La tercera parte del especial de Enrique Farelo dedicado al rock progresivo abarca grabaciones desde 1974 hasta 1975, con músicos y grupos como Hawkwind, Mike Oldfield, Pink Floyd, Rick Wakeman, Camel, Gong o Supertramp entre otros.
51 – Focus Hamburger Concerto (1974)
País: Países Bajos
Estilo: Rock progresivo sinfónico.
Posiblemente la opera magna del grupo es este Hamburger Concerto repleto de magnificas composiciones como la inicial y renacentista “Delitae Musicae”, la impactante “La Cathédrale de Strasbourg” o la bella y barroca “Birth”, y sobre todo los más de 20’ de “Hamburger Concerto”.
Un álbum superlativo desde el inicio hasta el final.
Formación: Thijs van Leer (voz, órgano, piano y piano eléctrico, flautas, sintetizador ARP, clavicémbalo, mellotron, vibráfono, acordeón, órgano (St. Mary the Virgin – Barnes), palmas y silbidos); Jan Akkerman (guitarras, laúd, timbales, palmas); Bert Ruiter (bajo, arpa automática, triángulos, platillos chinos, campanas suizas) y Colin Allen (batería, congas, pandereta, castañuelas, gong chino, timbales y cuíca).
52 – Camel Mirage (1974)
País: Reino Unido
Estilo: Progresivo sinfónico.
“Freefall” se abre al sentimiento y la energía de éste excelente Mirage, que tiene su continuidad con la belleza y la calidez de la flauta de Andrew Latimer en “Supertwister”.
“Nimrodel The Procession The White Rider” y “Lady Fantasy”, ambas de influencias Canterbury, destacan por su belleza y fluidez impactantes.
Gozoso álbum con excelentes riff de guitarra de Andrew Latimer y teclados de Peter Bardens.
Con éste trabajo, Camel se dio a conocer en España en formato de doble vinilo, que además contenía su tercer disco The Snow Goose, algo que en el encarte se reflejó de manera errónea al señalar como primer y segundo trabajo.
Como anécdota señalar que el grupo tuvo su punto de gloría al aparecer en TVE la noche de la elección y aprobación (si la memoria no me falla) de la constitución española de 1978.
Formación: Andrew Latimer (guitarras, flauta, voz); Peter Bardens (órgano, piano, Minimoog, Mellotron, voz), [celesta, clavinet & Fender Rhodes); Doug Ferguson (bajo, voz) y Andy Ward (batería y percusión).
53 – Gentle Giant The Power And The Glory (1974)
País: Reino Unido
Estilo: Rock progresivo ecléctico
Un álbum conceptual basado en la idea política del abuso de poder y la corrupción; un álbum complejo, bien estructurado y de excelentes composiciones.
Un disco tan completo como creativo con canciones emblemáticas como “Proclamation”, la camerística “So Sincere”, la sedante “Aspirations”, la cambiante e imaginativa “Playing the Game”, la densa “Cogs In Cogs”. “No God’s a Man” es serena y compleja, y compleja también y rica en matices instrumentales “The Face”. “Valedictory” es la transfiguración de “Proclamation”.
La igualmente emblemática “The Power and the Glory” es el bonus track y bien podría haber servido de single.
Formación: Derek Shulman (voz principal); Gary Green (guitarras, mandolina, pandereta); Kerry Minnear (piano, piano eléctrico, Hammond, Mellotron, Minimoog, clavinet, clavecín eléctrico, vibráfono, triángulo y voz principal); Phil Schulman (saxos tenor y barítono y voz principal); Ray Shulman (bajo, bajo fuzz, acústico y eléctrico, violines, guitarra de 12 cuerdas y coros); Malcolm Mortimore (batería y percusiones).
54 – Gong Radio Gnome Invisible Vol. 3- You (1974)
País: Francia
Estilo: Space Canterbury
La etapa Space Canterbury termina con este You que suponía la tercera y última entrega de la trilogía Radio Gnome Invisible vol. 3. Luego vendrían excelentes trabajos de fusión étnica como Shamal o Gazeuse liderado por el batería y percusionista Pierre Moerlen.
Éste álbum, que en mi modesta opinión es el mejor, completa la trilogía Invisible Radio Gnome. La combinación entre la teatralidad, la ironía surrealista y el humor a lo Zappa con el jazz, la psicodelia cósmica y lunático-lisérgica definen esta obra maestra del rock progresivo.
Una obra completa para escucharla del tirón y sin pausas.
Formación: Daevid Allen (voz, guitarra); Gilli Smyth (voz); Steve Hillage (guitarra eléctrica y sintetizada); Tim Blake (sintetizadores Moog y EMS, Mellotron, voz); Didier Malherbe (saxos, flauta, voz); Mike Howlett (bajo); Pierre Moerlen (batería, percusión); Benoît Moerlen y Mireille Bauer (percusión) y Miquette Giraudy (coros).
