David Murray 4tet & Strings - Waltz Again
Músicos: David Murray con Lafayette
Gilchrist, Jaribu Shahid y Hamid Drake, más Reyneier Guerrero,
Ariel R. Sarduy Mendez, Carlos Guarez Moretín, Román G.
Serrano Gillinu, Omario A. Fernadez San Andrés, Martha A. Saluado
Vázquez, Roberto Herrera Díaz, Elis R. Ramos Martínez,
Alexandro Rodriguez Tirado y Reiner Elizarde Ruano, dirigidos por Roman
Filiu O'Reilly.
Editado por Justin Time Records. Distribuído por http://www.resistencia.es
Comentario:
Cuerdas: Charlie Parker las probó, y cincuenta años después
empezamos a darnos cuenta de que aquello no estaba mal; Ornette también
se zambulló en ese mundo con su "Skies Of America",
otra obra infravalorada que empezamos ahora a valorar de diferente manera.
Años despues, varios miembros de la generación de Murray
retomaron el asunto, por ejemplo sus amigos Henry Threadgill con sus
bandas con cello, también Arthur Blythe a veces con el gran Abdul
Wadud al mismo instrumento, o en aquella fabulosa joya perdida que fue
su "Basic Blythe". Wadud además era otro frecuente
colaborador de Julius Hemphill (miembro del World Saxophone Quartet
con Murray) y de Anthony Davis, otro frecuente colaborador de Murray.
En esos mismos años Max Roach tocaba con su doble cuarteto en
el que su hija Maxine era parte... de la parte de las cuerdas; Steve
Turre hacía cosas estupendas con el Indigo Quartet de su mujer
Akua Dixon-Turre, y el propio Murray creaba una de sus obras maestras,
hoy descatalogada, el impresionante "People's Choice" con
un cuarteto "Chamber Jazz" con trompeta, contrabajo a menudo
tocado con arco y violoncello. En años más recientes los
dos jefes de filas del M-Base, Steve Coleman y Greg Osby, han hecho
también discos muy buenos en esta tradición, Coleman con
su gran formación "Sonic Language Of Myth", y Osby
en su "Symbols Of Light".
Este disco tiene por tanto sus precedentes, que en la obra de Murray
más cercana son el proyecto hace seis años tocando Ellington
con una gran banda con cuerdas incluídas, y la famosa suite "Pushkin",
que aparece aquí después de haber sido interpretada varias
veces en los dos últimos años en festivales europeos y
americanos.
La suite es tremenda: siete movimientos con arreglos muy ácidos
para cuerdas, con algunos tramos de los mismos recordando las mejores
"marchas" compuestas por Anthony Braxton para este tipo de
formaciones, y un encaje de orfebre entre las cuerdas y la sección
de ritmo absolutamente de ensueño de este disco. A menudo el
impresionante solista que es Murray al tenor y con el clarinete bajo
nos hace olvidar que además es un excelente compositor y un poco
menos que asombroso arreglista, con legados en su discografía
como los grabados con sus octetos o sus big bands que tardaremos años
en apreciar en su justa medida, a menos que haga más obras como
esta donde uno no puede hacer otra cosa que quedarse de piedra ante
la contundencia de los mismos.
Después de los 26 minutos mágicos de la suite, aparece
el waltz que da nombre al disco, una forma que Murray aprecia desde
siempre y le va a su tenor más "websteriano" como anillo
al dedo. En este tema hay un corto pero muy llamativo solo de Gilchrist,
uno de los pianistas más personales de la escena, que ya fue
miembro de otros grupos de Murray, un músico que ya da mucho
qué hablar, y dará más aún, en cuanto encuentre
una casa de discos interesada en producir cosas como el único
disco que él mismo editó hace un año.
Más otros tres temas "puro-Murray" excelentemente arreglados
para las cuerdas, un "Dark Secrets" donde éstas flotan
sobre la sección de ritmo donde destaca poderosamente la caja
de Hamid Drake, con una figura impresionante parecida a las que utilizan
los 4 Hero en su música, lo cual no sorprende a quien sigue la
pista a músicos con los oídos tan abiertos a cualquier
tipo de música como Murray... o el propio Drake. "Steps"
es una versión de un antiguo tema, y el "Sparkle" que
cierra el disco es una de esas joyas como tantas otras en la ya enorme
obra de semejante compositor.
De Drake, un Jaribu Sahid que está aquí tan tremendo como
en los emparejamientos perfectos que suele crear con Tani Tabal en los
muchos grupos en los que tocan los dos, y de Gilchrist, sólo
se puede decir lo mismo que del líder: estamos ante músicos
de los más grandes, poderosos e influyentes que uno se encuentra
en la actualidad, y este es el disco perfecto para que aquellos que
no los conozcan demasiado graben sus nombres en la memoria para rastrearlos
en las contraportadas de más discos.
Aún odiando ese tipo de baremos, vamos a utilizarlo como la perfecta
descripción de aquello sobre lo que estamos hablando: este es
un cinco estrellas indudable, probablemente uno de los diez discos absolutamente
imprescindibles de uno de los músicos más importantes
de los últimos treinta años, y con seguridad uno de los
discos indispensables también de este 2005 que casi ya termina.
Jorge LG
Bill Frisell con Kenny Wollesen y Victor Krauss
o Kenny Wollesen.
Nonesuch
Comentario: Tal vez el mejor disco en directo que he escuchado
este año. Una idea preciosa: un doble, dos directos, uno en la
Costa Oeste, con Viktor Krauss y Kenny Wollesen en el Yoshi's de Los
Angeles, más enérgico, y otro, más relajado, en
la Costa Este, en el Village Vanguard, con Tony Scherr sustituyendo
a Krauss. Los dos Frisell, el eléctrico y "ruidoso",
y el otro, sutil y delicado, no muy claramente separados en uno y otro
disco, ya que lo mismo ese otro maravillosamente lírico aparece
en algunas partes del primer concierto (la primera parte de "Shenandoah",
sublime), a menudo junto al más abrumador y potente solista de
la guitarra eléctrica de los últimos años, incluso
en el mismo tema (la segunda parte del mismo "Shenandoah",
otra lección sublime), que en ese aparentemente más tranquilo
segundo CD uno se encuentra sorpresas como la increíble versión
muy rítmica de su "Ron Carter", o un "Goodnight
Irene" que le tiene que hacer sonreir a Leadbelly en su tumba como
a mí me hizo darle seis o siete veces a la tecla de mi reproductor
para repetir su audición el día que lo hice por primera
vez.
Y esto... junto a las cositas a las que por mucho que lo intente con
tanto arte, nunca nos tendrá Frisell acostumbrados, como esas
versiones de temas como "My Man´s Gone Now" o "The
Days Of Wine And Roses", que son tan increíbles que es imposible
acostumbrarse a su gloria, y que cuando alguien te dice que esos temas
ya estan "demasiado sobados", te acuerdas de una de estas...
y te sonríes.
Uno de los más grandes músicos de la Tierra, de faena
en dos tardes más como tantas otras suyas. Pero ocurre que las
de este primer espada son todas de dos orejas, rabo, y vuelta al ruedo.
Siempre.
Jorge LG
Uri Caine & Bedrock - Shelf-Life
Uri Caine, Zach Danziger y Tim Lefebvre con Ralph
Alessi, Bootsie Barnes, Rubén Gutierrez, NNNJ, DJ Olive, Bunny
Sigler, Arto Tunçboyaciyan, Luke Vibert, Barbara Walker y Dan
Zank.
Winter & Winter Distribuído por http://www.diverdi.com
Comentario: Al fin. La cosa empieza con un tema parecido a
lo que ya conocíamos y tan pocos apreciamos de, en mi opinión,
uno de los proyectos más interesantes de los muchísimos
de Caine, un tema con un ritmo brutal por parte de los dos "compadres"
sobre los que el líder hace uno de sus solos hancockianos alucinantes
con el piano eléctrico, hasta que en el minuto cuatro este se
mezcla con el siguiente y uno se queda un poco descompuesto... está
claro desde ya que aquí el asunto va por otro lado, un ritmo
drum'n'bass abrasador con un solo de sintetizador de Caine por encima
del riff machacón del bajo que casi suena "a onda",
y que tiene algo que deja adivinar lo que se nos viene encima: el disco
más sorprendente, divertido y variado de lo que llevamos de año.
Una barbaridad... la banda sonora de Shaft mezclada con los Headhunters,
el techno de Detroit y Sun Ra en una coctelera eléctrica que
ríete tú de los MMW con los Dust Brothers, Brasil enloquecido
como para una segunda parte de la película con el mismo nombre,
y una frescura que nunca aparece en la electrónica comercial,
y que te hace ver que aquí el mérito no está en
los invitados que vienen de ahí o de otras partes a este disco,
sino en la combinación de Uri Caine con los otros dos miembros
de Bed Rock, que cuando actúan solos se hacen llamar Boomish.
Lo mejor de la música que como Boomish hacen Danziger y Lefebvre
es su increíble sentido del humor, y eso es lo que han introducido
a mansalva en esta segunda parte del proyecto Bed Rock, que de las múltiples
vías que abría el primero por las que podían haber
tirado, está claro que ha elegido la cómica.
Lo que me he reído con este disco que a los aficionados más
conservadores no hará ninguna gracia no está escrito,
y además lo mucho increíble y sobre todo la gran música
que encuentro en él cada vez que lo escucho de nuevo, y no paro
de descubrir nuevas sorpresas cada vez que lo hago, no puedo ni describirlo.
El uno me encantó, los directos que ví de este proyecto
fueron increíbles, el dos me deja anodadado, y no quiero ni pensar
en lo que puede ser esto en directo en unas semanas en España,
o lo que puede venir después. Está claro que Uri Caine
es uno de los músicos del futuro, y esta una de sus mejores bandas.
Mi disco del año 2005.
Jorge LG
FESTIVAL DE JAZZ DE BARCELONA: NOCHE FRESH SOUND
PHIL DIZACK - MIRAGE
Philip Dizack - Beyond A Dream
Músicos: Philip Dizack (trompeta), Greg Tardy (saxos tenor y soprano), Patrick Cornelius (saxo alto), Miro Sprague (piano), Joe Sanders (contrabajo), Obed Calvaire (batería)
Composiciones: Night Descents 8:34 Polka
Dots And Moonbeans (Burke, Van-Heusen) 6:34 Verge Of Defiance 8:58 Walk
Through Daydreams, Sleep Through Nightmares 5:40 After Dark 10:47 Beyond
A Dream (for Anna) 7:27 True Blue (Ted Rosenthal) 7:28 Future Moon 8:56
You Don't Know What Love Is (Raye, De Paul) 6:09
Todas las composiciones por Philip Dizack, salvo las indicadas
Duración 1:10:33
Grabado el 5 de mayo de 2005 en System 2 en Brooklyn,
New York. Coproducido por Phil Dizack y Bryan Lynch. Editado en 2005.
