{"id":1436,"date":"2011-05-19T23:39:30","date_gmt":"2011-05-19T21:39:30","guid":{"rendered":"http:\/\/www.tomajazz.com\/web\/?p=1436"},"modified":"2016-11-13T21:05:33","modified_gmt":"2016-11-13T20:05:33","slug":"in-edit-beefeater","status":"publish","type":"post","link":"https:\/\/tomajazz.com\/web\/in-edit-beefeater\/","title":{"rendered":"IN-EDIT BEEFEATER"},"content":{"rendered":"<p style=\"text-align: justify\"><strong>Fecha: <\/strong>29 de octubre a 7 de noviembre de 2010<\/p>\n<p><strong>Lugar:<\/strong> Cines Aribau Club y Multisalas Aribau (Barcelona)<\/p>\n<p><strong>Pel\u00edculas comentadas:<\/strong>Johnny Mercer: The Dream\u2019s on Me (Bruce Ricker y Anthony Wall; Reino Unido, 2010; 100\u2019)<br \/>\nWho is Harry Nilsson (and why is everybody talkin\u2019 about him?) (John Scheinfeld; EE.UU., 2010, 116\u2019)<br \/>\nSounds and silence (Peter Guyer y Norbert Wiedmer; Suiza, 2009, 88\u2019)<br \/>\nTHE LAST POETS: Made in Amerikkka (Claude Santiago; Francia\/EE.UU., 2008, 52\u2019)<br \/>\nWhen You\u2019re Strange: A film about The Doors (Tom DiCillo; EE.UU., 2009, 86\u2019).<br \/>\nBarcelona era una festa (Underground 1970-1980) (Morrosko Vila-San-Juan; Espa\u00f1a, 2010, 56\u2019)<br \/>\nMonterey Pop (D.A. Pennebaker; EE.UU., 1968, 91\u2019)<br \/>\nZiggy Stradust and the Spiders from Mars (D.A. Pennebaker; EE.UU., 1973, 87\u2019)<\/p>\n<ul>\n<p style=\"text-align: justify\"><strong>Comentario<\/strong><strong>: <\/strong><\/p>\n<p style=\"text-align: justify\"><img loading=\"lazy\" decoding=\"async\" src=\"http:\/\/www.tomajazz.com\/visiojazz\/inedit\/in-edit_2010_1.jpg\" border=\"1\" alt=\"\" width=\"200\" height=\"200\" title=\"\"><\/p>\n<\/ul>\n<p style=\"text-align: justify\">Johnny Mercer: The Dream\u2019s on Me fue mi estreno en el In-Edit 2010. Un documental televisivo de factura un tanto convencional pero que lograba embaucarte gracias a la figura de Johnny Mercer, un aut\u00e9ntico mago de las palabras y de las canciones. A Mercer se le suele poner, con toda justicia, dentro del grupo de los grandes creadores del \u201cGreat American Songbook\u201d, es decir, Irving Berlin, los Gershwin, Cole Porter, Rodgers &amp; Hart, Oscar Hammerstein, Harold Arlen, Hoagy Carmichael, etc. Y si nos atenemos puramente al legado y al trabajo hecho, a la trayectoria (de Broadway a Hollywood), lo cierto es que es as\u00ed. No obstante, esta pel\u00edcula nos permite ver brevemente una serie de aspectos de Mercer que, a\u00fan sin sacarlo de ese grupo, matizan su figura y le dan otras explicaciones. Por ejemplo, su relaci\u00f3n con las palabras y sus timbres. Como jugaba con los sentidos, dobles y m\u00faltiples que a veces encierran las palabras. Buscando su eufon\u00eda. Desatando juegos ir\u00f3nicos, perversos o inocentes. O bien cultivando iconolog\u00edas dentro de los temas, desde las m\u00e1s t\u00f3picas (\u201cOne for My Baby (and One More for the Road)\u201d) a las m\u00e1s tradicionales, o logrando crear con una letra un ambiente a\u00fan m\u00e1s misterioso que el de la m\u00fasica ya escrita (caso de \u201cLaura\u201d, el tema de la pel\u00edcula de Preminger); hablando abiertamente de sus problemas personales con el alcohol (\u201cThese orchids\u201d); recuperando im\u00e1genes de su amado Sur para transportarlas, debidamente recreadas, a la radio (\u201cJeepers, Creepers!