55 – Hawkwind Hall Of The Mountain Grill (1974)
País: Reino Unido
Estilo: Psychedelic Space Rock
La verdad es que encarar la música y el sonido de Hawkwind es una tarea ardua por lo contradictorio o paradójico de su estilo. Una banda que mezcla sin pudor la psicodélia, el rock ácido, el heavy rock, la improvisación y el rock espacial los convierte en unos locos incomprensibles para quienes se acerquen a ellos por primera vez.
Hall of the Mountain Grill es la manifestación de todo lo expuesto anteriormente. El álbum cuenta con piezas como la inicial “The Psychedelic Warlords (Disappear in Smoke)” donde se mezclan la locura del saxo alto de Nik Turner, el mellotrón de Simon House y el guitarreo y la voz enmarañada de Dave Brock constituyéndose en una de las canciones principales y fundiéndose con la sinfónica e instrumental “Wind of Change” (posiblemente la mejor composición del disco) en uno de los momentos álgidos de la obra.
La coral y excelente “D-Rider” rememora a los primigenios Pink Floyd, “Web Weaver” es folk espacial, “’You’d Better Believe It”, aunque de lejos, me lleva al grupo Gong, “Hall of the Mountain Grill” es un deleite de atmósferas románticas donde brilla Simon House.
“Lost Johnny” se debate entre el rock y el blues y “Goat Willow” es una miniatura de belleza turbadora que sirve de introducción a la rockera “Paradox”.
Formación: Dave Brock (voz, guitarra principal y de 12 cuerdas, órgano, sintetizador); Del Dettmar (teclados, sintetizador, kalimba); Nik Turner (saxofón, oboe, flauta, voz); Simon House (teclados, mellotrón, violín); Ian «Lemmy» Kilminster (bajo, voz, guitarra principal y rítmica) y Simon King (batería, percusión).
56 – Magma Köhntarkösz (1974)
País: Francia
Estilo: Zeuhl
La mezcla extraña e insólita de jazz, música contemporánea clásica, ópera obsesiva, (Carmina Burana de Carl Orff) repetitiva y oscura hasta la neurosis es lo que se ha denominado Zeuhl.
Magma se parece así mismo, no hay otra banda igual en la historia del rock progresivo.
Tres piezas conforman Kohntarkosz, la homónima dividas en dos partes y dos temas de perfil corto “Ork Alarm” y la dedicada a John Coltrane, “Coltrane Sündïa”.
La obra no es para melodías ni estribillos. Está más cerca de la opresión y la pesadilla, sus voces son instrumentos al servicio de la música global del grupo.
Nada es igual y es distinto a todo, es un ritual esotérico para el oído capaz de comprender. No te acerques a la puerta de entrada o no saldrás nunca. Tú decides…
La única verdad sobre Magma es la suya propia. Propio es su idioma (kobaia) y propia es su música (Zeuhl).
Formación: Klaus Blasquiz (voz, percusión); Brian Godding (guitarra); Gérard Bikialo y Michel Graillier (piano, órgano); Jannick Top (bajo, violonchelo, piano, voces); Christian Vander (batería, percusión, voz, órgano); Stella Vander (voz).
57 – PFM The World Became The World (1974)
País: Italia
Estilo: Rock Progresivo Italiano
Se abre el disco con la composición “The Mountain” (L’Isola di Niente) y sus impresionantes y majestuosos coros de la Accademia Paolina Da Milano para ir acercándose a un progresivo delicado, de cambios constantes y de bellos pasajes sonoros.
“Just Look Away” (“Dolcissima Maria”) es una auténtica preciosidad, una canción emblemática del grupo y del progresivo en general. La dulzura con la que se conduce hipnotizará tu intelecto sino la has escuchado antes. “The World Became the World” (“Impressioni di Settembre”) rememora al King Crimson de In the Court of the Crimson King en otra pieza de sublime belleza.
“Four Holes in the Ground” (La Luna Nuova) posiblemente la composición de mayor calado creativo donde los cambios constantes de ritmo y velocidad van desde el sonido folk al rock más dinámico. “Is My Face on Straight?”, es otra demostración de lo que el álbum puede ofrecer en cuanto a calidad creativa.
El disco concluye con “Have Your Cake and Beat It” (Via Lumiere), corte instrumental con fragmentos sonoros de jazz-rock y de ELP o Jethro Tull.
Formación: Franco Mussida (voz principal, guitarras eléctricas y acústicas, guitarra de 12 cuerdas); Flavio Premoli (voz principal, órganos Hammond, MiniMoog, Mellotron, clavecín, piano, espineta, campanas tubulares); Mauro Pagani (flautas, contralto, flautín, violín, coros); Jan Patrick Djivas (bajo, coros); Franz Di Cioccio (batería, percusión, coros).
Regrabaciones con letra en inglés del álbum completo L’Isola Di Niente más “The World Became the World (Impressioni di Settembre)”
Con: Accademia Paolina Da Milano (coros) y Claudio Fabi (director de coro, arreglista y coproductor). Pete Sinfield letras en inglés.