Productor ejecutivo Jordi Pujol
Fresh Sound New Talent. FSNT 234 http://www.freshsoundrecords.com
Comentario: Para quien no lo sepa, Beyond
A Dream es el estreno discográfico del trompetista Philip Dizack.
En Beyond a Dream encabeza a un sexteto de jóvenes en dónde
salvo el saxofonista Greg Tardy, todos estaban por debajo de los 23
años en el momento de su grabación en mayo de 2005. El
más joven es precisamente el titular, que sólo contaba
con 19 años en ese momento. A pesar de su juventud, suyas son
todas las composiciones, salvo los standards Polka Dots and Moon Beans
y You Don't Know What Love Is, y After Dark, así como sus arreglos.
Este grupo de músicos (algunos de ellos son todavía estudiantes)
se mueven con total soltura dentro de un jazz mainstream moderno y actual,
en donde reflejan múltiples influencias y unas magníficas
maneras. Esto precisamente es lo más sorprendente de esta grabación.
Por encima del magnífico nivel instrumental individual y en conjunto,
o la calidad compositiva de su líder, prevalece el hecho de haber
logrado superar el "síndrome del primer disco". Presente
en muchos estrenos discográficos, se caracteriza por que en un
ánimo de querer demostrar un conocimiento y capacidad de moverse
por diversos estilos, el grupo o músico en cuestión acaba
por ofrecer una obra excesivamente dispersa y más parecida a
un catálogo de (buenas) intenciones. Esto no ocurre aquí.
El grupo funciona como tal y su propuesta presenta una unidad propia
de la madurez, algo sorprendente para tal juventud.
La portada es toda una declaración de intenciones: habrá
que seguir a estos músicos en su camino recien iniciado.
José Francisco Tapiz
Músicos: Ismael Dueñas (piano), Marc Cuevas (contrabajo), Oscar Domènech (batería). Invitados: Marc Florensa (trompeta, 11), Jordi Matas (slide guitar, 11)
Composiciones: Guillermode 8:04 Mirage
Dub 6:56 Autumn Sadness 6:07 Spring Madness 6:43 Cash Waltz 4:42 Lunch
Time (Marc Cuevas) 4:01 Sé què vols dir... però
no hi estic d'acord 0:59 Kind Of Nirvana 6:36 Llibertinatge 6:35 Càntic
4:52 Mirage Dub (Dub Version) 5:48 Ca l'Arnús 6:33
Duración: 1:07:56
Todas las composiciones por Ismael Dueñas, salvo la indicada.
Grabado en Estudis 44.1 de Gerona los días 29
y 30 de junio de 2005. Editado en 2005
Fresh Sound New Talent FSNT 244 http://www.freshsoundrecords.com
Comentario: Más allá de
servir en estos momentos de puente entre New York y Barcelona, Fresh
Sound trabaja en la actualidad en una línea editorial en la que
tienen cabida músicos jóvenes, algunos de los cuales han
dado posteriormente el salto a alguna de las grandes multinacionales,
tal y como han sido los casos de Brad Melhdau (Warner Bros, Nonesuch),
The Bad Plus (Columbia) o recientemente Robert Glasper, que ha pasado
a estrenarse en Blue Note con Canvas (2005).
Este prestigio que acumula a lo largo de su historia es precisamente
lo que permite que se editen discos como el del trio Mirage, integrado
exclusivamente por músicos catalanes. El pianista Ismael Dueñas,
autor de todos los temas salvo uno (obra del contrabajista) es uno de
los jóvenes músicos españoles más interesantes.
En 2005 fue finalista del premio al músico revelación
en la bienal convocada por la SGAE y que ganó el saxofonista
Javier Vercher. El músico presenta unas magníficas formas
al piano, en dónde combina elementos tanto actuales como clásicos.
Sus composiciones buscan la belleza de las melodías, que en más
de un caso quedan magníficamente desconfiguradas por el trabajo
del trio. Sus compañeros están perfectos, dando lugar
a un disco en que por encima de individualidades prevalece un sonido
de grupo. A lo largo de sus temas se atreven con experimentos como trabajar
libremente (en Llibertinatge, en dónde no lo hacen nada mal),
o en probar a experimentar con el Dub en la versión Dub de Mirage
Dub, en dónde cuentan con la colaboración de la trompeta
de Marc Florensa y la guitarra de Jordi Matas. El resultado, otro magnífico
disco en el catálogo de Fresh Sound New Talent, en este caso
para una propuesta totalmente nacional, a sumar a las últimas
grabaciones de grupos como The Ballcock o The Heckler.
José Francisco Tapiz
Músicos: Bill Carrothers (piano preparado), Gordon Johnson (contrabajo), Dave King (batería)
Composiciones: shine ball 3:02 bourbon
6:22 one note samba 2:32 e.t. phones home 5:25 millipede 4:53 data has
feelings 1:47 shoe-in 4:38 playboy pinball machine 2:20 maelstrom 4:12
fnkzg 3:56 creep show 6:34 made in china 3:26 watchman, tell us of the
night 4:33 el cocodrilo 4:31
Composiciones instantáneas por Carrothers, Johnson y King, salvo
watchman...
Grabado el 27 de diciembre de 2003 y 2004 en Wild Sound,
Minneapolis, USA. Editado en 2005.
Fresh Sound New Talent FSNT 242 http://www.freshsoundrecords.com
Comentario: Tras el fantástico
Armistice 1918 en 2004 en el lamentablemente fuera de circulación
sello Sketch (¿no va a haber nadie que se anime a ayudar -y esta
vez de verdad, no sólo en forma de rumor- a Philippe Ghielmetti
en su labor de artesanía sonora y gráfica al frente de
este pequeño sello?), Fresh Sound New Talent edita su nueva grabación
Shine Ball. Para esta obra el músico ha optado por cambios tanto
en la orientación estética como en la formación.
Si en Armistice la música prestaba su esencia a revivir la emoción
de unos momentos muy intensos (la Primera Guerra Mundial) tanto en lo
positivo como en lo negativo, en Shine Ball opta por dos cambios. En
primer lugar la formación se reduce desde los once integrantes
hasta el trio jazzístico por excelencia. En segundo lugar un
repertorio preconfigurado de antemano y con abundancia de temas populares
deja paso a unas improvisaciones espontáneas grabadas en directo
en estudio a lo largo de dos sesiones separadas exactamente por un año.
Este hecho y el que Bill Carrothers trabaje con el tan habitual (en
la libre improvisación) piano preparado, quizás podría
hacer pensar erróneamente que el pianista hubiera optado por
un trabajo siguiendo esta línea estética. Nada más
lejos de la realidad, como por otra parte bien podría hacer pensar
la presencia de Dave King, batería del grupo de jazz-pop-rock
(en su sentido aglutinador) The Bad Plus.
En Shine Ball el trio de músicos trabaja a partir de sus influencias
habituales, logrando un resultado más que interesante. Carrothers
demuestra que es un maestro del piano. A lo largo de sus improvisaciones
lo mismo opta por trabajar a partir de su precioso lirismo, que por
procurar una gran intensidad (y también oscuridad) sonora al
trio con la utilización del sonido transformado del piano por
medio de técnicas no habituales en el jazz mainstream como es
la utilización (que no abuso) de diversos elementos contra las
cuerdas del piano. El batería Dave King está aquí
bastante más comedido que en The Bad Plus. Su inclinación
rockera también está presente, pero de un modo bastante
menos preponderante (¿quizás gracias al papel de Gordon
Johnson, el contrabajista, como productor de la obra?) que en el archifamoso
grupo. Gordon Johnson está perfecto en su labor, disfrutando
de espacios para el lucimiento propio (actuando en algunos momentos
como eje central en torno al que se construyen las piezas) y realizando
su labor como aglutinador del trabajo del trio. El resultado es un disco
que a pesar de surgir a partir de unas composiciones espontáneas,
presenta unas cuantas piezas que no se pueden calificar sino de bellos
hallazgos melódicos. En definitiva, otra obra más para
un gran pianista que bien merece la pena ser tenido en cuenta.
José Francisco Tapiz
Robert Glasper con Vicente Archer y Damion Reid. Mark
Turner y Bilal en dos temas cada uno.
Editado por Blue Note / EMI.
Comentario: La promesa tejana trasplantada a la gran
manzana, todavía ni en sus treinta, recién fichada por
el sello mítico tras sus empleos con los más dispares
jefes de filas, desde Terence Blanchard en el Jazz "straight ahead"
hasta Bilal, Q-Tip o Mos Def en tres formas de la mucha música
negra que interesa a un joven tan inquieto. Su primer disco en la nueva
compañía se presumía que fuera muy diferente al
que publicó hace no mucho en (¡como no!) Fresh Sound New
Talent. Conociendo su interés en el Hip Hop y el Neo Soul, lo
lógico hubiese sido un disco con teclados (el Hammond, los Rhodes
y Wurlitzer los exprime excelentemente en sus giras con los músicos
comentados) además de su piano acústico, y toques de estos
estilos aderezando el asunto, pero no es esto lo que nos encontramos,
al menos no en la medida en la que uno podría esperarlo.
Este disco se parece mucho al anterior: un trío muy sólido,
con los dos mismos acompañantes en sus giras desde hace tres
o cuatro años, y el piano acústico en primer plano. Dos
intervenciones, que la verdad es que no aportan ninguna gran sorpresa,
de Mark Turner al tenor, y otras dos de la increíble voz de Bilal
filtrada por algo de electrónica, casi exactamente igual (también
eran dos) que en el disco de Fresh Sound. Los temas son todos de Glasper,
menos una versión muy inspirada del "Riot" de Hancock
donde Turner suena algo menos de lo habitual a Warne Marsh, probablemente
por lo inevitable de pensar en Shorter en la versión original
de ese tema, en el que además el propio líder suena más
a Hancock que lo habitual en él, sobre todo cuando toca el piano
eléctrico.
Este instrumento sólo aparece en los temas 7, 8 y 10 del disco
en el primero de ellos junto a una kalimba. En el resto Glasper se centra
en el piano acústico, y su toque sigue sonando estupendamente
en la línea de Hancock entrecruzada con algunas cosas de McCoy
Tyner, lógicas en un músico que a menudo reconoce como
mayor influencia entre las generaciones más recientes al hoy
casi olvidado Mulgrew Miller, que fue su profesor y el máximo
exponente del estilo de Tyner en la generación de los "Young
Lions", aderezado con las escuelas de Menphis (Phineas Newborn)
y Detroit (Harold Mabern) en las que éste se forjó como
músico.
