Leandre (con quien compartía grupo en Les Diaboliques), Han Bennink, Louis Moholo, Günter Sommer o Andrew Cyrille. Entre estas propuestas no abundan los formatos más abundantes y acomodaticios (el trio de piano, batería y contrabajo a veces aumentado a cuarteto con la incorporación de un saxofonista). Diseccionando estas grabaciones nos encontramos con discos a piano solo (cinco grabaciones), dúos (seis de ellos con baterías más otros tres que le emparezan con distintos saxofonistas), el citado grupo Les Diaboliques (cuatro compactos) así como las dos grabaciones con la LCJO (nada que ver con la formación de acrónimo similar dirigida por Wynton Marsalis, por fortuna) más alguna otra. Un legado que podría hacer pensar en una obra... Y a veces los pensamientos corren mucho más que las realidad. El resultado de este dúo tiene la magnificencia de lo bello y de lo simple. Sin entrar en muchas complicaciones los músicos se enfrentan con un repertorio de temas favoritos, magníficamente ejecutados, centrándose en la melodía, rememorando el ambiente del Café Casablanca de Zurich... o de cualquier café en cualquier parte del Mundo con unos músicos tocando un Jazz magnífico. Y el resultado es un disco precioso en cuanto a composición y ejecución.

José Francisco Tapiz

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Joëlle Léandre & India Cooke - firedance

Músicos: Joëlle Léandre (contrabajo, voz), India Cooke (violín, voz)

Composiciones: Firedance 1 a 7
Grabado el 11 de septiembre de 2004 a las 10:30 de la mañana en directo en Guelph Youth Music Centre dentro del Guelpg Jazz Festival.
Editado en 2005 por Red Toucan Records.
RT 9327 http://www3.sympatico.ca/cactus.red

Comentario: Joëlle Léandre, contrabajista compañera de Irene Schweizer en el grupo Les Diaboliques, publica en Red Toucan una nueva grabación (su quinta referencia disponible en este pequeño e interesante sello canadiense). En un formato similar (dúo), en este caso su acompañante es el violinista India Cooke en una grabación en directo en el festival de Jazz de Guelph. El encuentro en un concierto a una hora tan desacostumbrada como las diez y media de la mañana es acogido por el público con muestras de un gran disfrute. A lo largo de sus poco más de cincuenta minutos (una duración perfecta para este tipo de propuestas) el grupo desarrolla los diferentes recursos sonoros de sus instrumentos (utilizando arcos, pizzicatos y los propios instrumentos como elementos percusivos) más sus voces en un discurso en el que buscando la melodía muestran esbozos de música oriental, india, clásica europea y de jazz. El resultado está a la altura de la respuesta del atento público en tan temprana hora. Un disco para disfrutar y acercarse sin miedo a la libre improvisación en una propuesta musical diferente.

José Francisco Tapiz

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Louis Sclavis & Jean-Marc Montera – Roman

Músicos: Louis Sclavis (saxo soprano, clarinete, clarinete bajo), Jean-Marc Montera (guitarra, electrónica, table-guitar, cetera)

Composiciones: Roman/chapitre 1 a 13.
Duración 1:03:47

Grabado por Nicolas Dick el 23 y 24 de enero de 2003 en Grim/Montevideo Studio, Marsella, Francia. Editado en 2005 por Free Music Productions.
FMP CD 127 http://www.free-music-production.de/ - http://www.fmp-online.de/

Comentario: A la espera del siguiente paso del proyecto Napoli’s Walls de nombre Big Napoli y pendiente de ser grabado a lo largo de los próximos meses, FMP publica una nueva grabación del músico francés Louis Sclavis, en este caso acompañado por su compatriota el guitarrista Jean-Marc Montera. A quien espere una continuación o paso delante de ese magnífico proyecto, se le podría indicar que no es así. Lo que parece claro es que escuchando su música desde un punto de vista amplio, este proyecto no desentona en sus propuesta musicales multidireccionales. Como tal es un paso adelante dentro de una coherencia que va más allá de esas etiquetas tan útiles como señales a la hora de sugerir caminos, pero inútiles y gravemente perjudiciales cuando son utilizadas como muros infranqueables a la hora de separar (en muchos casos en un puro ejercicio intelectual del crítico o el oyente) la música. Barreras que de ese modo divididen a las propuestas creativas artificialmente en compartimentos estancos, que más de una vez los propios músicos se encargan de romper.