58 – Renaissance Turn Of The Cards (1974)
País: Reino Unido
Estilo: Rock progresivo sinfónico.
Mentiría si dijera que Renaissance no es una de mis bandas favoritas de toda la historia e igualmente faltaría a la verdad si no considerase a Annie Haslam la mejor vocalista que haya existido en el rock progresivo.
Su cálida y hermosa voz tenía magia y la emotividad de grupo fundamentalmente emanaba de sus cuerdas vocales.
Renaissance es: “el romanticismo lirico en un rincón de tú corazón”.
Su música te absorbe el astral hasta dejarlo bajo mínimos. Arte emocional y amor que envuelve inundándolo todo.
Turn Of The Cards es una joya del progresivo sinfónico donde es difícil destacar una composición de otra, y además es el preludio de su opera magna, Scheherazade and Other Stories.
La introducción del piano de John Tout en “Running Hard”, las armonías vocales de Annie Haslam en “Things I Don’t Understand”, la bellísima “Black Flame”, la impactante versión del Adagio para órgano y cuerdas de Albinoni (Remo Giazotto) en “Cold Is Being”, con el órgano de tubos de John Tout y la voz turbadora de Annie Haslam y para terminar, la mini-suite orquestal, “Mother Russia” de lirismo infinito y belleza rebosante.
Formación: Annie Haslam (voz principal y coros); Michael Dunford (guitarra acústica, coros); John Tout (teclados y piano); Jon Camp (bajo, coros) y Terence Sullivan (batería, percusión, coros).
Colabora: Jimmy Horowitz (arreglos orquestales).
Michael Dunford y Betty Thatcher son mayoritariamente los autores de las composiciones. Michael Dunford y Jim McCarty lo son de “Things I Don’t Understand”.
59 – Strawbs Hero And Heroine (1974)
País: Reino Unido
Estilo: Prog Folk
La obertura, una mini-suite épica, (“Autumn: Heroine’s Theme, Deep Summer’s Sleep, The Winter Long”) es fantástica y una melodía exquisita. Inolvidable. También apreciable estéticamente es “Sad Young Man”; “Shine On Silver Sun”, es un breve y bello capricho.
Nuevamente el carácter épico-folclórico asoma en “Hero And Heroine”, la inolvidable y acústica “Midnight Sun” es deliciosa. “Out In The Cold”, sonido country para otra delicatessen inolvidable; “Lay A Little Light On Me”, es doliente y se funde con la instrumental “Hero’s Theme” para poner el broche final. “Just Love” y “Round And Round” son las dos piezas que menos aprecio y por este orden.
Formación: Dave Cousins (voz principal y coros, guitarras acústicas y eléctricas, coproductor); Dave Lambert (voz principal y coros, guitarras acústicas y eléctricas); John Hawken piano, piano eléctrico, órgano, Mellotron, sintetizador); Chas Cronk bajo, sintetizador, coros) y Rod Coombes (batería, percusión, coros).
Con Clare Deniz (violonchelo).
60 – Supertramp Crime Of The Century (1974)
País: Reino Unido
Estilo: Progresivo ecléctico
Para mí el mejor disco de la banda. Un álbum perfecto (si es que la perfección existe) y sin desperdicio desde la portada hasta el sonido, grabación y producción.
Brillantes composiciones y arreglos precisos y preciosos que encajan a las mil maravillas en una obra de buen gusto y sofisticación y con el grado justo de comercialidad. Música tocada y servida en bandeja de plata, chaqué y pajarita.
Composiciones como “School” o “Dreamer” son inolvidables. “Bloody Well Right” transmite felicidad; “Hide in Your Shell” y “Asylum”, nostálgicas y evocadoras; “Rudy” es jazzy, con cambios de ritmo constantes y aderezado con envolventes arreglos de cuerda.
La encantadora “If Everyone Was Listening” sirve de introducción para el broche de oro que supone la épica “Crime of the Century”.
Formación: Richard Davies (voz principal y coros, teclados, armónica); Roger Hodgson (voz principal y coros, guitarra, pianos); John Anthony Helliwell (saxofones, clarinetes, coros); Dougie Thomson (bajo) y Bob Siebenberg (batería, percusión).
Conlaboran: Christine Helliwell, Scott Gorham y Vicky Siebenberg (coros); Ken Scott (gong) y Richard Hewson (arreglos de cuerdas).
61 – Tangerine Dream Phaedra (1974)
País: Alemania
Estilo: Progressive Electronic Krautrock
Esta obra juntamente con Rubycon son un antes y un después en el devenir de mi personal historia como aficionado a la música.
Jamás compré ninguno de los álbumes señalados, hacerlo suponía un sufrimiento que no estaba dispuesto a padecer. Los vinilos dieron paso a la tecnología digital y fue ahí donde pude adquirir estas dos obras maestras del Progressive Electronic Krautrock. Recuerdo que los compré en la Virgin records de Paris, por no haber sido editados en España en aquellos años.