Pero Glasper aporta algo absolutamente personal. Su música, sin
ser radicalmente diferente de la de otros pianistas de la actualidad,
parece recoger su interés en el Hip Hop, y sobre todo la manera
de escuchar todo el pasado de la música negra en sus distintas
vertientes a través de la óptica peculiar de los "arqueólogos"
tan frecuentes entre los aficionados a ese estilo. Sus temas son reiterativos,
con frases cortas, casi riffs, como los sampleados por los músicos
de Hip Hop, y sus idas y vueltas por estos temas en sus solos recuerdan
a cómo éstos músicos juegan con los desplazamientos
de los sampleos en los suyos. Uno escucha mucho del fondo Gospel en
el que se formó en sus primeros tiempos como músico profesional
Glasper, pero también ecos del Soul Jazz a veces relacionado
con el Free más espiritual de finales de los sesenta y principio
de los setenta que tanto influye a la generación del Hip Hop,
mezclados con el Jazz modal y con acordes Bop o Blues.
Además Glasper tiene una hermosa manera de tocar con su mucha
técnica de forma que su música suena siempre fresca, a
veces hasta con una falsa apariencia... "naif". Tal vez porque
esta impregnada de una belleza que a menudo olvidamos que puede ser
una cualidad muy importante para hacer interesante aquello que escuchamos.
Bello... es, un disco precioso, de una belleza además mucho más
profunda de lo que parece en sus primeras escuchas, y donde se adivinan
muchas de las vías que un músico tan personal puede elegir
en su futuro.
Jorge LG
Fieldwork - Simulated Progress
Músicos: Vijay Iyer (piano), Steve Lehman (saxos alto y sopranino), Elliot Humberto Kavee (batería)
Composiciones: 1 Headlong 2 Transgression
3 Trips 4 Telematic 5 media Studies 6 Gaudi 7 Transitions 8 Peril 9
Reprise 10 Infogee Dub 11 Durations
Compuesto por Vijay Iyer (1, 4, 7, 10), Steve Lehman (3, 5, 9, 11),
Elliot Humberto Kavee (2, 6, 8). Piezas arregladas por Fieldwork.
Duración total 48:55
Grabado el 16 de septiembre de 2004. Publicado en 2005
por Pi Recordings.
PI 16 http://www.pirecordings.com
http://www.fieldworkmusic.info
distribuído por http://www.distrijazz.com
Comentario: Por fin el esperado segundo
trabajo de Fieldwork. Tras su rutilante estreno en 2002 (Your Life Flashes,
Pi Recordings, PI 05) en forma de una de las mejores grabaciones de
ese año, el cambio en su formación con la sustitución
del saxo tenor de Aaron Stewart por el alto y sopranino de Steve Lehman
y unas carreras más que interesante en lo individual de todos
sus componentes desde ese año, llega Simulated Progress.
Your Life Flashes fue un disco hipnótico, que impactó
a la mayor parte de los aficionados que tuvieron acceso a él.
Simulated Progress continúa trabajando en esos parámetros,
avanzando en esos mismos conceptos y (muy importante), evolucionando.
No obstante, el salto cualitativo desde su primera grabación
hasta este Simulated Progress no es el mismo (algo imposible) que el
que desde la nada discográfica tuvo lugar hasta el citado primer
trabajo de este trio. Algo plenamente comprensible ya que su estreno
fue alucinante.
En Simulated Progress el resultado vuelve a ser una obra hipnótica,
con una música que por encima de individualidades busca el trabajo
y el sonido conjunto (increíble el hecho de que fuese grabado
en un sólo día), con un concepto propio que apunta hacia
la Vanguardia del Jazz. Imprescindible para los que lo conocimos en
su momento, imprescindible para los que no lo conocieron entonces.
José Francisco Tapiz
Miles Davis Quintet - Live in Den Haag Featuring John Coltrane
Músicos: Miles Davis (trompeta), John Coltrane (saxo tenor), Wynton Kelly (piano, 1-6), Red Garland (7-10), Paul Chambers (contrabajo), Jimmy Cobb (batería, 1-6), Joe Jones (batería, 7-10)
Composiciones:
1 So What 17:40 2 Around Midnight 5:47 3 On Green Dolphin Street 12:32
4 Walkin' 9:10 5 The Theme 0:48
Grabado en Den Haag, Holanda, 9 de abril de 1960
6 So What 8:50
Grabado en la emisión televisiva de Studio 61 (CBS), Nueva York,
2 de abril de 1959
7 Max Is Making Wax 3:15 8 It Never Entered My Mind 2:55
Emisión de la NBC, The Tonight Show, Hudson Theatre, New York,
17 de noviembre de 1955
9 Tune Up 4:23 10 Walkin' 5:21
Emisión radiofónica de Mutual Network, Blue Note Club,
Philadelphia, 8 de diciembre de 1956
Duración total 70:43. Editado en 2005
Lone Hill Jazz LHJ10206 Distribuídos en Europa (salvo España)
por http://www.disconforme.ad
Distribuídos en España por http://www.distrijazz.com
y http://www.jazzmessengers.com
Comentario: Ni más ni menos que la última grabación en directo conocida de Miles Davis con John Coltrane como integrante de su primer gran quinteto. Grabado en Holanda, este fue el penúltimo concierto de una gira europea que terminaría al día siguiente en Alemania. Una actuación que tuvo lugar unos pocos días antes de que a finales de ese mes de abril de 1960 John Coltrane decidiese dejar la compañía de Miles y empezar a volar por libre, a pesar de que coincidieran posteriormente en la grabación de los temas Teo y Someday My Prince Will Come.
En este concierto parece que Coltrane esté pidiendo a gritos la libertad para poder desarrollar su música (escúcheselo en los 18 minutos de un So What tocado a un tempo bastante más rápido que en su versión original, aunque la habitual en esa gira) y con una capacidad para tocar y tocar y tocar y tocar y... siempre con algo nuevo que decir. En más de una ocasión la duración de sus solos dobla la de los de Miles, su jefe y titular de la formación. También aparecen momentos que permiten dejar volar la imaginación acerca del estado de la relación entre ambos: no hay más que escuchar su "encuentro" (o más bien desencuentro) en la versión de Round Midnight (curiosamente el tema más breve del concierto, si exceptuamos el clásico The Theme, habitual cerrando sus actuaciones). Pero más allá de estos gritos, imaginaciones y desencuentros, el resultado es una música poderosa para un quinteto en su cima creativa: no hay que olvidar que ahí están MILES y COLTRANE, acompañados de unos más que eficientes Kelly (escúcheselo y disfrúteselo en su solo, incluyendo las citas al monkiano In Walked Bud en So What tras un Coltrane apuntando hacia el infinito, en una situación imagino que nada fácil para alguien que tiene que intentar decir algo y no quedar en ridículo tras la apabuyante exhibición de Coltrane), Paul Chambers (escúchese a Mr. PC, ¡cómo no! al arco en su solo -el inicial- en Walkin') y el más que eficiente Jimmy Cobb.
Completan la grabación 5 piezas adicionales: cuatro de ellas pertenecen al inicio de la pertenencia de Coltrane en los grupos de Miles en 1955/56. Resulta muy interesante comparar las versiones de Walkin' en 1956 y en el concierto holandés cinco años después. La quinta pieza es una grabación en el programa televisivo Studio 61 (editado recientemente en el doble dvd The Greatest Jazz Films Ever por Eforfilms), en dónde el quinteto de Miles aparece acompañado por la orquesta de Gil Evans. El resultado en So What es una delicia (compárese de nuevo con la versión del concierto holandés), en dónde además del quinteto se escucha la colaboración con la belleza de lo efectivo y discreto de la orquesta de Gil Evans en algún breve pasaje.
Una más que recomendable grabación: al fin y el cabo un testamento en forma de la última grabación en directo de Miles con Trane, con unos añadidos más que interesantes.
José Francisco Tapiz
Albert Sanz y los Once Dedos - El Fabulador
Músicos: Albert Sanz (p); Pau Domenech (cl bajo); Perico Sambeat (sa); Mamen García (voc en #7); Raynald Colom (tp); Vicent Macián (st); José Sebastiá, Rafael Mira (trompa); Javier Vercher (cl, st); Rob Stillman (st en #6); Toni Belenguer (trombón); Chris Van Voorst van Best (cb); R. J. Miller (bat)
Composiciones: 1.El mejilla (9:45);
2.Por olvidar (12:45); 3.Interludio (4:58); Hope (7:33); 5.Fun ship
(8:58); 6.Racha (7:59); 7.La barca (5:47); 8.El fabulador (11:42)
Duración: 1h 08min 51seg
Todos los temas compuestos por Albert Sanz, excepto #7,
compuesto por Roberto Cantoral. Grabado los días 11, 12 y 13
de agosto de 2004 en el Conservatorio Municipal José Iturbi de
Valencia. Mezclado los días 29, 30 y 31 de octubre de 2004 en
el Estudio Cable Musical, San Lorenzo del Escorial, Madrid. Ingeniero
de sonido, edición y mezcla: Bertram Kornacher. Editado en 2005
Xàbia Jazz 004
Comentario: Decir que Albert Sanz está sufriendo una continua evolución como músico es prácticamente una trivialidad; hablar de que dicha evolución instrumental viene acompañada de una evolución compositiva no lo es tanto. A mi entender, al primero de los discos como líder de este pianista valenciano (Los Guys, editado por Fresh Sound New Talent en el 2004) le faltaba una pizca de levadura con el que dar cuerpo a una grabación en la que participaron excelentes músicos (Cheek, Ballard y Grenadier); un disco en el que la presencia tanto instrumental como compositiva de Sanz era demasiado modesta.
La referencia a Los Guys permite presentar El Fabulador como una obra firmada con mayor madurez, un estadío más avanzado en el que Sanz maneja de forma inteligente los recursos puestos a su entera disposición por el Instituto Valenciano de la Música y la estupenda propuesta del festival veraniego Xàbia Jazz. Tras el septeto de Fabio Miano, la big band de Ramón Cardo y el octeto de Kiko Berenguer, en la formación elegida en esta cuarta grabación con motivo del festival vuelven a jugar un papel fundamental los vientos: tenores, alto, trombón, trompas, clarinete bajo y trompeta van alternándose como protagonistas en los sucesivos cortes, o jugando el papel secundario de soportar melódicamente el desarrollo de los solos. Los acordes de Sanz conducen en todo momento a la formación, adaptando el papel de deuteragonista, con la postura de estar presente sin ser visto, de presentar los temas de forma sutil para que sean los vientos los que recojan el testigo de los primeros compases del piano y hagan que el tema evolucione.
Los pasajes de rítmica latina en Racha o en el clásico La Barca de Roberto Cantoral interpretado por Mamen García, los momentos reservados para el desorden orquestal en Por Olvidar, y el elegante desarrollo en crescendo de El Mejilla o en el tema que da nombre al disco son algunos de los elementos que caracterizan a El Fabulador, una grabación que obliga a elogiar tanto a los buenos músicos que siguen brotando de los cultivos valencianos como a la propuesta gubernamental de esta Comunidad.