En esta propuesta resulta muy interesante la interacción y diálogo entre estos dos músicos. Ambos demuestran una magnífica capacidad de adaptarse y trabajar con las propuestas de su cómplice. Así pues uno puede del mismo modo encontrar trazas musicales de las propuestas planteadas por Sclavis en Napoli’s Walls hasta propuestas de noise guitarrístico por parte de Montera (ojo los seguidores de las propuestas herederas de Sonic Youth) respondida en esa misma estética por el sonido oscuro y arrasador de Sclavis. Una magnífica forma de mostrar la variedad musical encerrada muchas veces en esa caja de sastre llamada Libre Improvisación.

José Francisco Tapiz

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Me'Shell Ndegeocello - Presents The Spirit Of Music Jamia - Dance OF The Infidel

Me'shell Ndegeocello con Oliver Lake, Don Byron, Joshua Roseman, Michael Cain, Chris Dave, Wallace Roney, Kenny Garrett, Gregoire Maret, Didi Gutman, Brandon Ross, Gene Lake, Mino Cinelu, Matthew Garrison, Sabina Scubba, Ron Blake, Ari Raskin, Federico Gonzalez Peña, Jack DeJohnette, Pedro Martinez, Yosvany Terry, Cassandra Wildson, Lalah Hathaway, Neal Evans. Producido por Me'shell y Bob Power.

Emarcy/Universal France.

Comentario: Bueno, pues finalmente, aquí está, el esperado disco de jazz de la Ndegeocello, por decirlo de alguna manera, porque en realidad, su música siempre ha tenido muchos elementos de este estilo, y además siempre trasciende estilos con una facilidad asombrosa: su primero ¿era un disco de Hip Hop...o de Neo Soul? Su segundo, ¿era Neo Soul...era Retro Soul...o M-Base en muchos momentos? Su tercero podría ser cualquier cosa..."Bitter" es uno de los mejores y más asombrosos discos de los últimos tiempos...en mi opinión, de todos los tiempos. Su siguiente, era un disco de... ¿Poetry? Su anterior a este nuevo opus...¿Dub Neo Soul Psicodélico?

Y... ¿hay alguien a quien le importe nada de esto? A mí, desde luego no, y a muchos de sus otros fans... tampoco. Su música es música negra, de la grande... de la de esos que pensamos que es toda una y separarla en estilos muchas veces no tiene sentido alguno.

Este proyecto nació tras la obsesión de Me'shell con el libro de Francis Paudras contando su relación con el jazz a través de su amistad con Bud Powell, de ahí su nombre, y del hartazgo de Me'shell con su música vocal... se supone que a partir de ahora y por una larga temporada sólo quiere tocar el bajo eléctrico y, sobre todo, producir discos a otros músicos de jazz..o de lo que sea, como los que aparecen aquí: lo mejor de cada casa, lo mejor de cada generación y estilo... de los que vienen de la AACM y similares, está aquí el grandioso Oliver Lake, que comenzó en el Black Artists Group de San Luis, la "versión" de la AACM en esa ciudad. De los jóvenes, estrellas a raudales, Roney, Garrett, su batería, que ahora es el habitual en las bandas de ella, Roseman... De los míticos para los de mi generación, varios salidos del cotarro de los Loft, como Brandon Ross, Byron... De los míticos ya para cualquiera, DeJohette, Cassandra Wilson... el hijo del no menos mítico Jimmy Garrison... de otros ámbitos diferentes Sabina de los Brazilian Girls, la hija de Donnie Hathaway... Eso sí, aquí no aparece nadie para figurar: todos tienen su motivo para estar aquí en una obra completa, completísima, y con una densidad apabullante. Me'shell lleva mucha música dentro, y aquí ha sacado una buena muestra para nosotros.

