Entrevista con el guitarrista Rubén Reinaldo a propósito de Fusión Olívica. Por Carlos Lara, Enrique Farelo y Pachi Tapiz [Entrevista de jazz]

Según cuenta la tradición, Vigo es conocido como «ciudad olívica». Viene al hilo este detalle a propósito de Fusión Olívica, título del reciente primer álbum como líder de Rubén Reinaldo, guitarrista, docente, arreglista y compositor. Es el segundo trabajo de su carrera, ya que en 2020, con el también guitarrista Kely García, publicó Acuarel, un dúo de guitarras inédito hasta el momento en Galicia.

Rubén Reinaldo cuenta para Tomajazz sus inquietudes sobre su nueva obra, en la que ha querido rendir un homenaje a Vigo, su lugar de nacimiento, a sus allegados y a sus lugares vitales. También muestra sus impresiones sobre la música en general, sus influencias y su labor como educador al frente de Musikenza. Todo, desde una perspectiva intimista y humana.

 

Tomajazz: ¿Cómo surge la idea de hacer este disco «conceptual»? ¿Por qué decidiste centrarlo en unos lugares tan cercanos y titularlo  Fusión Olívica? 

Rubén Reinaldo: Siempre entendí la música como un lenguaje, y por tanto considero que es necesario tener  mensajes que transmitir para que no esté vacía de contenido y sea solo estimulante a nivel rompecabezas intelectual. Intento que mi música sea estimulante a otros niveles más profundos, y para ello, creo que esos mensajes necesitan un contexto general para que el receptor perciba cada mensaje como parte de un discurso ordenado y conectado. Un disco conceptual es eso para mí, todo gira en torno a un concepto único que le da sentido globalmente. En este álbum, ese hilo conductor es el olivo, porque todo lo que quiero transmitir en cada pieza está relacionado con él de una u otra forma. Nací en Vigo, urbe conocida como “la ciudad olívica”, y todas las demás vivencias transcurren en lugares cercanos de Galicia donde el olivo está presente en mis historias vividas. El título “Fusión Olívica” une la palabra fusión, que habla de la libertad creativa en la improvisación, con la palabra olívica, que describe el concepto e hilo conductor del álbum y mi lugar de origen.

Tomajazz: Cada una de las ocho piezas del disco tienen su pequeña historia, basada en recuerdos y vivencias, ¿para ti estos aspectos son los que mejor te ayudan a componer?

Rubén Reinaldo: Como dijo Louis Armstrong: “El recuerdo de las cosas pasadas es importante para un músico de jazz”. Creo que esta frase responde muy bien a esa pregunta: por un lado, explica la importancia en la composición y en la improvisación del conocimiento de la tradición musical del pasado, pero por otro lado, también tiene otra lectura, la más importante me parece, que de algún modo todo lo que se ha vivido anteriormente en el pasado es importante para poder crear. A mí personalmente me ocurre que no puedo crear música de calidad pensando solo en música de manera puramente técnica. Necesito poner siempre mis conocimientos al servicio de algo que quiero transmitir. Siento que cuanto más me ha hecho sentir algo que he vivido, soy capaz de expresarlo con más claridad, y por tanto mejor suena.

Tomajazz: Háblanos de tu deseo de realizar una obra en vinilo, un formato que pareció quedar en desuso y que hoy brilla con luz propia como objeto de fetiche y coleccionista. ¿Por qué te decidiste a editarlo en vinilo?

Rubén Reinaldo: Editar en vinilo era mi sueño desde la infancia, y tratándose de mi primer álbum como líder en solitario, no lo podía concebir de otra forma. Considero que es un formato con un poder visual y sonoro inigualable. Te hace sentir la importancia de lo que contiene ya incluso mucho antes de que suene, basta con contemplarlo y sostenerlo. Que conste, no soy de los que piensa que suena mejor exactamente, si no que suena más real precisamente por sus imperfecciones. Normalmente escucho la música digitalmente por lo práctico que es, pero cuando un álbum me entusiasma de verdad, siempre he procurado conseguirlo en vinilo si se puede, para poder disfrutarlo en esta plenitud visual y sonora de vez en cuando y así rendirle el tributo que se merece. Este álbum que acabo de publicar es un vinilo que además viene con tarjeta de descarga digital para audios y el libro de partituras. Es una manera de unir mi formato físico clásico favorito con lo más práctico del formato digital actual.