Sergio Masferrer
Ken Vandermark feat. Marcin Olés & Bartolomej Brat Olés - Ideas
Músicos: Ken Vandermark (saxos tenor y barítono, clarinete), Marcin Olés (contrabajo), Bartolomej Brat Olés (batería)
Composiciones: One, Uncle B., Ideas
Part One, Ideas Part Two, STill Up, Layers, West Coast, Tightrope, Drumsax
County, Sonus
Por Vandermark, Olés, Olés
Grabado en Sonus Studio, Lomianki, Polonia, el 21 y 22
de marzo de 2005. Editado en 2005.
Not Two Records MW 765-2 http://www.nottwo.com
Comentario: Ideas es un nuevo encuentro
de Ken Vandermark con los músicos polacos Marcin y Bartolomej
Olés, tras las dos Jams recogidas en la caja Alchemia (a nombre
de The Vandermark 5 y editada también en Not Two en 2005) en
dónde los músicos se unían con Ken y algún
integrante más de los Vandermark 5. En estos dos compactos en
los que se documentaba este encuentro el resultado no estaba al magnífico
nivel del resto de esta gran caja (diez conciertos de los cinco de Ken
recogidos en sus correspondientes compactos más los dos compactos
citados con las Jams referidas). Sin embargo no se puede decir lo mismo
de esta grabación.
En esta trabajan en formato de trio (con Ken al barítono -uno
de sus instrumentos preferidos últimamente-, tenor y al clarinete),
en una grabación en estudio y en donde trabajan no a partir de
un repertorio predeterminado (a diferencia de las citadas jams), sino
a partir de improvisaciones. Estas están más cercanas
estilísticamente a una concepción clásica del free
que a la libre improvisación, alejadas eso sí de la onda
más camerística habitual en alguna de sus últimas
propuestas, sin dejar de abrir espacios para trabajar con una música
en una vertiente más contemplativa. En esta grabación
el trio sí que se mueve con total comodidad, dejando al descubierto
más de uno y dos hallazgos melódicos, y en dónde
no falta un pequeño tour de force en forma de dúo de batería
y saxo en Drumsax County. Otra grabación interesante tanto de
Vandermark como del sello polaco NotTwo y quizás una sorpresa
para quien desconozca el trabajo de los Olés, como por ejemplo
el más que interesante disco de Marcin Olés a contrabajo
solo y de título Ornette On Bass.
José Francisco Tapiz
Garage A Trois - Outre Mer
(BSO de la película con el mismo nombre)
Charlie Hunter, Skerik, Stanton Moore y Mike Dillon.
Spire Artists Media / Telarc
Comentario: Segundo disco, si no contamos el EP que
sacaron en vinilo la primera vez que grabaron, coincidiendo con unas
sesiones para un disco de Moore que aprovecharon al sentirse a gusto
como grupo, estos cuatro integrantes de otras formaciones. Skerik tiene
sus propios grupos, y es uno de los miembros de la brigada de las ranas
(Frog Brigade) de Les Claypool (más famoso como bajista de Primus)
y también toca en el Tatuara de éste. Stanton Moore es
el batería de la banda de Nueva Orleans Galactic, y uno de los
más reputados baterías de la ciudad (ahí es nada...
), con además dos discos muy buenos ya a su nombre. Mike Dillon
es, junto con Moore y Skerik, más Brad Houser, miembro de Critters
Buggin, la formación más parecida a esta, aunque dedicada
más a una especie de Jazz-Funk-Dub, y enfocada más bien
hacia el público de la electrónica, auqnue no sólo.
Garage A Trois suena más a la habitual música de Charlie
Hunter con sus grupos, no a la de otro de sus proyectos más difíciles
como es Groundtruther con Bobby Previte. Jazz, muy groovy, pero marcado
por la idoneidad de una rítmica perfecta para compañar
a las cuerdas de bajo de la guitarra de Hunter, que aquí se centra
mucho en esas líneas superfunky que es capaz de hacer con ellas,
con un Stanton Moore tremendo que hace una pareja estupenda con Dillon,
cuando actúa más como percusionista. Y cuando éste
se pone al vibráfono o la marimba, en los cuales es un intérprete
espectacular, la mezcla de su sonido con el tan particular de la guitarra
de Hunter imitando un órgano Hammond es estupenda, como ya sabemos
desde el disco de éste con Stefon Harris, de lo mejor de la parte
groovy de su ecléctica carrera.
Skerik está más sobrio que en el anterior disco de este
grupo, con menos solos enchufado a la electrónica para sonar
a esa mezcla de Coltrane y Hendrix en la que convierte su tenor cuando
lo hace. Aquí toca casi siempre acúsitco, y muy rítmico,
con un sonido aterciopelado pero potente que sobre estos temas a caballo
entre el spanish tinge y el Caribe de Nueva Orleans que crean los cuatro
sobre los ritmos de Moore suena al mejor Rollins, y a menudo, curiosamente,
al olvidado Charlie Rouse tocando los temas de Monk que también
son una clara influencia para este grupo (en el anterior disco hacían
una versión estupenda de "We See", y en directo tocan
muchos temas de Monk, a veces con toques latinos o caribeños).
Precioso, y obligatorio para fans de Hunter, Skerik o Moore, que cada
vez son más, y seguramente cuando alguien que no los conozca
escuche este disco o el anterior del grupo, se interesará por
los mencionados discos de ellos con sus bandas, para convertirse también
en nuevos fans de esta música, que por ser facil de escuchar,
no deja de ser mejor.
Jorge LG
Chema Vílchez - La Música De El Faquir
Formación: Chema Vilchez (guitarras-eléctricas, acústica, flamenca y sintetizada, percusiones y coros), Moisés Sánchez (pianos, pads y bajos), Luis Escalada (batería), Raquel Álvarez (coros en 2 y 12), Luis Salas (coros en 8)
Temas: 1. Delhi (intro) 0:32 2. Tren
hacia Simla 4:10 3. La Acción Diestra 5:46 4. Mansala 8:50 5.
Camino a Nasik 4:18 6. Aham Brahmasmi 3:52 7. Cuando Te Recuerdo 5:24
8. El Hombre Feliz (en la cueva del corazón) 5:36 9. En la Cuerda
Floja 4:00 10. La Consciencia Dormida 1:10 11. La Consciencia Despierta
3:58 12. El Espíritu del Ganges 4:23 13. Tantra, el Sexo Sagrado
5:22 14. Samadhi (epílogo) 6:27
Todos los temas compuestos por Chema Vílchez. Editado en 2005
Comentario: Chema Vílchez, con
este nuevo trabajo nos acerca al corazón de la India en un viaje
iniciático, basándose en la obra El Fakir, de su gran
amigo orientalista y maestro de yoga Ramiro Calle, a trabés de
una obra compuesta por 14 capítulos con una introducción-Delhi
y un epílogo-Samadhi.
Sus influencias van desde George Benson, en la parte vocal de Tren hacia
Simla; el comienzo acústico de Mansala que recuerda al malogrado
guitarrista Michael Hedges; los guitarreos eléctricos de Aham
Brahmasmi ó El hombre feliz, que nos remiten a Allan Holdsworth;
sin olvidar por supuesto, al grupo Shakti de John McLaughlin, en cuanto
a la belleza y espiritualidad hindú en todo el disco. Por tanto,
este trabajo es una búsqueda de la belleza en su más amplia
concepción estilística, de sonido cristalino, evocador
de esencias, colores, aromas y sensaciones indias. Podríamos
decir que fusiona el jazz con el rock, la étnica e incluso la
new age para convertirse en un músico global, en un alquimista
perfecto.
Caben igualmente ser destacados, Cuando te recuerdo, una preciosa balada
nostálgica, donde el intercambio de voces entre el piano y la
guitarra acústica nos llevan a evocar tiempos pasados; En la
cuerda floja y El espíritu del Ganges, son temas de jazz-rock,
con un magnífico juego de cambios de ritmos que abarcan desde
la combinación de piano, teclado y guitarra eléctrica
para desembocar en un solo de guitarra española que impacta por
precisión y sensibilidad, en el primero de ellos.
La consciencia dormida, produce confusión, que se disipa en La
consciencia despierta, una balada de estética ambient entre el
sintetizador y la guitarra española.
Y sí, el disco comienza con la confusión y ruido de la
ciudad de Delhi y, el riff de guitarra de Vílchez; el mismo termina
con Samadhi, donde el sonido fresco de la flauta se combina con el canto
de los pájaros y, el replicar del piano llevándonos a
la paz espiritual tan anhelada por todo iniciado. Una obra para mentes
despiertas; un viaje al interior de uno mismo.
Enrique Farelo
Paul Motian And The Electric Be-Bop Band - With Joshua Redman / Reincarnation Of A Love Bird
Paul Motian And The Electric Be-Bop Band - With Joshua Redman
Músicos: Paul Motian (batería), Joshua Redman (saxo tenor), Brad Schoeppach (guitarra eléctrica), Kurt Rossenwinkel (guitarra eléctrica), Stomu Takeishi (bajo eléctrico)
Composiciones: Shaw-Nuff (C.Parker)
6:00 I Waited For You (Gillespie / Fuller) 5:15 Dance Of The Infidels
(B.Powell) 4:03 Darn That Dream (J.Van Heusen) 3:53 Hot House (T.Dameron)
6:49 Dizzy Atmosphere (D.Gillespie) 2:43 Scrapple From The Apple (C.Parker)
5:07 Scrapple From The Apple (C.Parker) 4:56 Monk's Dream (T.Monk) 6:02
52nd Street Theme (T.Monk) 3:36
Duración 49:05
Grabado en 1992. Editado originalmente en 1993 por JMT. Reeditado en
2004 por Winter & Winter Volume 61/81. 919 061-2
Paul Motian And The Electric Be-Bop Band - Reincarnation Of A Love Bird
Músicos: Paul Motian (batería), Don Alias (percusión), Steve Swallow (contrabajo), Kurt Rossenwinkel (guitarra eléctrica), Wolfgang Muthspiel (guitarra), Chris Potter (saxos alto y tenor), Chris Cheek (saxo tenor)
Composiciones: Split Decision (P.Motian) 5:38 Half-Nelson
(M.Davis) 3:52 Ask Me How (T.Monk) 3:41 Reincarnation Of A Love Bird
(C.Mingus) 6:29 Skippy (T.Monk) 3:38 2 Bass Hit (Gillespie / Lewis)
4:07 Waseenonet (W.Muthspiel) 7:00 Ornithology (Parker / Harris) 4:28
Round Midnight (Monk / Williams / Hanighen) 6:55 Be-Bop (D.Gillespie)
3:58 Split Decision (P.Motian) 3:39
Duración: 53:55
Grabado en 1994. Editado originalmente en 1994 por JMT. Reeditado en
2005 por Winter & Winter Volume 71/81. 919 071-2
Winter And Winter http://winterandwinter.com Distribuído por Diverdi http://www.diverdi.com
Comentario: La Electric Be-Bop Band del veterano (ya en el momento de su grabación) batería Paul Motian, surgió con el ánimo de revisar un repertorio de una parte concreta de la historia del jazz a partir de una formación no al uso (en la que se incluían dos guitarras y bajo eléctricos), con una visión actual (que no puramente revisionista) en ese momento, que la calidad de las buenas obras ha logrado mantener fresca y vigorosa a día de hoy.