El que quiera, que lo disfrute, y el que no... se lo pierde: Me'shell reinterpreta y reaviva las brasas de mucha música estupenda de los últimos tiempos desde el Bitches Brew de Miles de manera estupenda, como sólo ella sabe... de la misma forma que en su segundo disco reinterpretó magistralmenet el M-Base y el sonido de Hancock y de sus Headhunters, en el cuarto el sonido del P-Funk y en el anterior a este el Dub, aquí la música, sonando distinta, suena a Weather Report, a los Loft, a Donald Byrd y sus Blackbirds, a Fela, a Miles desde el mencionado Bitches Brew hasta Tutu o Amandla... y a quinientas cosas más. Pero desde luego, a lo que suena es... a Me'shell.

Un disco apabullante, asombroso, grabado hace ya tres años por una artista magistral que ahora mismo ya ha hecho evolucionar este mismo asunto, como hemos comprobado ya en directo, hacia la estratosfera, que es donde nos pondrá otra vez con su siguiente, parte del cual ya ha debido de ser grabado en este año que corre y que seguramente se terminará en breve tras su gira europea que acaba de empezar. Esperemos que no encuentre los mismos problemas para publicarlo que han retrasado tanto la aparición de éste.

Brutal y asombroso, y de digestión lenta, cómo son los buenos: si hace madurar un poco el asunto tal y como parece que va haciendo, que nos pillen preparados, porque un nuevo "Bitter", pero en esta onda, es el sueño de muchos, el mío seguro, desde que la descubrimos hace una década: Me'shell es el futuro de la música negra, casi seguro, y de momento, un exponente presente, y bien presente, de lo mejor de ésta.

Jorge LG

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Lisa Sokolov - Presence

Músicos: Lisa Sokolov (voz y teclados), John DiMartino (piano), Cameron Brown (contrabajo), Gerry Hemingway (batería)

Composiciones: Presence (Lisa Sokolov) 4:49 Hopefully (William Parker) 1:58 Oh, What A Beautiful Morning (Rodgers, Hammerstein) 4:01 You Do Something To Me (Cole Porter) 2:55 Chain Of Fools (Don Covay) 4:47 Hard Being Human (Lisa Sokolov) 5:26 Sons Of (Brel, Shuman, Blau, Jouannest) 4:11, Water Lilies (Lisa Sokolov) 3:33 And When I Die (Laura Nyro) 6:41 As It Is (Lisa Sokolov) 5:12 For All We Know (Lewis, Coots) 5:54 Home On The Range (tradicional) 2:55
#2, 9, 10, 11 grabado el 3 de noviembre de 2002 en el Tampere Jazz Happening, Finlandia.
#1, 3, 4, 5, 7, 8, 12 grabado en Tedesco Studios
#6 grabado en directo en Vision Festival, NYC en mayo de 2002
Editado en 2003 por Laughing Horse Records Lhr 1011
http://www.rainartproductions.com

Comentario: Atención: por si hay alguien interesado en conocer si hay vida creativa en el Jazz vocal más allá de las propuestas más populares hoy en día (omitiré dar nombres tanto de ellos como de ellas), allí van un nombre (Lisa Sokolov) y una grabación (Presence). Para quien le pueda interesar... y es que aparentemente no hay muchos elementos a priori que distingan o puedan hacer especialmente atractiva a esta frente a otras propuestas del género "vocalista femenina acompañada de trio clásico de jazz". Mas en esta su tercera obra nos encontramos con una cantante acompañada por piano, bajo y batería, interpretando un repertorio en el que hay una combinación de clásicos (los Porter y Rogers al uso) con alguna composición propia y algún tema traído del repertorio popular. Pero es en los detalles es dónde aparecen las diferencias. La formación varía en formatos yendo desde el sólo hasta el cuarteto pasando por varios tipos diferentes de dúos.