Phaedra es un viaje tanto al exterior como al interior de la psique llevándote a conocer mundos inexplorados del cosmos o de dimensiones paralelas.
Desde el enigma transmite la misma paz que inquietud y permite al oyente desarrollar su imaginación hasta los límites del universo conocido o no.
Música transpersonal para viajes astrales y vivencias ECM. Ellos ponen la música y tú la imaginación. Recomiendo escuchar esta obra bajo los efectos de la oscuridad o la luz tenue de una vela.
Nada por destacar. Destaca todo. Obra maestra. Buen y placentero viaje.
Formación: Edgar Froese (órgano, Mellotron, bajo, guitarra, sintetizadores Synthi A y VCS3, productor); Christopher Franke (sintetizadores Synthi A, Moog y VCS3, teclados) y Peter Baumann (órgano, piano eléctrico, sintetizadores Synthi A y VCS3, flauta).
62 – Todd Rundgren’s Utopia (1974)
País: Estados Unidos
Estilo: Rock progresivo ecléctico
Hay cosas sorprendentes en el rock progresivo y luego está Todd Rundgren’s Utopia.
¿Quién podría imaginar que un músico procedente del pop-rock y estadounidense pudiera hacer algo como el presente disco?
Rock progresivo en estado puro que cuenta con tres teclistas y con la pieza más larga jamás grabada en una cara de un vinilo, “The Ikon” de 30:22.
El disco es espectacular y todos los temas son largos a excepción hecha de “Freedom Fighters”.
En la inicial “Utopia Theme” (en vivo en el Fox Theater, Atlanta, Georgia) encontramos rock espacial. Me atrevería a decir que influyente en bandas como Gong o Steve Hillage en canciones como “Freak Parade”, por sus atmosféricos riffs de guitarra de Todd Rundgren.
“The Ikon” es la obra en sí misma y es colosal y es épica. Es larga pero no lo parece, ya que se basa en la imaginación, en los cambios constantes y en los excelentes solos instrumentales.
Magníficamente contextuada, sincrética y lo peor… tristemente olvidada.
Formación: Todd Rundgren (guitarra eléctrica, productor); Mark Klingman y Ralph Schuckett (teclados); Jean-Yves Labat (sintetizador); John Siegler (bajo, violonchelo) y Kevin Ellman (percusión).
63 – Rick Wakeman Journey To The Centre Of The Earth (1974)
País: Reino Unido
Estilo: Rock progresivo sinfónico.
Grabado en concierto en The Royal Festival Hall de Londres el viernes 18 de enero de 1974.
Obra basada en novela de Julio Verne de igual título.
Divida en dos partes y a su vez subdivida en otras dos (“The Journey Recollection” “The Battle The Forest”) “The Journey Recollection” comienza de forma explosiva y rimbombante con la aparición de los coros y la orquesta. Todo un desafío y un momento para el recuerdo.
Es cierto que no todo aficionado acepta de buen grado esta obra a la que califican de grandilocuente y pomposa, pero para mí tiene un valor por el riesgo que supuso poner en escena una ingente cantidad de músicos en directo y sin red (grupo más orquesta sinfónica, más coros y un narrador).
De hecho lo considero como el mejor trabajo grabado por Rick Wakeman de su amplia discografía.
David Hemmings narra a la perfección encajando como un guante y la orquestación me parece muy adecuada y ensambla a la perfección con el grupo y los coros.
Formación: Rick Wakeman (piano, pianos eléctricos RMI y Rhodes, Hammond, Hohner clavinet, Mini-Moog, sintetizadores, Mellotron, productor).
Colaboran: Garry Pickford-Hopkins y Ashley Holt voz solista); David Hemmings (narrador); Mike Egan (guitarra); Barney James (batería); Roger Newell (bajo) más The London Symphony Orchestra, The English Chamber Choir con David Measham (director de coro y orquesta); Danny Beckerman y Wil Malone (arreglos de coro y orquesta) y Lou Reizner (coordinación de producción).
65 – Robert Wyatt Rock Bottom (1974)
País: Reino Unido
Estilo: Canterbury
Rock Bottom fue gestado durante la estancia de Robert Wyatt en el hospital tras el grave accidente sufrido el 1 junio del 1973 al caer por la ventana de un tercer piso en estado de embriaguez en una fiesta del grupo británico Pink Floyd que le dejó paralítico de por vida.
El disco es su trabajo más reconocido y personal y una de las obras cumbres del rock Canterbury. El diseño de la portada corre a cargo de la que es su esposa y artista, Alfreda Benge, a la cual, le dedica la tortuosa y desesperada composición “Alife”.