En el caso de las dos grabaciones presentadas y desde un punto de vista cronológico, señalar que el proyecto se inició con una formación en quinteto que incluía un saxo (Joshua Redman), dos guitarras eléctricas, bajo y batería. El resultado fue la visita a un repertorio clásicamente be-bop (todo él), en dónde la inmediatez de la ejecución y sobre todo de la improvisación, insufló de vida a una serie de revisiones en dónde basándose de un planteamiento puramente be-bop (ahí está la estructura típica de los temas) se logró sobrepasar el umbral de lo meramente académico y recreacionista (tan habitual en otras manos menos maestras) para lograr a un proyecto lleno de vida propia.
Para Reincarnation Of A Love Bird, la segunda de estas obras y grabada con apenas un año de diferencia, se produjo en el grupo un cambio casi total en la formación. Del quinteto inicial sólo permanecieron Paul Motian y el guitarrista Kurt Rossenwinkel. Por otro lado el grupo se expandió hasta septeto con la incorporación de un saxofonista y un percusionista adicionales. Frente a la encrucijada de continuar en la senda de los planteamientos iniciales o intentarlo por nuevas vías, el grupo optó por un ligero cambio a medio camino entre ambos. Este se reflejó en un repertorio que pasó de ser totalmente clásico y ajeno a incluir material propio (con obras de Motian y del guitarrista Wolfgang Muthspiel) y realizando un acercamiento en dónde se perdía parte de la frescura de una cierta respetuosa irreverencia, trocándolo en un sonido más moderado, con una mayor preponderancia de los arreglos. El resultado vuelve a ser una más que notable colección de músicos y revisiones (sólo hay que echar un vistazo al listado de temas),aunque no tan redondo como el primer trabajo. De un modo general la aportación del percusionista Don Alias no añade demasiado al trabajo de Motian. Y en lo particular, algunas de las revisiones, en especial la del Round Midnight Monkiano, pecan de un carácter excesivamente artificioso, ajeno (por fortuna) a la del resto de un (por otra parte) magnífico e interesante proyecto.
José Francisco Tapiz
Jef Lee Johnson con Natalie Richard, Hélène
Breschard, Jean-Jacques Birgé, Rob Reddy, Ben Schachter, Chico
Huff, Ted Thomas Jr. y Mauro Refosco, más cuerdas: Régis
Huby, Irène Lecoq, Guillaume Roy y Sarah Veilhan, arregaladas
y dirigidas por Tony Hymas.
Hopr Street / Nocturne.
Comentario: El secreto de Filadelfia ataca de nuevo... el guitarrista
que se va convirtiendo en mítico para muchos amantes de la música
inclasificable, y para otros aficionados que se fijan en él por
sus colaboraciones con los Roots o Common en el Hip Hop, Tony Hymas
(tienen un grupo juntos, Ursus Minor) o Michel Portal (el proyecto Minneapolis)
en Europa, con Erykah Badu o Raquelle Ferrell en el Neo Soul, incluso
George Duke en sus proyectos bastante comerciales, entre otra muchísima
gente inteligente dentro del negocio que le llaman cuando quieren algo...
distinto.
Sus seis discos anteriores ya eran asombrosos, en el publicado por Diw
en Japón o las cuatro autoproducciones en Dream Box Media, se
revelaba como un alienígena musical que a la guitarra lo mismo
se parece al mejor Shonny Sharrock que a James Blood Ulmer en sus momentos
más funky, con toques de todo lo mejor que uno pueda imaginar
del Blues, el Funk y el Jazz, una voz además muy pero que muy
personal, y además una capacidad de tocar el bajo eléctrico,
los teclados, baterías, percusiones y toda la familia de saxofones
muy por encima de la media de los pocos instrumentistas que abarcan
tantos diferentes instrumentos. Abarcar mucho, es lo suyo, porque su
repertorio, casi siempre plagado de temas que suenan a la vez a lo mejor
de ocho o nueve estilos diferentes, más algunas versiones que
nadie se esperaría.
Una especie de primo hermano musical de Vernon Reid, Brandon Ross, Jean-Paul
Bourelly o Dave Fiuczynski, pero aún más inclasificable,
que en el otro disco de esos seis, el increíble "News >From
The Jungle" publicado también, como este, en Francia, en
aquella ocasión por Universal, donde le acompañaba una
de las mejores secciones de ritmo de Prince, Michael Bland a la batería
y Sonny Thompson, se revelaba como algo muy serio, capaz de concebir
aquello que me sigue pareciendo uno de los mejores objetos sonoros no
identificados de los últimos tiempos.
Y este otro que nos ocupa, es una especie de increíble y estupenda
(por una vez) segunda parte de aquello: un power trío post-Hendrix
como los mejores y más power-funk de Ulmer, con unos solos abrasadores
del líder sobre bases machaconas, en el mejor sentido del término,
recitados galácticos de una amiga poeta, versiones irreconocibles
de temas de Eugene McDaniels (otro mítico... ) o, por si fuese
poco, Gainsbourgm o Leo Ferré, y como guinda sobre este tremendo
pastel unos arreglos para harpa o el cuarteto de cuerda dirigido por
el otro inclasificable, Tony Hymas, su autor, que confirman que estas
reuniones de el hambre venida del otro lado del charco con las ganas
de comer en éste generan cosas que sólo se pueden dar
en un sello que proviene de aquella divertidísima cosa que fue
Nato Records años ha... En la línea de las sorpresas habituales
en ese sello, aquí el teclista que es Hymas, a los teclados...
ni se acerca.
Eso sí, la característica común a tantas cosas
juntas, en principio tantas como para perderse, y que define y da sentido
al proyecto, es una falta de adornos superfluos o concesiones de ningún
tipo, incluída una producción sequísima que sorprenderá
a muchos, y una sensación desde el principio hasta el final de
compromiso con la inmediatez de la mejor música, que así
es como debería sonar más a menudo: ruda, fresca, brutal,
durísima, estimulante y hasta... a veces incómoda. Una
obra apasionante, y escuchada con su pareja, el disco anterior "News
From The Jungle", apoteósica. Este sí que es un nombre
para grabarse a sangre, que es lo que te hace sentir su música,
en la memoria, y buscarlo en los créditos de casi cualquier cosa
dónde puede aparecer, y nunca decepcionará, Jef Lee Johnson,
uno de los músicos del futuro.
Jorge LG
DJ Spooky That Subliminal Kid & Dave Lombardo - Drums Of Death
Músicos: DJ Spooky (platos, beats, sintetizadores, instrumentos y sonidos varios), Dave Lombardo (batería). Invitados: Vernon Reid (guitarra), Chuck D. (voz), Jack Dangers (guitarra, bajo), Dälek (voz), Gerry Nestler (guitarra)
16 composiciones, 52:34
Editado en 2005 por Thirsty Ear Recordings en The Metallic Blue Series.
Distribuído por Resistencia. http://www.resistencia.es
Comentario: Mucho ojo, no se me vaya a confundir nadie.
A pesar de que el sello sea Thirsty Ear y entre los músicos aparezcan
algunos tangenciales (o no) al jazz como son Vernon Reid (el guitarrista
de los Living Colour) o DJ Spooky, Drums Of Death pertenece a las Metallic
Blue Series. Algo diferente (muy diferente) de las Blue Series que han
dado lugar a obras con resultados tan controvertidos como interesantes
por parte del sello del oído sediento y su director artístico
Matthew Shipp. Y es que si estamos hablando de Metallic, esto es algo
que no debiera extrañar a los aficionados al Heavy en sus múltiples
etiquetas, ya que Dave Lombardo fue el batería del famoso grupo
Slayer. En este proyecto a nombre suyo y de DJ Spooky (Paul Miller)
les acompañan otros ilustres invitados, como el citado guitarrista
Vernon Reid (ejerciendo aquí en varios temas de guitar-hero,
atentos quienes no lo conozcan) o Chuck D., el rapero de los imprescindibles
Public Enemy.
A partir de estas premisas, se puede afirmar que el resultado final
no supone una sorpresa en su variada orientación rockera. Esto
no implica que que carezca de interés ni mucho menos, ya que
esta grabación contiene un puñado de buenos temas recogiendo
diversas influencias. No es muy arriesgado afirmar que esta es una grabación
apta para todo tipo de públicos, vengan estos desde el jazz (en
un sentido muy amplio, no se me malinterprete, que esto no es un disco
de jazz mainstream) al rock pasando por el heavy, el rap, el hip-hop,
el funk e incluso de la étnica o la new-age: un verdadero crisol.
El resultado más brillante viene de lo vocal con las tres aportaciones
de Chuck D. (Public Enemy Nº 1, Brothers Gonna Work It Out y B-Side
Wins Again -¿a alguien le suena del repertorio de qué
grupo vienen estos temas?- con su mezcla de hip-hop y guitarras aguerridas)
y la participación de Dälek en Assisted Suicide: ¿es
posible que estos temas no sean número uno en las listas de radio
de alguna parte del ancho (eso nos dicen) mundo? Todo ello por supuesto
con una batería bastante más variada y sutil de lo que
se pudiera suponer por parte de Lombardo y una magnífica labor
musical y en la aportación de ideas y detalles en la producción
por parte de Paul Miller. De cualquier modo e insistiendo en ello, en
un plano más "abstracto" el resto no resulta menos
interesante con las múltiples orientaciones que van tomando los
distintos temas. ¿Podría esto ser un superventas? Lo extraño
es que no lo sea. Quizás no sea Jazz (no seré yo quien
entre en tal disquisición, ¿y es que alguien necesita
que lo sea para escucharlo?), pero sí un disco muy interesante.
Abriendo caminos y quién sabe si atrayendo a un público
joven.
diyeipetea
Will Calhoün, con Pharoah Sanders, Wallace
Roney, Antonine Roney, Mos Def, Stanley Jordan, Marcus Miller, Kevin
Eubanks, Naná Vasconcelos, Buster Williams, Cheick Tdiane Cheikh,
Orrin Evans, John Benítez y Gregoire Maret.
Editado por Halfnote Records
Comentario: ¿Demasiado nombre de los que suelen
aparecer en estos discos... tal vez? Pues por esta vez, como pasaba
en el disco de Me'shell Ndégèocello en el que aparecían
varios de los aquí invitados, parece que no es para mal resultado.