Ubicando a la cantante en primer lugar, quizás a algún aficionado (y no precisamente al jazz mainstream) su figura le resulte conocida. Por citar algún nombre, su voz aparecía en la formación de The Little Huey Creative Music Orchestra, la big-band del contrabajista William Parker, en el doble compacto Sunrise In The Tone World (Aum Fidelity, 1997). William Parker por su parte aparece en este disco. Pero que nadie lo busque entre los músicos ya que no está allí. Sí lo hace como autor del segundo de los temas del disco, Hopefully, interpretado en una grabación a capella y esencialmente en directo.

Continuando con la formación, entre sus acompañantes destaca el batería Gerry Hemingway, integrante de una de las mejores formaciones de Anthony Braxton (el cuarteto que incluía a Marylin Crispell y Mark Dresser) y poseedor de una interesante carrera. Cameron Brown es el contrabajista: un músico quizás no muy conocido a nivel popular, pero veterano y con mucha experiencia, un acompañante magnífico y acostumbrado al trabajo con vocalistas. Completa la formación John DiMartino: un pianista perfecto a la hora de adaptarse al enfoque de los distintos temas por parte de la titular de la grabación.

Lisa Sokolov sorprende como cantante por su versatilidad, rango vocal, la variedad de registros y los distintos estilos que es capaz de abordar con una soltura envidiable, en un disco en que prevalece un carácter experimentador. Estos parten desde el jazz más clásico (la preciosa Oh, What A Beautiful Morning o una acelerada y un tanto esquizofrénica You Do Something To Me), hasta experimentos más comprometidos (la magnífica Presence, trabajando con su voz grabada en varias pistas, Hard Being Human o For All We Know), pasando por un acercamiento al jazz desde el blues, el gospel o el rhythm'n'blues (la citada Hopefully o la gran versión del clásico de Don Covay Chain Of Fools).

En definitiva, un disco que más que interesante es muy recomendable y plenamente disfrutable. Y sí, hay vida más allá de... y discos en dónde se puede comprobar y disfrutar.

José Francisco Tapiz

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Yo Miles! - Upriver

Músicos: Wadada Leo Smith (el&ac tp), Henry Kaiser (el-g), Michael Manring (b), Steve Smith (dr), Chris Muir (el-g), Tom Coster (key), Karl Perazzo (perc), Greg Osby (as), John Tchicai (ts, ss), Mike Kenealy (el-g)
Invitados: Zakir Hussain (tabla & perc), Rova Sax Quartet (Ackley, Adams, Ochs, Raskin), Dave Creamer (el-g)

Composiciones:
SACD1: Go Ahead John, On The Corner Jam, What I Say, Bitches Brew. Duración 77:12
SACD2: Tatu/Agartha Funk, Tune In 5 / One Phone Call, Corrado, Macero (Coster - Kaiser - Keneally - Manring - Muir - Perazzo - S. Smith), Yesterfunk, Thunder & Lightning (L.Smith), Jabali (part III), Black Satin (slight return). 79:47
Todas las composiciones por Miles Davis salvo las indicadas. Arreglos por Henry Kaiser y Wadada Leo Smith. Arreglos en Black Satin para saxos por Steve Adams de Rova.

Grabado por John Cutler en The Site, Marin County, California, USA. Editado en 2005 por Cuneiform Records.
RUNE 201/202 http://www.cuneiformrecords.com

Comentario: A nadie le cabe duda alguna sobre la importancia de Miles Davis históricamente en el desarrollo del Jazz. Este mago negro a lo largo de su carrera fue quemando etapas una tras otra en una contínua huída hacia adelante. Sin embargo y examinando con detalle esta trayectoria, aparecen algunas etapas merecedoras de un gran reconocimiento y prestigio, mientras que otras permanecen un tanto más oscuras, a pesar del magnífico nivel creativo y del excelente elenco de músicos que la llevaron a cabo.