La obra es especial en cuanto a filosofía y sonido. La voz de Robert Wyatt siempre fue especial y la fuerza del sentimiento marca el devenir del álbum desde la inicial atmosférica y doliente “Sea Song”; “A Last Straw” es extravagante, como interpretada a una velocidad lenta que languidece al ritmo de la voz en scat de Robert Wyatt y que se funde con la hipnótica “Little Red Riding Hood Hit the Road” donde destaca la infinita y envolvente trompeta en bucle del sudafricano Mongezi Feza.
“Alifib” es perturbadora e inquietante, casi como un ahogo liberador, con el muy original sonido del bajo de Hugh Hopper. “Little Red Robin Hood Hit the Road” finaliza con la muy presente guitarra de Mike Oldfield e Ivor Cutler rompe la agónica voz de Robert Wyatt.
Una obra imperdible y adictiva.
Formación: Robert Wyatt (voz, guitarra, teclados, percusión).
Colaboran: Ivor Cutler (voz, concertina barítono); Alfreda Benge (voz); Mike Oldfield (guitarra); Mongezi Feza (trompeta); Gary Windo (clarinetes alto y bajo); Fred Frith (viola); Richard Sinclair y Hugh Hopper (bajo) y Laurie Allan (batería). Nick Mason (productor).
64 – Tangerine Dream Rubycon (1975)
País: Alemania
Estilo: Progressive Electronic /Space Rock / Krautrock
Rubycon y Phaedra son como las dos caras de una misma moneda por calidad creativa, importancia y por ser los dos mejores discos de Tangerine Dream.
Un único tema dividido en dos partes de similar duración para esta obra maestra del progresivo electrónico y uno de mis discos favoritos de todos los estilos.
Rubycon proyecta tensión angustiosa y vértigo inquietante, oscuridad, introspección y pasajes sonoros hipnóticos que sirven de excusa para el viaje astral. Música que penetra en tu cerebro y que te faculta para ver con los ojos cerrados.
Banda sonora de una película imaginaria de ciencia ficción o de 2001: A Space Odyssey.
Coros de terror y miedo, atmósferas espaciales e influencias de Atmosphères de György Ligeti.
Terapia de psicología transpersonal que cura miedos tras disipar la niebla.
No olvides: “ellos ponen la música, tú la imaginación”.
Formación: Edgar Froese (Mellotron, sintetizadores EMS Synthi A y VCS3, órgano, guitarra, gong), Christoph Franke (piano preparado, sintetizadores Moog y Synthi A, órganos, Elka modificado tr. 1, gong) y Peter Baumann (órgano, piano preparado, Fender Rhodes, sintetizadores EMS Synthi A y ARP 2600).
66 – Frank Zappa The Mothers Of Invention One Size Fits All (1975)
País: Estados Unidos
Estilo: RIO Avant-Prog, jazz-rock
“Inca Roads” brilla con luz propia por encima de un disco sin desperdicio.
La inolvidable e icónica “Inca Roads” fue grabada en directo en KCET TV Los Ángeles, excepto el solo de guitarra de Frank Zappa que fue grabado en vivo en Helsinki en 1974.
Jazz-rock de muchos quilates con el impactante solo de guitarra de Frank Zappa y el no menos destacado solo de George Duke a los teclados. “Can’t Afford No Shoes” es tan gamberra como la ironía y el humor de Frank Zappa; “Sofa No. 1” es una pequeña demostración de cómo decir mucho en poco tiempo; “Po-Jama People” es la disculpa perfecta para tocar la guitarra de manera superlativa y de paso de reírse de los que llevan pijama, ja, ja, ja… F.Z.
“Florentine Pogen” practica la ironía y el humor más divertido y otra vez gamberro, que a buen seguro influyó a Gong en su disco You. “Evelyn, a Modified Dog” una miniatura para la voz de Zappa y el piano de George Duke que se funde con “San Ber’dino” entre el rock, el blues y el funky, con la armónica de Captain Beefheart.
En “Andy” el jazz-rock inicial es fuente de inspiración de grupos como Colosseum II.
Con “Sofa No. 2” se termina un álbum clásico. Voces de opereta y mucho humor bien entendido.
Genial álbum de humor e ironía inteligente y composiciones complejas pero divertidas.
Formación: Frank Zappa (guitarras, voz; George Duke (teclados y voz); Napoleon Murphy Brock (saxo tenor, flauta y voz); Tom Fowler (bajo); Chester Thompson (batería); Ruth Underwood (vibráfono, marimba y percusión) con Captain Beefheart (armónica), James Youman (bajo) y Johnny «Guitar» Watson (coros).
67 – Pink Floyd Wish You Were Here (1975)
País: Reino Unido
Estilo: Space Rock
Las cosas que tienen la vida y la música, no solo es que Wish You Were Here, sea uno de los grandes hitos del progresivo histórico, con composiciones tan destacadas como la que da título al disco, “Wish You Were Here”, sino que además y hablando de esta misma pieza se da la particularidad de la participación del gran violinista de jazz Stephane Grappelli, hecho que no aconteció cuando el álbum se publicó ya que se creyó perdida la grabación. Solo años más tarde en el año 2011 y en la versión Experience Edition, es cuando aparece como bonus track en el segundo cd.