Cuando uno sigue leyendo los créditos del disco, y ve que junto
al líder, el co-productor del asunto es Mos Def, y conociendo
lo que éste hace, se vuelve a leer el listado con otra esperanza.
Aquí todo el convocado lo es por algún motivo que merece
la pena, como lo era en el disco de Me'shell.
Will Calhoün tiene una carrera enorme: famosísimo como batería
del grupo de "rock negro" (¿alguna vez fue de otro
color?) Living Colour, y miembro casi tan activo como su compañero
Vernon Reid en la Black Rock Coalition, es además un reputado
músico de estudio para cualquier proyecto imaginable, era una
pieza fundamental de la histórica banda del sello Sugarhill,
y se reunió años despues con sus amigos de entonces para
crear bajo el liderazgo de Skip McDonald el grupo Little Axe para hacer
Dub con el Blues (y lo hacen muy bien), y es parte de la nueva banda
del inclasificable Mos Def. Menos conocido es que además de uno
de los baterías más famosos, endorser de Sonor y Sabian
y estrella de los clinics para instrumentistas, es un excelente bajista,
guitarrista y pianista, y cuando cambia o adereza su batería
con otras percusiones uno se pregunta cómo se pueden tocar tantas
cosas tan bien, y lo que es más difícil, con tanto gusto,
incluídas las baterías electrónicas con la que
tantos de sus contemporáneos hacen cosas espantosas.
Calhoün es un músico, no un instrumentista, y además
es un músico para músicos, y en este disco, se nota, y
nada más empezar la nada gratuita y muy original versión
del "Afro Blue" de Mongo Santamaría, con un Pharoah
fantástico, una de las estrellas de este disco, un Wallace Roney
también fantástico imitando a Miles, y un Orrin Evans
que con lo que aquí toca tiene que dejar de ser un secreto a
voces, uno de los pianistas a seguir bien de cerca.
Otra versión estupenda también, "Nefertiti"
de Shorter, sigue a un tema de Calhoün hecho para que Phaorah se
vuelva a lucir (y vaya si lo hace... ), una estupenda del "Three
Card Molly" de Elvin Jones en cuyo homenaje el otro Roney, Antoine,
está fantástico al soprano, y el resto son temas propios
donde los invitados y los muchos instrumentos que el líder toca
van desfilando. Hay de todo. Un tema muy "Miles última época"
(cuyo espíritu planea sobre este disco de manera similar a cómo
lo hacía sobre el de Me'shell) para que Roney y Marcus Miller
(bastante más comedido y menos pesado, por suerte, de lo que
acostumbra últimamente) se exhiban, otros más "world
music" donde Pharoah, Buster Williams, Nana o Maret encandilan,
incluso uno donde el normalmente insoportable Stanley Jordan está
muy, pero que muy bien, y hasta otro donde ya por si teníamos
alguna duda de que Mos Def es un genio, el famoso rapero "intelectual"
se destapa como un estupendo pianista (para quien no lo sepa, es también
un más que correcto bajista y batería).
Mucha música: el talento de un gran músico para que quien
pensase que sólo era uno de los más originales baterías
en activo dé buena cuenta de él, y terminado con una excelente
guinda, un cortito y perfecto homenaje a ese otro gran músico
que tocaba la batería, Elvin Jones, pero hubiese sido igual de
grande con cualquier otro instrumento que hubiese elegido tocar.
Jorge LG
Robert Walter - Super Heavy Organ
Robert Walter con Johnny Vidacovich, Stanton Moore,
Tim Green, James Singleton y Anthony Farrell.
Magnatude Records.
Comentario: Cada vez más gente se aficiona al
Hammond en los últimos años. La popularidad de Medeski,
Martin y Wood o Money Mark entre los fans de Jazz pero también
de las Jam Bands, de Hip Hop o de la música de baile electrónica,
ha desembocado en un revival que ya empezó con el mal llamado
nuevo Acid Jazz en Inglaterra, del Jazz más groovy o verdadero
Acid Jazz que hacían Dr. Lonnie Smith, Big John Patton, Brother
Jack McDuff, Baby Face Villette, Ricahrd Groove Holmes o Reuben Wilson
en los sesenta y setenta, a partir del arte definido por el inolvidable
Jimmy Smith.
A ese carro se apuntaron algunos músicos no muy interesantes,
que prácticamente sólo repetían de manera poco
creativa el pasado (James Taylor Quartet), o lo hacían de manera
algo más creativa (Joey De Francesco) y otros que aunque mirasen
hacia atrás lo hacían para crear algo que podía
inspirarse en el pasado pero de repetición sin más no
tiene nada. John Medeski y sus compinches o Mark Nishita Ramos (Money
Mark) y Larry Goldings pertenecen a esta categoría en la que
el otro gran protagonista, mucho menos conocido, es Robert Walter.
Walter no se inspira en Holmes como Money Mark, más melódico,
o Larry Young como Goldings, más armónico, sino que busca
la forma más expresiva de los dos Smith, Wilson o Patton, a la
manera de Medeski, pero con su personalidad propia: los dos son de los
que, como me decía hace poco un amigo hablando de esto, "hacen
hablar" al Hammond.
Su música, como ya se veía en sus superrecomendables anteriores
cuatro álbumes, es puro groove: siempre se rodea de las mejores
rítmicas para esta música (Harvey Mason, Chuck Rainey
y Phil Upchurch estaban demoledores en su "There Goes The Neghborhood"),
y aquí cuenta con el fantástico Johnny Vidacovich, uno
de los mejores secretos de Nueva Orleans, a la batería, en la
mitad de los temas. En la otra mitad lo sustituye Stanton Moore (de
Galactic, Critters Buggin y Garage A Trois), que también tocaba
en otros discos suyos y ya no es un secreto para nadie. Por si fuese
poco, el discretísimo James Singleton está aquí
también en su línea de siempre, en un trabajo de orfebre
del ritmo y de la armonía casi inapreciable pero fundamental.
Este chico además es un compositor bárbaro, todos los
temas tiene esa gracia especial que hace que este tipo de música
suene mejor que bien, y también es un arreglista soberbio: el
disco, sólo por su quinto tema, donde su Hammong brutal y su
piano muy a lo Ramsey Lewis se acompañan únicamente de
voces de fondo, palmas, y el discreto quehacer de Singleton con el contrabajo
y Vidacovich haciendo una de las suyas sólo con el charles y
el bombo, ya merece la pena, y el resto desde luego... no desmerece.
Un disco obligatorio, exactamente igual que los otros de Robert Walter,
para los aficionados al mejor Hammond y a la música con ese groove
especial del mejor Soul Jazz.
Jorge LG
Luis Perdomo con Miguel Zenón, Ravi Coltrane,
Max King, Ugonna Okegwo, Carlo De Rosa, Miriam Sullivan, Palph Peterson
Jr. y Roberto Quintero.
RKM Music
Comentario: El excelente pianista venezolano del grupo de Ravi
Coltrane se estrena como líder en el sello de éste, con
un disco espléndido: variado, con música que va desde
los temas con ritmos latinos donde las percusiones se suman al trío
de base en otros, o aquellos de uno u otro tipo con un impresionante
Zenón, el propio Ravi o Max King a los saxos, e incluso tres
temas, dos intercalados y otro como final, en solo absoluto del líder,
que en estos se dedica a mostrar sus muchas influencias e intereses,
pero también su inconfundible estilo.
Un estilo que recuerda mucho a Hancock, con toques latinos, lo que evidentemente
recuerda a su compatriota Danilo Pérez, algunas veces, pero otras,
como hace también aquel, se inspira no sólo en el toque
sino también en la música increíble que Hancock
hacía a finales de los sesenta, pero que también se adentra
más que éste en la senda que abrió Bill Evans con
ese romanticismo modal tan influyente, que a los pianistas latinos,
muy influenciados por la música cubana a su vez muy definida
por los impresionistas franceses, les viene como anillo al dedo.
Perdomo, al igual que Danilo, nunca cae en esa sensiblería un
poco exhibicionista en la que a menudo caen los pianistas cubanos de
las últimas tres o cuatro generaciones, tal vez porque cuando
uno escucha baladas como las que sazonan este disco muy enérgico,
la sombra de la espiritualidad del "otro" Coltrane planea
a menudo.
De los demás músicos que participan en el disco sólos
se puede decir que el percusionista está soberbio, presente pero
sin tapar el discurso de los solistas, los cuatro contrabajistas elegidos
en según qué temas suenan perfectos y muy acoplados a
la música que el líder les hace tocar, Ravi y King están
muy bien, sobre todo éste último en un dúo precioso
con el pianista en un tema suyo, Zenón como ya he comentado se
está convirtiendo en algo serio, y el revivido de sus cenizas
en estos últimos tiempos Ralph Peterson desde luego no deja indiferente
a nadie, uno no puede dejar de pensar en aquellas críticas que
se le hacían a Art Blakey al principio de su carrera por tocar
"demasiado", desde luego al que le gusten los baterías
discretos no lo va a pasar nada bien, pero a los que nos gusta la "energía",
aquí, como siempre, Peterson nos da gusto de sobra.
Un primer disco tremendo que no hace más que confirmar las espectativas
de los fans de Ravi a los que ya nos había llamado mucho la labor
de Perdomo en su grupo.
Jorge LG
The Benevento Russo Duo - Best Reason To Buy The Sun
Marco Benevento y Joe Russo con Skerik, Mike Dillon
y Smokey Hormel.
Ropeadope Records.
Comentario: El dúo que Ropeadope anuncia como
la alternativa a los MMW no decepcionará a esa parte del público
de éstos que proviene de la escena de las Jam Bands a las que
frecuentemente los MMW han teloneado (Phish y similares), pero en cambio
a aquellos que se han hecho adictos de la reconversión del mejor
Groove, Funk y Soul Jazz por parte de aquellos, y que buscan algo más
Jazz... cuidado que esto va por otro lado.
Groove hay, y muy bien tocado, pero sobre todo estos dos excelentes
músicos adaptan ese lenguaje a algo muy distinto, mucho más
cercano al Post Rock representado por Tortoise. De hecho, si recuerda
la música que hacen a algo es a algunos proyectos paralelos a
Tortoise de algunos de sus miembros, como por ejemplo Isotope 217, o
incluso a los mejores momentos de King Crimson cuando se ponían
más rítmicos: ritmos pesados, en cuanto a contundencia,
riffs hipnóticos, pero Rock, no Funk ni Jazz, eso sí,
fantásticamente tocados. Russo es un excelente batería,
una auténtica enciclopedia de todas las músicas y estilos
tocados nunca en este instrumento, y Benevento un multiinstrumentista
lleno de gusto, sobre todo a los teclados.