Henry Kaiser y Wadada Leo Smith (nada sospechosos de convencionalismos o posturas acomodadas) con su proyecto Yo Miles! intentan recuperar el espíritu y la música de algunas de estas épocas de la carrera del mítico e inquieto trompetista. En concreto la desarrollada desde finales de los años 60 mostraron (o definieron) su acercamiento al Jazz Rock y que dejó un legado más que notable.

Upriver (editada en 2005 por Cuneiform Records en formato de doble sacd y con una magnífica calidad sonora) es la tercera grabación de esta formación. En nómina un grupo de músicos (que va del tenteto al quindecteto) más que notable: además de Wadada o Kaiser están allí Greg Osby, el Rova Saxophone Quartet o las percusiones de Zakir Hussain como invitados, el saxo de John Tchicai, a los que se suman otros dos guitarristas, contrabajo, batería, percusión y teclados dando lugar a unas amplias formaciones. El repertorio está basado en temas de Miles (salvo en un par de casos) desarrollados ampliamente en dónde hay lugar a una serie de magníficos solos, en especial de Wadada Leo Smith y también por la seccion de saxos. En estos temas se juega tanto con la versión más lúdica (trabajando con un toque funky absolutamente irresistible en especial por las guitarras y sus wah-wah) como en la más oscura inherente a toda esta música. El resultado es un gran homenaje.

José Francisco Tapiz

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Fast 'n' Bulbous: The Captain Beefheart Project - Pork Chop Blue Around The Rind

Músicos: Gary Lucas (guitarra), Jesse Krakow (contrabajo), Richard Dworkin (batería), Phillip Johnston (saxo alto), Rob Henke (trompeta), Joe Fiedler (trombón), Dave Sewelson (saxo barítono)

Grabado el 10 y 11 de agosto de 2004 en N.Y. Editado en 2005 por Cuneiform Records.
Cuneiform Records Rune 205 http://www.cuneiformrecords.com

Comentario: Captain Beefheart: rara avis dentro de la historia del rock. Amigo de Frank Zappa con quien compartió grabaciones y quien a su vez fue productor de alguna de sus grabaciones, es el autor de Trout Mask Replica: una de las obras fundamentales de la historia del rock. Con raíces en el blues, el rock y también en el jazz (incluyendo sus vertientes más libres) estuvo activo desde finales de los años 60 hasta el inicio de la década de los 80 acompañado por su Magic Band. En la actualidad ha recuperado su nombre (Don Van Vliet) y es un cotizado pintor.

Su legado no permanece totalmente olvidado sino en la historia del Rock y el Pop. En 2005, de la mano de Gary Lucas (guitarrista en la última época de la Magic Band) y Phillip Johnston y editado por Cuneiform Records aparece Pork Chop Blue Around The Sun, que a nombre de Fast'N'Bulbous: The Captain Beefheart Project retoma su legado y se dedica recrear esos temas con títulos y letras incomprensibles pero preñados de sensibilidad y melodía. En su primera entrega discográfica recuperan 13 composiciones (entre las que destacan When I See Mommy I Feel Like A Mummy, Pachuco Cadaver, Dali's Car, Kandy Korn y mi favorita Abba Zaba). Estas piezas toman forma en manos de un septeto (guitarra, bajo y batería más trompeta, saxos alto y barítono y trombón) y en su desarrollo tienen tanta importancia los arreglos sobre las piezas originales (que constituyen el esqueleto melódico) como los desarrollos jazzísticos (que sirven para darle cuerpo). El resultado es una obra con entidad propia, que quizás provoque con su disfrute el acudir a las fuentes originales y recuperar la música de Clear Spot, Safe As Milk o Trout Mask Replica, por citar algunas obras. Música sin complejos: como la del hombre una vez conocido como Captain Beefheart.