Nick Mason dijo al respecto: “Creo que esa fue la joya de la corona en particular y que esta es la versión que debería haber sido publicada en el álbum original de 1975”
Del resto de la obra y empezando por la icónica y espacial, “Shine On You Crazy Diamond (Part One)”, y que siempre pensé que pertenecía a The Dark Side Of The Moon, se pueden decir muchas cosas y todas buenas.
No hay duda. Da igual donde pongas los oídos, cualquier corte es bueno, “Welcome to the Machine”, “Have a Cigar” (Roy Harper vocal solista) o “Shine on You Crazy Diamond, Parts 6-9”.
Un clásico de nuestra memoria y nuestra vida.
Formación: David Gilmour (guitarra, lap steel guitar, Synthi AKS, efectos de cinta, voz principal); Richard Wright (teclados, VCS3, clavinet, coros); Roger Waters (bajo, guitarra, VCS3, efectos de cinta, voz principal); Nick Mason (batería, percusión, efectos de cinta).
Colaboran: Dick Parry (saxofón); Stephane Grappelli (violín); Roy Harper (voz); Carlena Williams y Venetta Fields (coros).
68 – Argent Circus (1975)
País: Reino Unido
Estilo: Rock progresivo ecléctico
Es una pena que a veces los fieles seguidores de un grupo no acepten de buen grado el cambio de estilo ni el abandono de uno de sus miembros emblemáticos, como es el caso de Russ Ballard.
Tengo que admitir que empecé a interesarme por Argent a raíz de la publicación de este Circus.
Y si lo hice fue por mi afinidad por el jazz, en este disco y el posterior y convincente, Counterpoints.
Este álbum conceptual y dedicado al circo, tal como reza el título del mismo, comienza como con un enjambre de abejas con la pieza homónima, “Circus”, que impresiona por el despliegue de teclados de Rod Argent. Inolvidable.
En “Highwire”, es John Grimaldi quien toma el timón con un solo de guitarra realmente convincente. “Clown” es una hermosa balada con armonías vocales y un destacado solo de sintetizador de Rod Argent. La siguiente composición, “Trapeze”, alberga jazz-rock y funk a partes iguales llevando el peso, una vez más, Rod Argent con otro buen solo de John Grimaldi.
“Shine On Sunshine”, es una balada a medio camino entre Queen y The Beatles. En “The Ring”, Rod Argent juega con su ambiental sintetizador moog para dar paso a otro corte de clara influencia de Queen, “The Jester”, que además se implementa con solo de piano al modo de Keith Emerson.
Elegí Circus pero pude decantarme por Counterpoints.
Formación: Rod Argent (teclados, voz); John Grimaldi (guitarra principal, violonchelo, mandolina, violín); Bob Henrit (batería); Jim Rodford (bajo) y John Verity (guitarra rítmica, bajo, voz).
Autor de la preciosa portada, Martin Springett.
69 – Mike Oldfield Ommadawn (1975)
País: Reino Unido
Estilo: Rock progresivo ecléctico
La portada Cristo-Mesiánica es ya emblemática o icónica, como se prefiera, para definir esta obra y guardarla en la memoria de todo aficionado al rock progresivo.
Después de la obra maestra, Tubular Bells el listón creativo estaba tan alto que parecía difícil de superar; no sé si llega a tanto Ommadawn pero pienso que al menos lo iguala.
Una única composición divida en dos partes y con sus subtemas correspondientes lo conforman. Caracterizado por un fuerte sincretismo que va desde el rock progresivo folclórico, el minimalismo, el folk celta, ritmos y coros africanos supuso un precedente de la World Music o la New Age.
En “Ommadawn Parte 2” se torna especialmente turbador el pasaje de la gaita del líder de Chieftains, Paddy Moloney, al igual que la inclusión de la folclórica e “infantil”, “The Horse Song” con la que finaliza el disco.
Formación: Mike Oldfield (guitarras acústicas, clásicas, de 12 cuerdas y eléctricas, bajos acústicos y eléctricos, mandolina, arpa, bouzouki, banjo, piano de cola, espineta, órgano Farfisa, sintetizadores ARP 2600, bodhrán, glockenspiel, acordeón, marimba, gong y campanas tubulares. Productor).
Colaboran: Paddy Moloney (gaita), Terry Oldfield (flauta del pan), Don Blakeson (trompeta), The Hereford City Band (metales), Leslie Penning (flautas dulces, director conjunto de metales), David Strange (violonchelo), Pierre Moerlen (timbales), William Murray (percusión), Conjunto Jabula; Julian Bahula, Ernest Mothle, Lucky Ranku, Eddie Tatane (tambores africanos), Sally Oldfield, Bridget St. John, Clodagh Simonds y Penrhos kids: Jason, Abigail, Ivan y Briony Griffiths (voces).