Tomajazz: Diego Bea Besada es el ingeniero de grabación, mezcla y masterización. ¿Qué importancia ha cobrado en el producto final?

Rubén Reinaldo: Ha sido realmente muy importante el trabajo de Diego en sus estudios BeaBesada. Es un reto grabar a un cuarteto de guitarra, órgano, contrabajo y batería que ya es poco frecuente en directo utilizando microfonía y compartiendo la misma sala del estudio, y aún por encima, grabando vídeo y audio simultáneamente sin ningún otro asistente. Él fue capaz de resolver todos los problemas con maestría y eficacia. Durante la mezcla, enseguida entendió lo que necesitaba, y posteriormente masterizó ofreciéndole una nueva dimensión de calidez al sonido y una naturalidad maravillosa. La producción fue conjunta entre él y yo, y en todo momento supo respetar mi dirección artística y musical, utilizar su amplio conocimiento del sonido para aportar equilibrio, nuevos matices, realzar aquello más crucial para mí y ser una valiosa opinión de contraste en todos los demás aspectos, se notaba que el proyecto le gustaba de verdad.

Tomajazz: ¿Musicalmente hacia dónde has querido dirigir los temas? ¿Quizá hacia guitarristas de la década de los 60 y los 70, tales como Wes Montgomery o Grant Green y otros?

Rubén Reinaldo: Efectivamente esas son mis décadas fundamentales de referencia para el sonido base de Fusión Olívica, aunque por supuesto tiene su propia personalidad sonora y también contiene otros matices de sonido actuales. Como la formación para este álbum que grabamos a cuarteto contiene concretamente contrabajo con órgano (además de guitarra y batería), me inspiré mucho en los trabajos que editó con el sello Prestige Bill Jennings en solitario, los de Kenny Burrell con Shirley Scott o Jimmy Smith, el álbum Beyond the Blue Horizon de George Benson, pero también en los más actuales trabajos de John Scofield con MMW, cuyas exploraciones en el sonido me fascinaron.

Tomajazz: En esta pregunta quiero focalizar mi atención en Antonio López y en su instrumento, el órgano. Entiendo que lo que suena no es un verdadero órgano hammond b3. Podrías explicarnos el porqué de dicha elección, no solo del instrumento, también del músico.

Rubén Reinaldo: Como ya comenté antes, aunque la base sonora del álbum esté inspirada en el sonido de trabajos de la década de los 60 y los 70, uno siempre busca evolucionar y explorar nuevos horizontes para aportar algo nuevo y personal. En ese sentido, los trabajos de John Scofield con MMW, tienen unas innovaciones sonoras por parte de John Medeski con el órgano que siempre me parecieron muy interesantes. Una de las muchas razones por las cuales Antonio López “Monano” me pareció el músico perfecto para abordar el órgano en este álbum, es su capacidad para trabajar con una amplia variedad de sonidos dentro de la estética del órgano tal y como le permite en este caso el sistema TMT (tecnología de modelado tonewheel) integrado en el generador de sonido de su órgano electrónico. Entre eso y su fabuloso groove equiparable al de Gustavo Hernán al contrabajo y David Faílde a la batería. Se formó un cuarteto muy sólido en el que mi imaginación pudo fluir fácilmente con la guitarra. Son músicos fabulosos.

Tomajazz: ¿Existen diferencias de sonido entre un órgano portátil y un hammond B3?

Rubén Reinaldo: Claro que sí, existen diferencias de sonido. Ambos me encantan, pero en este trabajo concretamente me apetecía mucho disfrutar de las posibilidades y variedad de matices sonoros que me ofrecía la tecnología de modelado del órgano electrónico. El concepto de Fusión Olívica necesitaba de una unión entre el sonido tradicional y el actual.

Tomajazz: ¿Qué guitarristas te han influido más y qué otros actuales sigues habitualmente?