José Francisco Tapiz

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Louis Sclavis - Chine / Chamber Music

Músicos:
Chine:
Louis Sclavis (clarinete; clarinete bajo; saxo soprano)
Francois Raulin (piano; teclado)
Dominique Pifarely (violín)
Bruno Chevillon (contrabajo)
Christia Ville (batería; percusión)

Chamber Music:
Louis Sclavis (clarinete; clarinete bajo; saxo soprano)
Francois Raulin (piano; teclado)
Dominique Pifarely (violín)
Yves Robert (trombón)
Michel Godard (tuba)
Bruno Chevillon (contrabajo)
Philippe Deschepper (guitarra)

Composiciones:
Chine:
01. Duguesclin (Louis Sclavis) - 07:03;
02. Chanson pour Luois de Funes (Louis Sclavis) - 02:29
03. Tango (Luois Sclavis) - 06:25
04. Rivière salée (Louis Sclavis) - 01:38
05. Les chameaux (Louis Sclavis - Francois Raulin) - 01:30
06. Loul (Francois Raulin) - 02:15
07. Rébarbatif I (Louis Sclavis) - 08:34
08. Rébarbatif II (Louis Sclavis) - 03:58
09. La taupe (Bruno Chevillon) - 02:42
10. Rébarbatif I+II

Chamber Music:
01. Ottomar (Louis Sclavis) - 08:10
02. Patch (Louis Sclavis-Francois Raulin) - 04:37
03. Petra (Louis Sclavis) - 12:00
04. Introduction a Fond Bleu (Louis Sclavis) - 03:44
05. Fond Bleu (Louis Sclavis) - 05:03
06. Marche (Louis Sclavis) - 07:50
07. Qu' attendent-elles? (Alain Gibert, adatt. da "Cotton Tail", Ellington) - 01:30
08. Introduction a Veronese (Francois Raulin) - 03:41
09. Veronese (Francois Raulin) - 03:08

Duración: Chine: 37min 36seg; Chamber Music: 50min 02seg

El álbum "Chine" originalmente editado por Ida Records en 1987; "Chamber Music" originalmente editado por Ida Records en 1989. Reeditados por Label Bleu en el 2003.

Comentario: La consagración de Louis Sclavis como uno de los referentes de la música europea hace obligatoria la reedición de los primeros trabajos de este poliinstrumentalista, siempre a caballo entre la música popular europea y las estructuras más libres de la música contemporánea, deteniéndose a veces para reflexionar sobre las arquitecturas jazzísticas. Label Bleu recoge el testigo tendido por Ida Records de dos de las primeras grabaciones de Sclavis, originales de 1987 y 1989: “Chine” y “Chamber Music”, editándolos en un CD doble, con el acierto de respetar el formato original en cuanto a la estructura y distribución de las grabaciones (no cayendo en el error de “apiñar” los dos discos en uno). En ambos álbumes las bases quedan bien cimentadas por los vientos de Louis Sclavis, el piano de Francois Raulin, el violín de Dominique Pifarely y el contrabajo de Bruno Chevillon. Sin embargo, si bien existen fuertes similitudes en el desarrollo armónico de estos instrumentos en los dos CDs, en “Chine” la base rítmica está molida por la batería de Christian Ville, mientras que en “Chamber Music” Sclavis prescinde de la batería (en este aspecto, el título del disco “Música de Cámara” parece irónico, o quizás perfectamente intencionado), sustituyendo el papel de ésta por el sustento de la guitarra eléctrica y la gravedad de las notas de la tuba de Michel Godard (a quien podemos escuchar en “Morton’s Foot” (Enja Records, 2004), el reconocido trabajo de Rabih Abou-Khalil, ejerciendo una función muy similar).

“Chine” es una grabación bastante irregular en cuanto a formas, y en ella encontramos muchas de las esencias de este saxofonista. En el comienzo, la grabación tiene ese carácter popular tan característico que Sclavis imprime a algunas de sus composiciones, con la búsqueda de las raíces musicales de las Europas Central y Occidental. Accidentalmente nos tropezamos con un lindo tango, ejecutado con una vitalidad arrolladora. El disco evoluciona a través de paisajes más abstractos para terminar convergiendo en uno de esos pequeños intersticios compositivamente localizables en los Estados Unidos: la serie Rébarbatif I, I y I+II, entre los que Sclavis intercala “La Taupe”, pequeño paréntesis musical, como para indicar al oyente que no se acomode en la butaca del swing y del 4 x 4.