70 – Camel The Snow Goose (1975)
País: Reino Unido
Estilo: Rock progresivo sinfónico
En principio el tercer y conceptual álbum de Camel llevó por título Snow Goose pero problemas con el autor del cuento, Paul Gallico, La Gansa Blanca (recomiendo su lectura) pasó a denominarse Music inspired by The Snow Goose.
Un álbum troncal en el mundo del rock progresivo y el mejor de Camel, y uno de mis discos favoritos desde siempre. Una obra bella, serena y relajante que en mis primeras escuchas (hace ya muchos años) lo interpreté erróneamente como música ambiental.
La obra es instrumental a excepción de algunas partes corales. Contiene piezas hermosas y de enorme ternura, pero por encima de todo, lo recomendable es abordar la escucha desde el inicio hasta el final, tal como se haría en una sinfonía.
Imperdible.
Formación: Andrew Latimer( guitarras, flauta, voz); Peter Bardens (órgano, piano, Minimoog, Mellotron, voz), [celesta, clavinet & Fender Rhodes); Doug Ferguson (bajo, voz) y Andy Ward (batería y percusión).
Con: David Bedford (arreglista y director de la The London Symphony Orchestra).
71 – Steve Hackett Voyage Of The Acolyte (1975)
País: Reino Unido
Estilo: Rock progresivo sinfónico
Cuando hablamos de un cuento sonoro, de un disco encantador, hablamos del Voyage of the Acolyte. Una “preciosura” (“Hands of the Priestess, Part I”, “Hands of the Priestess, Part II”, “The Hermit” y “The Lovers”) como hubiera dicho un viejo amigo que ya no está entre nosotros.
Voyage of the Acolyte cuenta con la aportación de Kim Poor, la talentosa artista y esposa de Steve Hackett en la confección de la caratula, la cual, obtuvo el premio a la mejor portada del año.
El primer disco de Steve Hackett fuera del abrigo de Genesis, cuenta con dos de sus miembros: Phil Collins y Mike Rutherford. Las influencias de Genesis (“Ace of Wands” o “Star of Sirius”) son marcadas y se agradece y mucho en todas las composiciones, donde no desperdiciaría ninguna.
La preciosa voz de la hermana de Mike Oldfield, Sally Oldfield, canta en “Shadow of the Hierophant”, una pieza de influencias, no solo de Genesis, también de los primigenios King Crimson. Imperdible.
Formación: Steve Hackett (guitarra eléctrica y acústica, Mellotron, armonio, campanas, arpa automática, voz, efectos, arreglos y coproductor).
Colaboran: John Acock (sintetizador Elka Rhapsody, Mellotron, armonio, piano, coproductor); Mike Rutherford (pedales de bajo y bajo, guitarra fuzz de 12 cuerdas); Sally Oldfield (voz); Percy Jones y Johnny Gustafson (bajo); Phil Collins (batería, vibráfono, percusión, voz); John Hackett (flauta, sintetizador ARP, campanas); Robin Miller (oboe, corno inglés) y Nigel Warren-Green (violonchelo).
72 – Harmonium Si On Avait Besoin D’une Cinquième Saison (1975)
País: Canada
Estilo: Prog Folk
Grupo canadiense y letras en francés, más cercanos al folk que al rock.
Cinco piezas componen Si en avait besoin d’une cinquième saison. Las cuatro primeras correspondería a las cuatro estaciones meteorológicas del año, tal como hiciera Vivaldi, y la quinta a una estación imaginaria.
“Vert”, es la verde primavera; “Dixie”; es el verano; “Depuis l’automne” corresponde al otoño y “En pleine face” es el invierno.
“Vert” es ligera, alegre y fresca como una brisa a lomos de la flauta; “Dixie” se acerca al jazz de la mano del dixieland o el Charleston; en la preciosa “Depuis l’automne” algunos fragmentos corales en combinación con los teclados pueden rememorar a Genesis o Anthony Phillips en solitario y “En pleine face” es una hermosa balada para lucimiento del histórico sintetizador Ondes Martenot (Maurice Martenot).
La obra parte desde la sencillez y la belleza serena para embelesar a quien la escuche sobre todo desde la mini-suite de 17 minutos, “Histoires sans paroles”, una composición a modo de poema sinfónico lleno de matices y texturas sonoras, que van desde una tierna caja de música a paisajes misteriosos y a otros más felices, nostálgicos o melancólicos.
Formación: Serge Fiori (guitarras acústicas de 6 y 12 cuerdas, flauta de concierto, mandolina, arpa de cítara, bombo, platillos, cucharas, voz); Michel Normandeau (guitarra acústica, acordeón, dulcémele, voz); Serge Locat (piano y piano eléctrico, Mellotron, sintetizador); Pierre Daigneault (flautas de concierto y piccolo, saxofón soprano, clarinete y clarinete bajo, flauta dulce); Louis Valois (bajo, piano eléctrico, voz).