Lo que más interesa a los aficionados al Jazz de este disco probablemente
sean las aportaciones de Skerik y Dillon, de los Critters Buggin y Gárage
A Trois, que cuando aparecen en tres temas junto a Smokey Hormel hacen
preguntarse si se decidirán los cinco a montar otra banda de
eclécticos que podría ser tan interesante o más
que las dos citadas de los primeros, o los propios Tortoise: en concreto
los momentos en los que el saxo de Skerik se transforma en una guitarra
eléctrica más con la ayuda de la electrónica y
se combina con la otra de Hormel son muy impresionantes.
Un buen disco, puede que no extraordinario, y casi seguro que no mucha
gente lo etiquete como Jazz, si se siente alguna gana de etiquetarlo,
pero muy curioso y diferente.
Jorge LG
Matt Chamberlain, Skerik, Mike Dillon y Brad Houser,
con Stone Gossard, Gus y John Brion.
Ropeadope Records
Comentario: A menudo estás en un bar moderno, muy de
diseño, y de repente escuchas algo que te suena igual de moderno,
contemporáneo e interesante. Hacer ese tipo de música
nunca me ha parecido fácil, tiene mucho mérito, pero también
a veces preguntas en el local sobre lo que está sonando, lo buscas
en una tienda, te lo llevas a casa, lo escuchas varias veces y según
pasas de una escucha a la siguiente el resultando suele ser el desinterés.
Ese tipo de música que suena tan "in", tan contemporánea,
a menudo peca de ese excesivo brillo del envoltorio y poca esencia que
hace que al final sea poco interesante para más que... un momento
en un bar.
No es el caso. Este disco dudo que suene en muchos bares, aunque seguro
que si lo hiciese más de un cliente preguntaría por él.
Si alguien se lo llevase a casa dudo mucho de que se aburriese profundizando
en su escucha: es apasionante.
Ritmos sencillos, temas muy superficiales aparentemente, y sin solos
brutales que nos hagan olvidar el tema (hasta Skerik está de
un comedido increíble), y, aún así... su música
es hipnótica. Lo mismo suena a Hip Hop que a étnica de
la más diversa procedencia que a una producción nada típica
de lo que podría ser la mejor música electrónica
de baile no sólo para baile, superficial porque no busca más
que patinar sobre una superficie, pero con un estilo que deja boquiabierto,
a menos que se conozca el secreto de este grupo, que no es otro que
la increíble capacidad de sus cuatro miembros de tirarse a cualquier
piscina y nadar en cualquier agua, por espesa que sea.
Podría ser música muy ligera (light), si la interpretase
cualquier otro, pero con los protagonistas involucrados, el resultado
es ligero en otro sentido, bien distinto, una gozada de disco, y un
misterio, porque no tiene nada sorprendente, y no deja de sorprender
lo bonito que es. Eso sí que tiene mérito.
Jorge LG
Ron Blake con Michael Cain, Christian McBride,
Reuben Rogers, Chris Dave, Terreon Gully, David Gilmore, Gilmar Rogers,
Vincent Chancey, Josh Roseman, Marcus Rojas, Sean Jones y Pedro Martinez.
CD Extra con remezclas de Carlos Mena, DJ Spinna, Transdub Massiv, Osunlade
y Jahi Sundance.
Mack Avenue Records
Comentario: El saxofonista tenor y soprano (aquí no toca el barítono...
¡lástima!) de la banda Jazz de Me'shell Ndégèocello
producido por ésta en su nuevo disco, su quinto como líder
o co-líder (tres como lo primero, uno con su banda 4-Sight, otro
con su 21st Century). El disco empieza con un largo tema muy coltraneano,
con un solo muy ídem al tenor del líder, que luego cierra
el tema con su soprano, también muy influído por Coltrane.
Ya desde este primer tema el contundente sonido de Cain al piano y teclados,
y la asombrosa manera de tocar de Chris Dave definen el sonido del disco,
como lo hacen en el grupo de Me'shell, hasta el punto de que en algunos
momentos este disco parece construído con temas grabados en las
sesiones de los mejores del último disco de la bajista.
Los temas son muy variados, algunos más Bop o incluso con aires
caribeños donde el líder suena más Rollins que
Coltrane, y llenos de los poliritmos que tocan o Dave o Gully, que tanto
gustan a la Ndégèocello, pero alternados están
esos temas como el primero, hipnóticos, que son lo mejor del
disco.
Como solista puede que siga Blake sin tener "ese algo más"
que lo haga destacar de otros, pero este disco es una maravilla: la
música que hacen él y Me'shell reúne en sí
misma todo el amplio espectro del Jazz desde el Miles modal y el Coltarne
de Atlantic e Impulse! hasta el mejor Miles eléctrico, con aderezos
de todo lo que ha venido después, incluídos arreglos que
a veces recuerdan a los de la Brass Fantasy de Lester Bowie y que se
empastan con las dos increíbles ritmicas del disco perfectamente.
Una preciosidad de disco, para ponerlo antes o después del fantástico
"Dance Of The Infidel", al que complementa fantásticamente,
y con un CD de remezclas incluído que, por una vez, son tan interesantes
como los temas originales.
Jorge LG
Allan y Neil Evans y Eric Krasno, con Rashawn
Ross, Ryan Zoidis, Robin Eubanks, Lasim Richards, Danny Sadownick, Ivan
Neville, Chaka Khan, Robert Randolph, Reggie Watts, Corey Glover y Cochemea
Gastellum.
Concord.
Comentario: El grupo que más me decepciona con cada
disco que saca probablemente al mercado actual sea Soulive: sus discos
a veces no están mal, pero cuando uno ve a esta maravilla de
trío de Soul Jazz o Groove en directo, teloneando por ejemplo
hace un par de años a Me'shell Ndégèocello, se
pregunta cómo es posible que no den más de sí,
aunque luego uno piensa en la importancia de la producción, y
viendo por ejemplo el último desastre de los Medeski, Martin
& Wood con los Dust Brothers haciendo esa labor, se imagina al antiguo
productor de estos, Scott Harding, con el que hicieron maravillas, aliado
con estos tres fieras haciendo lo que podría ser el sueño
de cualquiera... y lo entiende.
Pues no va a ser esta vez tampoco: cambio de sello, y cambio de tercio,
y no hacia ese camino que se me ocurría, sino hacia uno mucho
más práctico, para que vamos a hacer buena música
sin más si en cambio podemos elegir buena música comercial,
que es mucho más rentable (quiero decir económicamente,
claro).
La fórmula: buenos riffs, producción muy Hip Hop-Neo Soul
pero sin pasarse, una buena sección de viento apoyando en los
riffs mencionados el sólido groove del trío, y unos cuantos
cantantes invitados, que la verdad es que están muy bien, la
mayoría de ellos como casi siempre, para hacer un disco muy bailable,
muy ameno, pero mucho peor de lo que estos tres grandes músicos
demuestran en cada directo que podrían hacer.
A seguir esperando, el que tenga paciencia, a ver si algún día
se cumple un sueño parecido al que he contado.
Jorge LG
EMANEM - PSI.05 por José Francisco Tapiz
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El histórico sello británico dirigido por Martin Davidson, que distribuye y acoge a Psi Recordings del saxofonista histórico Evan Parker presentan entre sus ediciones del año 2005 un puñado de interesantes grabaciones. Más allá de la mejor o peor apreciación que se pueda tener sobre las obras editadas por estos dos sellos, su trabajo va más allá de lo acomodaticio, provocando en el oyente algo más que la indiferencia.
Músicos: Paul Rutherford
(trombón), Robert Jarvis / Lawrence Casserley (procesamiento
por ordenador en directo)
Composiciones: Act 1 (Zenquahn 5:37, Ombuhl 12:52,
Bodrivar 12:09, Falgoric 8:05) Act 2 (Brelfor 11:06 Felcrum 13:26 Mayilcra
7:36)
Música compuesta por Rutherford, Casserley, Jarvis
Grabado el 26 de septiembre de 2004. Editado en 2005 por Psi Records.
PSI 05.02
Músico: Paul Rutherford (trombón, eufonio)
Composiciones: Roman Tick (para
un trombón) 6:03 grabado en directo en Roma, 14 de abril de 1980
Yep 321 (para dos eufonios) 8:30 Realign 4 (para cuatro trombones) 9:00
Three Levels (para dos trombones, uno de ellos a doble velocidad) 3:46
Paunch And Judies (para trombón a doble velocidad y perro) 1:22
Chefor (para un eufonio) 7:57 Phase 2/2 (para dos trombones y dos eufonios)
8:06 Neuph (para un trombón y un eufonio) 7:22 grabado en estudio
los días 30 y 31 de enero de 1978
Pisa Ear (para un trombón) 17:24 grabado en concierto en Pisa,
26 de junio de 1980
Toda la música compuesta por Paul Rutherford. Toda la música
grabada por Paul Rutherford, salvo el perro.
Editado en 1978 por SFA LP 092. Temas inicial y final inéditos.
Reeditado en 2005 por Emanem. Emanem 4118
Comentario: Iskra3 propone un experimento interesante a priori: el trabajo de Paul Rutherford con dos manipuladores de sonido, trabajando los tres en vivo y en directo. El resultado, sin embargo, no es todo lo interesante que se podría esperar. A pesar de algún momento como Bodrivar, durante otras partes el trabajo resulta excesivamente plano, careciendo de la interactividad simultánea entre los músicos, necesaria siempre, pero más especialmente en trabajos de este tipo entre los músicos.
Radicalmente diferente es la reedición de Neuph de Paul Rutherford. Haciendo uso de las técnicas de de estudio por medio de la utilización de la edición en multipistas con cambios de velocidad o reproducción al reves, el trombonista y aquí también intérprete de eufonio, muestra su buen hacer a la hora de componer y ejecutar unas piezas que integran desde uno hasta cuatro instrumentos. Esto permite un trabajo mucho más variado y menos plano que el anterior. Como suele ser habitual en las ediciones de Emanem, el disco incluye dos temas inéditos grabados a trombón solo en directo en Italia, que abren y cierran la grabación.
José Francisco Tapiz
Derek Bailey / Evan Parker - The London Concert
Músicos: Derek Bailey (guitarra acústica, guitarra modificada -19 cuerdas), Evan Parker (saxos soprano y tenor)
Composiciones: 1 First Half Solo 4:16 2 Part 1 14:54 3 Part 1A 5:50 4 Part 2 3:51 5 Part 2A 10:24 6 Second Half Solos 10:26 7 Part 3 11:54 8 Part 4 6:56
Grabado en concierto en Wigmore Hall, Londres, el 14
de febrero de 1975. Editado en 2005
Psi Recordings Psi 05.01 http://www.emanemdisc.com/psi.html
Comentario: Evan Parker y Derek Bailey
son dos veteranos pertenecientes a la primera generación y activos
todavía y a fecha de hoy en la primera línea de la libre
improvisación. A pesar de que sus desencuentros provocasen que
a partir de 1987 no hayan vuelto a tocar juntos hasta la fecha de edición
de esta grabación (2005), ambos tienen una larga carrera conjunta
que se inició en 1966, en proyectos como el imprescindible, variado
y camaleónico Spontaneous Music Ensemble del batería John
Stevens.