El vacío rítmico que nos encontramos en “Chamber Music” por la ausencia de batería hace necesaria más de una escucha para poder exprimir en la justa medida esta grabación. El sello impreso desde las primeras notas de “Ottomar” es inconfundible (resulta cuanto menos impresionante que la firma de esta composición date de 1987). El espacio para la improvisación musical en esta segunda grabación es más amplio que en “Chine”, y en temas como “Patch” se combinan de forma original la improvisación de los vientos y la variedad y variación rítmica. A lo largo del disco se juega de una forma muy variada con los elementos disponibles: la guitarra aparece y desaparece; la tuba rellena espacios en ciertos cortes, dejando vacíos muchos otros; el violín aparece ágil y dinámico, o en contrapunto, deja caer notas agudas y punzantes. A medida que el disco avanza, el título del mismo parece tomar forma, y los dos últimos temas del disco, “Introduction a Veronese” y “Veronose” no son sino música de cámara.

Escuchar a Louis Sclavis pasa por olvidar casi en su totalidad las referencias al jazz norteamericano, y cargar en el oído los patrones de la música europea, tanto a nivel popular (encontramos ambientes enrarecidos por el calor y los paisajes áridos de Turquía, o imágenes festivas y eufóricas de la música centroeuropea) como a nivel más elitista (Sclavis presenta escenarios que bien podrían firmar Bartók o Ligeti). Sin duda alguna, Sclavis consigue convertir en papel mojado la definición de qué es jazz y qué no lo es.

Sergio Masferrer

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Llibert Fortuny Elèctric Quintet - Revolts

Músicos: Llibert Fortuny (saxo alto, efectos); David Soler (guitarra, samplers, pedal steel guitar, dobro); David Mengual (bajo); Dani Domínguez (batería); Quim Puigtió (hacker sonoro)

Composiciones: 1. The III Generation; 2. To Steve Coleman; 3. Amb Molta Calma; 4. Canta, canta, María, canta; 5. Crisi; 6. Conflicte Bipolar; 7. Revolts; 8. Niu Song; 9. Simbiosi; 10. Auxili

Duración: 49min 37seg

Grabado en los estudios 44.1, Girona, entre los días 20 y 23 de diciembre del 2004. Editado por Nuevos Medios en abril del 2005
REF: NM 15 872 CD

Comentario: Las altas calificaciones que avalaron la formación musical de Llibert Fortuny fueron la mejor forma de allanar el terreno para la grabación del primer CD a su nombre: “Un Circ Sense Lleons” (Nuevos Medios, 2004). Para este álbum, Llibert Fortuny encontró una fórmula muy correcta: la impresión en los créditos del reconocido Perico Sambeat, y de una muestra muy significativa de la juventud del jazz español: Marc Miralta, David Mengual y Albert Bover. Sin embargo, una grabación realizada en el 2002, y que ha sido calificada como mejor disco de jazz español por la prensa especializada en el 2004, ha permanecido en el letargo durante dos años.

Transcurrido todo este tiempo no es de extrañar que tanto el material como la formación que Fortuny nos presenta en “Revolts” haya evolucionado tanto, más aún a sabiendas de que el ritmo de este saxofonista ha sido y está siendo frenético: grabación de un disco con el LTM Quartet liderado por David Mengual (“De Tristano a Monk”, Satchmo Records, 2004); colaboraciones con las formaciones “Instint Animal” y “TGX”; y la infinidad de conciertos que proporciona el hecho de ir recogiendo premios a mejor disco o a mejor músico por diversas entidades.