Rubén Reinaldo: Muy difícil responder a esto, porque son muchísimos, siempre he procurado aprender en cada oportunidad, y seguro dejaré sin mencionar a guitarristas importantes para mí. Comenzaré con los que he nombrado anteriormente en la entrevista: Bill Jennings, George Benson, John Scofield y Kenny Burrell. Voy a nombrar a mayores a una quincena de guitarristas internacionales que me han influenciado mucho: Jim Hall, Wes Montgomery, Russell Malone, Pat Martino, Scott Henderson, Ulf Wakenius, Bireli Lagrene, Lee Ritenour, Frank Gambale, Larry Carlton, Emily Remler, Pat Metheny, Brett Garsed, Jimmy Raney, y Greg Howe. Me han faltado guitarristas nacionales, donde puedo escribir referencias interesantísimas como por ejemplo: Jordi Bonell, Ximo Tebar, Marcos Pin, Serafín Carballo, José Luis Arrazola, Carlos Calviño, Chuma Segura, Marcos Collado, Telmo Fernández, Manuel Cebrián, Virxilio da Silva, Diego Pacheco, Joaquín Chacón, Paco Rivas, José Luis Gámez, Santiago de la Muela, Pedro Andrea, Chema Saiz, y Víctor Antón. Sigo a muchos guitarristas actuales, (algunos de los cuales ya nombré) y añado por ejemplo: Peter Bernstein, Jonathan Kreisberg, Lari Basilio, Gilad Hekselman, Jesse Van Ruller, Kurt Rosenwinkel, Cory Wong y Oz Noy.

Tomajazz: Allan Holdsworth o Larry Coryell han sido algunos de tus guías. ¿Cómo fue tu relación con ambos?

Rubén Reinaldo: Son guitarristas increíbles con los que tuve la suerte de compartir clinics y masterclass muy interesantes. No llegué a tener una relación personal con ellos a pesar de que era gente muy amable y cercana, y de que coincidió que había muy pocos guitarristas durante esas ocasiones. Supongo que fue la distancia que a veces nos impone nuestro propio respeto hacia los grandes, pero viví momentos inolvidables en los que pude aprovechar para disfrutar de su visión musical y de sus enseñanzas.

Tomajazz: No deja de ser sorprendente que eligieras tu comienzo en el mundo de la música con un disco, Acuarel, que únicamente estaba compuesto por dos guitarristas. ¿Cómo surgió esta idea tan particular y arriesgada?

Siempre me gustaron las formaciones musicales alternativas, y en aquel momento, trabajaba como profesor junto a mi compañero el guitarrista Kely García, con el que empecé a tocar standards cuando teníamos algún hueco en nuestros horarios. Ahí descubrimos que musicalmente surgió algo muy interesante. Comenzamos a tocar juntos en directo a dúo de guitarras añadiendo poco a poco nuestras propias composiciones, y después de comprobar sorprendidos que realmente funcionaba muy bien nuestro formato, nos invitaron a grabar en directo para un programa de radio en durante 2018. Tras escuchar que esa grabación sonó fantástica, le propuse a Kely que grabásemos en estudio profesionalmente ese proyecto, y finalmente salió a la luz en 2020 con Free Code Jazz Records, siendo además, un éxito rotundo en medios especializados tanto nacionales como internacionales.

Tomajazz: ¿Cuál fue tu primer contacto con la música y por qué te decantaste por esta profesión de guitarrista? Y ¿cómo empezaste a interesarte por el jazz?

Mi primer contacto con la música realmente es casi imposible de fijar con exactitud. Como oyente consciente, recuerdo emocionarme mientras sonaban discos de música clásica y de Elvis Presley cuando era muy pequeño (Elvis me hizo sentir mucha curiosidad por la guitarra). Posteriormente me regalaron un pequeño teclado con el que me encantaba experimentar, pero no sentía que de verdad era mi instrumento.

Seguí creciendo como oyente, y pronto dejó de ser suficiente escuchar la música que había a mí alrededor o que podía pedir prestada, por lo que comencé a devorar los programas musicales en la radio. Ahí se me abrió un mundo, y descubrí en profundidad el blues, que me cautivó totalmente junto con otros estilos como el rock y el jazz. Me generó más curiosidad la guitarra, aunque en mi casa no había ninguna. Un amigo sí la tenía, y cuando tuve ocasión, la probé y sentí algo inexplicable, muy poderoso y superior que todavía recuerdo.

En mi familia el único guitarrista, era mi tío Antonio Piña Reinaldo, pero yo no le pedí que me enseñara en un primer momento por respeto. Al poco tiempo de comenzar a aprender por otros medios y de conseguir mis primeros avances con el instrumento, un problema de salud hizo que él tuviese que pasar mucho tiempo recuperándose y ese fue un momento extraordinario para hablar con él y para aprender de sus consejos. Por desgracia murió, y para mi sorpresa, me dejó su guitarra en herencia. Ese fue un punto de inflexión absoluto para mí. Ahí comencé a trabajar más duro que nunca, y encontré a mi primer gran maestro, Ubaldo Zabala, gracias a él comencé a soñar de verdad con ser guitarrista profesional. Le debo mucho. En aquel momento, otros guitarristas con los que compartí muchas horas y amistad fueron cruciales para mí como José Luis Gómez, Armando Díaz y José Carlos Barros.