Colaboran: Marie Bernard (ondes Martenot), Judi Richards (voces) y Fred Torak (co-arreglista)
73 – Hatfield And The North The Rotters’ Club (1975)
País: Reino Unido
Estilo: Canterbury
The Rotters Club es el segundo y último trabajo de una de las grandes bandas Canterbury, el primero fue el homónimo Hatfield And The North, ya reseñado anteriormente.
Espectacular comienzo con “Share It”, destacando la voz de Richard Sinclair y el solo de MiniMoog de Dave Stewart. La instrumental “The Yes No Interlude” es fascinante y corre a buen ritmo, jazz-rock de constantes cambios que acaba abrazándose con “Fitter Stoke has a Bath” para completar una fusión convincente y maravillosa que acaba en un experimento.
Sin duda el momento álgido viene representado por la suite épica “Mumps”, dividida en cuatro subtemas: “Your Majesty is Like a Cream Donut (quiet)”, “Lumps”, “Prenu” y “Your Majesty is Like a Cream Donut (loud)”.
Phil Miller es la elegancia, The Northettes ponen las armonías vaporosas al servicio del resto de instrumentistas y Dave Stewart nos acerca con su órgano en fuzz al pasado de Caravan y su omnipresente In the Land of Grey and Pink.
Una de las mejores obras del Canterbury por belleza y complejidad.
Formación: Phil Miller (guitarras); Dave Stewart (órgano Hammond, Fender Rhodes, piano, MiniMoog, generador de tonos); Richard Sinclair (bajo, voz principal, guitarra); Pip Pyle (batería, percusión).
Colaboran: Mont Campbell (trompa); Lindsay Cooper (oboe, fagot); Jimmy Hastings (flauta, saxofones soprano y tenor); Tim Hodgkinson (clarinete); The Northettes: Amanda Parsons, Ann Rosenthal y Barbara Gaskin (coros).
74 – Hawkwind Warrior On The Edge Of Time (1975)
País: Reino Unido
Estilo: Psychedelic Space Rock
Psicodelia y rock espacial e incluso Krautrock, así es Warrior on the Edge of Time. Un viaje a los confines del universo subido a lomos de un cohete o más bien de una nave alienígena de energía inagotable y potente. Un álbum poderoso donde la riqueza instrumental lo inunda todo con entradas y salidas, ritmo frenético constante que te dejan sin aliento, sin tiempo para la pausa y para la reflexión, solamente vuela alto y no mires atrás.
Collage sonoro de carácter sinfónico-psicodélico que envuelve una obra coherente y sólida.
Al comienzo, de Warrior on the Edge of Time se mezclan “Assault & Battery – Part I” y “The Golden Void – Part II” y marcan el devenir del disco ofreciendo 10 minutos gloriosos.
A partir de aquí solo cabe el gozo y el disfrute sin remedio y sin saber por qué corte decidirme, escojo todos desde el principio hasta el fin.
No pierdas la oportunidad y súbete a este viaje lisérgico-alucinógeno de altos vuelos.
Formación: Dave Brock (voz, guitarra principal y de 12 cuerdas, órgano, sintetizador); Mike Moorcock (voces); Nik Turner (saxofón, oboe, flauta, voz); Simon House (teclados, mellotrón, violín); Ian «Lemmy» Kilminster (bajo, voz, guitarra principal y rítmica) y Simon King y Allan Powell (batería, percusión).
75 – Banco Del Mutuo Soccorso Banco (1975)
País: Italia
Estilo: Rock Progresivo Italiano.
Este álbum, al igual que ya hiciera PFM, supuso un lanzamiento del grupo al mundo anglosajón. Letras en inglés a excepción de “L’Albero Del Pane” que Francesco Di Giacomo canta en italiano.
Un gran disco, aunque haya quien lo pudiera considerar un recopilatorio, (formado por material de su homónimo álbum debut de 1972 y por Io Sono Nato Libero y la pieza inédita “L’Abero del Pane”) no es así, ya que las composiciones son nuevamente interpretadas y grabadas como un disco nuevo.
Un disco influenciado por ELP (“Metamorphosis”) de excelente calidad creativa donde se mezclan clásica, jazz y rock. Por destacar, destaco todos los temas, desde la obertura “Chorale”, pasando por “Outside”, “Leave Me Alone”, donde se luce “el Pavarotti” del Rock progresivo italiano, Francesco Di Giacomo, por cantante y por parecido físico. Con “Traccia II”, un tema de marcado carácter barroco que se sirve de los teclistas, Vittorio Nocenzi y Gianni Nocenzi finaliza un disco imperdible.
Formación: Francesco Di Giacomo (voz); Rodolfo Maltese (guitarra eléctrica y acústica, trompeta, coros); Vittorio Nocenzi (órgano, sintetizador, Mellotron (cuerdas), productor); Gianni Nocenzi (piano de cola, clarinete, sintetizador); Renato D’angelo (bajo, guitarra acústica) y Pier Luigi Calderoni (batería, percusión).
Tomajazz: © Enrique Farelo, 2022