“Revolts” se nos presenta bajo la etiqueta de quinteto eléctrico: guitarra y bajo eléctricos, samplers, efectos, hacker sonoro. Y aun cuando en intención el disco puede asustar, el resultado es realmente admirable. Fortuny amplía los registros de su instrumento, logrando que los efectos que introduce sean un recurso más al que acudir, y no un mero parche efectista con el que reclamar la atención, o cubrir la necesidad de una obligada evolución. Quizás este sea el secreto de este músico: con tan corta edad no se le exige una evolución dinámica, y con la falta de esta presión en las composiciones, éstas resultan más naturales, aún cuando se introduzcan elementos no usuales. Pero en Llibert no empieza y termina “Revolts”. En la grabación nos encontramos con un David Soler repleto de recursos paisajísticos, con momentos de sutileza en “Crisi”, y con la capacidad de explosionar temas como “Revolts”; los paréntesis musicales que el hacker sonoro de Quim Puigtió introduce son de enorme belleza musical; y el soporte rítmico del polivalente David Mengual y de Dani Domínguez hacen de brazo mecánico capaz de amasar toda la mezcla sonora.

Sin duda alguna, Llibert Fortuny es un fenómeno en el jazz español que ha tenido la suerte de poder sembrar y comenzar a recoger con prontitud los frutos de esta cosecha en territorios españoles, con la suerte de emigrar musicalmente a los Estados Unidos sólo para su formación, y no para su posterior reconocimiento.

Sergio Masferrer

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Big Satan - Souls Saved Hear

Editado por Thirsty Ear 2004

Comentario: La salida de cada nuevo disco de Tim Berne siempre está precedida de ciertas expectativas por dos motivos esenciales: el primero es que Berne, a pesar de ser un músico prolífico y de participar en innumerables proyectos propios y otros músicos, tiene siempre algo nuevo que decir. En segundo lugar, tras la publicación de “The Sublime And” de Science Friction, surgió la cuestión de saber qué nuevas direcciones tomaría la música de Berne, tras alcanzar unos niveles de complejidad técnica nunca vistos en el saxofonista. Saber si el músico iba a insistir en proyectos de gran calado, subiendo uno o varios grados hacia una supuesta obra magna en términos de construcción y de duración de las composiciones, o si realizaría una inflexión, un “back to basis” en dirección a la médula de Berne, echando mano de la sencillez formal, escasa instrumentación y duración a los límites más comunes en el jazz.

Al escuchar “Souls Saved Hear”, del trío Big Satan, se percibe que, tratándose de un nuevo disco de un colectivo sin un liderazgo marcado por cualquiera de sus miembros, esta no ha sido la ocasión en que Tim Berne ha dado a conocer la siguiente opción que sigue. El caso aquí es otro y reincide en el trabajo cooperativo que el trío ha realizado previamente. Tim Berne y Marc Ducret, como en las anteriores ediciones de Big Satan, se ponen manos a la obra y se reparten las composiciones. Tom Rainey también aporta una de ellas (Hostility Suite). En todas ellas, se opta por la economía de medios. El disco ronda los 47 minutos y ninguno de los nueve temas supera los diez minutos. La opción elegida fue grabar en estudio un disco conciso en donde todas las notas cuentan.

No hay nada de más ni de menos, lo que da como resultado una utilización eficaz del tiempo y del espacio, con una gran concentración y parsimonia en la gestión de las pausas y de los silencios. Marc Ducret tiene aquí un papel fundamental, dejando de lado la distorsión de la guitarra y substituyéndola por una aproximación acústica y eléctrica no tan recargada, que delimita mejor el contorno de las figuras. Ducret es un fuera de serie, uno de los más (o el más) interesantes guitarristas de la actualidad, que hace de cada nota un himno al buen gusto y al rigor en la concepción del sonido colectivo. A esto se suma un tratamiento rítmico adecuado por parte del inventivo Tom Rainey, que tanto impulsa las operaciones como llena milimétricamente los espacios, acentuando el detalle de cada motivo.

Souls Saved Hear es un disco muy bueno, lo que es recurrente en Tim Berne y en particular en la fructuosa asociación con Marc Ducret y Tom Rainey. Aquí se reafirman como unos excelentes improvisadores y organizadores de sonidos. No hay que perdérselo.

Eduardo Chagas Publicada en Portugués originalmente en http://jazzearredores.blogspot.com/