El primer álbum de jazz que escuché por iniciativa propia, fue gracias a la radio. Conseguí A Love Supreme de John Coltrane. Pero el que me provocó fascinación por la guitarra de jazz fue The Bridge de Sonny Rollins (con Jim Hall), que lo conseguí por recomendación de un amigo que trabajaba en la radio. George Benson y Wes Montgomery también me cautivaron con mucho impacto, los descubrí en: California Concert: The Hollywood Palladium y en Full House escuchándolos mientras compraba discos en una tienda. Full House me volvió tan loco que lo compré 3 veces por desgastarlo y rallarlo.

Tomajazz: Eres codirector y profesor de Musikenza, centro de enseñanza de música moderna en Vigo. ¿Hay muchos jóvenes en tu ciudad que quieran aprender jazz y otras músicas creativas como puede ser el rock?

Rubén Reinaldo: La verdad es que sí que me sorprende la cantidad de gente joven que sigue teniendo interés por aprender, me da mucha esperanza la verdad. Probablemente en porcentaje son menor cantidad de jóvenes que cuando yo empezaba, eso es cierto, y también es cierto que escuchan mucha menos música de media en general. Aún así, yo valoro mucho que quieran hacerlo a pesar de estar tan excesivamente estimulados con la tecnología. Intento ver lo positivo. Hay maravillosos talentos por salir a la luz, eso intento lograr con mi labor docente.

Tomajazz: ¿Qué alicientes y expectativas detectas en las personas que están aprendiendo jazz en estos momentos?

Rubén Reinaldo: Profesionalmente hablando, en la actualidad es verdad que hay más posibilidades de titulaciones oficiales, más posibilidades formativas en general, y más diversificación de trabajos musicales en campos cada vez más variados y sorprendentes como: tecnología, publicidad, cine, videojuegos, musicales, grabación, interpretación en directo y en estudio, pedagogía, dirección, composición, arreglos, musicología, etc. El jazz permite una libertad creativa aplicable a muchísimos campos interesantes, pero no nos engañemos tampoco, tener expectativas de dedicarse a la música en España es difícil. No se apuesta por la cultura de más alto nivel desde las instituciones porque yo creo que genera un tipo de público que no interesa. Igual que el turismo, se fomenta el turismo masivo y destructivo porque se busca el beneficio rápido a muy corto plazo sin pensar en sus consecuencias. La música más elaborada tiene un beneficio a largo plazo incalculable. Es bueno que haya un espacio para todo tipo de cultura, pero hay que intentar fomentar la de mayor calidad posible, aunque le cueste más a una parte importante del público, igual que hay que intentar fomentar la alimentación saludable aunque le cueste más a mucha gente. A largo plazo, nos compensa a todos. Dicho esto, yo siempre les digo a mis alumnos que no basta con ser un buen músico para poder dedicarse profesionalmente a ello, hay que ser muy valiente, versátil, luchador y persistente. Todo es posible con las suficientes ganas, yo lo he conseguido con una vida de dedicación plena y esfuerzo, y diversificando mi trabajo, pero no engaño a nadie ni vendo humo. La música requiere muchísimo sacrificio. Tener alicientes y expectativas. Empieza por amar el aprendizaje sin esperar nada a cambio, como yo hice. No hay mayor aliciente que el inmenso placer de verse mejorar y comprender un poco más, cada día. Esa es la clave, creo yo. Si se hace así, luego pueden ocurrir milagros.

Tomajazz: Galicia es una tierra de muchos jazzistas y buenos. ¿A qué crees que es debido que surjan músicos tan interesantes?

Rubén Reinaldo: Yo creo que es por la enorme riqueza de nuestro folclore que tiene mucho porcentaje de naturaleza ternaria en su esencia, igual que el swing que se aplica en el blues originalmente. La cultura del baile tan importante desde el folclore y desarrollada también a través de las orquestas que fueron trayendo músicos de otros países que nos enseñaron, e imagino que debe influir el contacto permanente con otras músicas y culturas externas a través del camino de Santiago y de muchas rutas comerciales marítimas.