Por tanto, en el momento de la grabación de este concierto en
1975, ambos músicos se conocían en directo desde hacía
casi diez años. Un tiempo más que suficiente para un conocimiento
mutuo, entendimiento e interacción como muestra en este magnífico
concierto. Como aliciente presenta la inclusión de 29 minutos
no editados anteriormente que completan toda la parte estrictamente
musical del concierto. Una obra y estados creativos magníficos
para acercarse (sin miedo), a las figuras de Evan Parker y Derek Bailey.
No se pierdan ni la obra ni la foto de la contraportada del libreto:
impagable.
José Francisco Tapiz
Músicos: Alan Wilkinson (saxos alto y barítono, voz), Marcio Mattos (contrabajo, electrónica), Steve Noble (percusión)
Composiciones: Trepid 9:14 Sea Frett 5:53 Absolute Xero 13:25 Skzypce 6:41 Kissing The Shuttle 10:12 Soup Song 7:13 I Wak On (For John Lester) 7:51 Sortie 10:56
Grabado en Londres el 2 de septiembre de 2003. Editado
en 2005.
Emanem http://www.emanemdisc.com EMANEM 4116
Una de las sorpresas más agradables de esta tanda
de discos de Emanem / Psi. Free Base es un trio de libre improvisación
que lleva tocando desde 1994 y que ya ha aparecido en Emanem en el recopilatorio
del festival Freedom Of The City 2003. Sabiamente y a pesar de estar
grabada en directo en el estudio, el grupo optó para esta grabación
por no reproducir los esquemas de una actuación libre improvisada
en directo. Más allá de piezas largas a la búsqueda
de un clímax, optaron por la grabación de una mayor cantidad
de piezas bastante más cortas, con duraciones que varían
entre los cinco y los diez minutos.
El resultado final es una selección de 70 de los aproximadamente
100 que se grabaron para esta edición. Su gran virtud es la variedad
de técnicas utilizadas. Estas recorren una amplia variedad de
formas asociadas a la libre improvisacion, con piezas que discurren
desde lo cercano al free hasta otras formas mucho más abiertas
en cuanto a su concepción y ejecución.
José Francisco Tapiz
John Stevens Quartet - New Cool
Músicos: Byron Wallen (trompeta, fliscornio), Ed Jones (saxos tenor y soprano), Gary Crosby (contrabajo), John Stevens (batería y percusión)
Composiciones: 1.- Dudu's Gone 12:13
2.- Do Be Up 14:41 3.- You're Life 21:20 4.- 2 Free 1 17:54 5.- Dudu's
Gone 9:19
Grabado en el Crawley Jazz Festival el 5 de agosto de 1992.
Reeditado en 2005 por Emanem. Temas 2-5 editados originalmente en 1994
en The Jazz Label, TJL 006 CD. Tema 1 no editado con anterioridad en
su integridad.
Emanem 4117 http://www.emanemdisc.com
Comentario: Free bop (si se permite
la expresión) crujiente, en crudo y en directo, lleno de swing,
con unas composiciones atractivas y ejecutado todo ello con un magnífico
tempo. Similar en orientación y resultado por otra parte a la
magnífica grabación del John Stevens Trio, de título
Live at the Ploughen el sello sueco Ayler Records.
Una de las características del batería John Stevens es
la variedad estilística en el desarrollo de sus proyectos. Esto,
unido al desconocimiento de su figura por parte de una inmensa mayoría
de aficionados y a la dificultad implícita asociada a un sello
como Emanem, pueden hacer el que se pase por encima de obras como esta.
José Francisco Tapiz
Spontaneous Music Ensemble - A New Distance
Músicos: John Stevens (percusión y mini-trompeta), John Butcher (saxos tenor y soprano), Roger Smith (guitarra española), Neil Metcalfe (flauta 8, 10)
Composiciones: 1 spoken introduction
1:26 2 Stig 25:34
3 So This Is Oficial 3:59 4 Tape Delight 6:07 5 Uneasy Options 9:45
6 A Certain Elegance 4:14
7 spoken introduction 1:01 8 Peripheral Vision 3:59 9 spoken interlude
0:50 10 With Hindsight 3:29 11 Spoken Conclusion 2:24
1-2 Grabado en concierto en Conway Hall, 3rd Annual LMC
Festival, Londres el 28 de mayo de 1994
3-6 Grabado en concierto en Red Rose, Londres, el 9 de enero de 1994
7-11 grabación en estudio en Londres, el 20 de febrero de 1993
1-6 Editado originalmente en 1995 como Acta CD 8
7-11 No editadas previamente
Editado en 2005
Emanem 4115 http://www.emanemdisc.com
Comentario: Cambio estilístico en A New Distance por parte del batería John Stevens. Si en New Cool los derroteros apuntaban hacia el Free Jazz, en esta grabación del Spontaneous Music Ensemble (activo desde mediados de los años 60 y por dónde pasaron músicos de la talla de Kenny Wheeler, Evan Parker, Peter Kowald o Derek Bailey entre otros muchos a lo largo de sus múltiples formaciones) el grupo opta por continuar con su trabajo en torno a la libre improvisación.
José Francisco Tapiz
Stan Tracey / Evan Parker -
crevulations
Músicos: Evan Parker (saxo tenor), Stan Tracey (piano)
Composiciones: Bendalingo's Dream 20:14 Crevulation 9:37
The Streatham Walk 7:27 Babazuf 14:39
Improvisaciones por Evan Parker y Stan Tracey
Grabado en directo el 24 de julio de 2004 en Appleby, Inglaterra.
Editado en 2005 por Psi.
Psi 05.04 http://www.emanemdisc.com/psi.html
Comentario: Precioso el disco de Evan Parker con Stan Tracey. A pesar
de que superficialmente se pueda pensar que ambos músicos vienen
de tradiciones diferentes, no es menos cierto que Evan Parker es capaz
de tocar dentro de la tradición jazzística al uso (que
se lo pregunten a Charlie Watts a la hora de montar sus grupos jazzísticos)
o que Stran Tracey también ha tocado dentro de lo que sería
la libre improvisación.
Pero esta grabación no es un resultado de choques entre tradiciones.
Todo lo contrario, el mundo en dónde habitan los músicos
en esta grabación está compuesto por improvisaciones entre
las que van recorriendo distintos parajes. En estos se suceden tanto
los diálogos con los soliloquios. Aquí domina quizás
no la tranquilidad, pero sí una sensación global de placidez
y dulzura, especialmente con las aportaciones de Stan Tracey que quizás
pudieran dar la impresión de estar escritas, a pesar de que también
existen momentos de cierta tensión. De cualquier modo e independiente
de estas apreciaciones subjetivas, esta grabación es un magnífico
ejemplo de comprensión e interacción entre ambos músicos
en directo. Una grabación que logra algo tan difícil como
romper la barrera que suele existir entre la propia explicación
de lo escuchado y visto en lo físico del directo, hasta la soledad
(o no) de la escucha individual.
José Francisco Tapiz
Varios Autores - Free Zone Appleby 2004
Músicos: Barry Guy (contrabajo), Evan Parker (saxo soprano), Paul Lytton (percusión), Philipp Waschman (violín, electrónica), Joel Ryan (procesamiento sonoro)
Composiciones: DUO-1 (Ryan, Wachsmann)
11:34 TRIO-1 (Parker, Guy, Lytton) 7:24 DUO-2 (Guy, Ryan) 6:29 TRIO-2
(Parker, Lyton, Wachsmann) 6:45 DUO-3 (Lytton, Ryan) 11:41 TRIO-3 (Parker,
Guy, Wachsmann) 8:39 DUO-4 (Parker, Ryan) 18:20 TRIO-4 (Guy, Lytton,
Wachsmann)
Grabado el 25 de julio de 2004 en Ancient Space, St. Michael's Church,
Appleby, Inglaterra. Editado en 2005
Psi 05.05 http://www.emanemdisc.com/psi.html
Comentario: Curiosa grabación, que bien pudieran ser varias, tal y como muestran los cinco músicos aquí presentes. En la primera de ellas bien podría estar compuesta por los cuatro dúos aquí presentes de Joel Ryan trabajando con todos y cada uno de sus compañeros. En la segunda de ellas se podrían incluir los cuatro diferentes trios que conforman los otros cuatro músicos (Parker, Lytton, Waschman y Guy). Pero no es así y esta no son dos sino una grabación en cuatro actos compuestos de dúo y trío. Manteniendo, como se ha dicho, fijo a Joel Ryan en los cuatro posibles dúos, los tres músicos trabajan en los otros cuatro diferentes trios que se podrían formar. Esta estructura curiosa a la par que exhaustiva permite distintas aproximaciones al resultado sonoro. Como se indicaba al principio, su escucha puede seguir el orden secuenciado por las disposición de las pistas en la grabación (duo - trio, duo - trio...) o bien optar por la escucha de las diferentes formaciones (dúos o tríos), obviando el orden en que fueron grabadas. Lo sorprendente de esta grabación encuadrada dentro de la libre improvisación (cómo podría ser de otra manera con estos músicos), es la diferencia en función de los músicos involucrados en cada una de las estructuras creativas.
José Francisco Tapiz
Olaf Rupp / Tony Buck / Joe Williamson - Weird Weapons
Músicos: Olaf Rupp (guitarra acústica), Joe Williamson (contrabajo), Tony Buck (percusión)
Composiciones: Naugahyde 33:54 Spandex
23:57
Compuestas por Rupp, Williamson, Buck
Grabado en Berlin, con los instrumentos sin usar amplificación
u otros elementos electrónicos, el 4 de septiembre de 2002. Editado
en 2005.
Emanem 4119 http://www.emanemdisc.com
Comentario: Érase una vez tres músicos: uno canadiense, otro australiano y el tercero de ellos alemán. ¿Un chiste de músicos? No, los integrantes de Weird Weapons. Bromas aparte, es muy interesante y de buen resultado experimento el trabajar sin amplificación con tres instrumentos eminentemente acústicos como son la guitarra, el contrabajo y la percusión por parte de estos tres músicos a lo largo de dos largas composiciones. Como suele ser necesario para este tipo de propuestas es fundamental un buen entendimiento entre todos los integrantes del grupo (más aún en este tipo de formaciones tan reducidas) y una creación de diversos ambientes y melodías que no agoten al oyente y le hagan perder el interés por la propuesta, algo que logran perfectamente. Aún cuando en algún momento quizás la guitarra parezca que tenga un papel preponderante sobre sus compañeros (con todos los instrumentos en acústico), el resultado es más que satisfactorio y disfrutable desde su primera escucha.
José Francisco Tapiz