Tomajazz: ¿Cómo valoras el trabajo que está haciendo Free Code Jazz Records de apoyo al jazz en Galicia?

Rubén Reinaldo: No hay dinero que pague el apoyo que le están dando al jazz en Galicia. Gracias a ellos muchos músicos hemos podido tener la oportunidad de llevar a cabo nuestros proyectos. Solo puedo darle las gracias con todo el alma a Paco Charlín y a María Vence. Los resultados de muchos de sus álbumes editados han sido sorprendentes, y desde luego mis dos trabajos publicados con Free Code Jazz Records me han abierto muchas puertas, así que estoy muy agradecido.

Tomajazz: ¿Crees en eso que se dice de forma recurrente que el jazz está en crisis y que cada vez tiene menos adeptos?

Rubén Reinaldo: El jazz no está en crisis, yo creo que es la sociedad es la que está en crisis. En general, los estilos musicales que tienen mayor libertad creativa y riqueza sonora están perdiendo el respeto y la atención de la sociedad. Vuelvo a poner un ejemplo al que suelo recurrir, el de la comida. La más saludable es la menos consumida y la más cara. La gente es cómoda, y eso se paga a un precio altísimo a largo plazo. Con la música pasa lo mismo. Debe haber sitio para toda expresión musical, la música debe ser para todo el mundo en toda su diversidad, pero si se deja de fomentar la de mayor calidad por no ser mayoritaria en teoría, se estará empeorando la “salud cultural” de nuestra sociedad, y detrás de eso van los buenos valores y nuestra mejor esencia como humanos. Si la gente se alimenta con baja calidad, se volverán culturalmente de baja calidad y eso se va a pagar muy caro en el futuro.

Tomajazz: Imaginamos que serás un escuchante ávido de música, ¿puedes compartir las últimas grabaciones que más te hayan sorprendido?

Rubén Reinaldo: Por supuesto, voy a mencionar, por ejemplo, una docena de entre los últimos álbumes que he escuchado, y me han sorprendido, tanto internacionales como nacionales: Among Giants de Sarah Hanahan; Afrodesia de Lonnie Smith; Wheel House de Greg Howe; La Belleza de lo Diferente de Daniel Juárez; A Parisian Affair de Albert Bover; Three for Three de Mike Moreno; My Foolish Heart de Ralph Towner; I Wish de John Stowell & Atlantic Bridge Trío; Litet Steg de Manuel Cebrián; Nihil de Diego Alonso, Realismo de Xan Campos y Contradictio de Xosé Miguélez.

 Tomajazz: ¿Tienes intención de presentar la obra en directo?

Rubén Reinaldo: Desde luego que sí, tengo muchas ganas, pero aún no puedo decir fechas concretas. Iré organizando sobre la marcha según aparezcan oportunidades. Actualmente aún estoy muy ocupado con la organización del curso en mi labor docente y con otros proyectos que quiero resolver para poder estar más tranquilo.

Tomajazz: ¿Cuáles son tus próximos proyectos aparte de tocar en directo, obviamente, presentando Fusión Olívica?

Rubén Reinaldo: Siempre estoy trabajando y aprovechando oportunidades, últimamente le pongo mayor énfasis a avanzar en un libro didáctico para guitarra con el que estoy desde hace mucho tiempo, y también estoy pendiente de terminar algunas colaboraciones divulgativas interesantes como el programa de televisión presentado por Luis Otero Éxitos Desconocidos, y otras varias en diferentes medios de comunicación tanto especializados como generalistas. Nunca paro de componer ni de hacer arreglos nuevos, voy creando nuevo material que luego filtro y mejoro.

Quisiera por último daros las gracias por el interés y el respeto que Tomajazz siempre ha mostrado  hacia mi trabajo, y también por concederme esta entrevista.

 

La entrevista ha sido realizada por correo electrónico por medio de un cuestionario confeccionado por Carlos Lara, Enrique Farelo y Pachi Tapiz, en octubre de 2025.

Tomajazz. Entrevista: © Carlos Lara, Enrique Farelo, Pachi Tapiz, 2025
Fotografías: © Óscar García Amoedo, 2025

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Rubén Reinaldo: Fusión Olívica (Free Code Jazz Records, 2025) Por Carlos Lara [Grabación de jazz]

Rubén Reinaldo: Fusión Olívica (Free Code Jazz Records, 2025) Por Enrique Farelo [Grabación de jazz]

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