\u201d); pero tambi\u00e9n fabricando temas que devendr\u00edan <em>standards<\/em> integrales de jazz, tanto en letra como en m\u00fasica (\u201cSatin Doll\u201d, \u201cTrav\u2019lin Light\u201d, \u201cSkylark\u201d, \u201cCome Rain or Come Shine\u201d). Es decir, siempre puso algo de s\u00ed en sus letras o m\u00fasicas, y para ello se fij\u00f3 no s\u00f3lo en el resto de sus colegas autores, a los que admiraba sin reservas, sino en el mundo de las palabras, de literatos como Twain, de las peculiaridades del lenguaje, de la tradici\u00f3n oral y las voces de su sur natal (era de Savannah, Georgia), de la lengua criolla, etc. Vemos tambi\u00e9n su trayectoria, desde la importancia inicial del blues (que siempre ser\u00e1 importante para \u00e9l), su paso por el teatro en Nueva York, la \u00e9poca en Hollywood, con el swing, las pel\u00edculas, su breve y fruct\u00edfera alianza con Harold Arlen o la fundaci\u00f3n del sello Capitol; hasta esa etapa final (pos swing) en la que, como ocurre con John Ford y Alfred Hitchcock, se siente que si no es cuando hace su mejor trabajo s\u00ed es cuando \u00e9ste se vuelve m\u00e1s esencial y condensado (\u201cMoon River\u201d, \u201cDays of Wine and Roses\u201d, \u201cEmily\u201d). Buena parte de toda esta informaci\u00f3n procede de dos viejos programas de la BBC en los que Humphrey Lyttelton entrevistaba en profundidad a Mercer. Son las joyas del documental, sin duda, que en otros momentos te entierra con tal cantidad de material de archivo que no tienes tiempo de digerirlo debidamente. Por otra parte, la realizaci\u00f3n es correcta, con una producci\u00f3n de <em>qualit\u00e9 made by Clint Eastwood<\/em>, pero con algunas objeciones importantes a hacer. Por ejemplo, todas esas intervenciones de Eastwood y amigos varios (que si Jamie Cullum, que si John Williams) cont\u00e1ndose cosas que son irrelevantes en el contexto del documental; o bien cantando y tocando piezas de Mercer, como Dr. John (bien, pero accesorio) o una hija adolescente y cantante del cineasta (que amenaza con ser el siguiente lanzamiento de la familia). Todo ello, especialmente durante los primeros 20 minutos del film, frena el relato sobre Mercer, que es lo que realmente importa. Parecer\u00eda como si adem\u00e1s de producir (lo que ya es meritorio de por s\u00ed) el se\u00f1or Eastwood tuviera que figurar. <em>Anyway<\/em>, un film interesante para todos aquellos interesados en Mercer o en el cancionero norteamericano cl\u00e1sico.<\/p>\n<ul>\n<p style=\"text-align: justify\"><img loading=\"lazy\" decoding=\"async\" src=\"http:\/\/www.tomajazz.com\/visiojazz\/inedit\/in-edit_2010_2.jpg\" border=\"1\" alt=\"\" width=\"300\" height=\"210\" title=\"\"><\/p>\n<\/ul>\n<p style=\"text-align: justify\">Y, de songwriter a songwriter, esa misma tarde ca\u00eda otro biodoc de un nombre igual de b\u00e1sico en la m\u00fasica popular norteamericana. La figura del cada vez m\u00e1s venerado Nilsson se nos presenta en Who is Harry Nilsson (and why is everybody talkin\u2019 about him?). Lo de Nilsson es, como dir\u00edan los americanos, bigger than life. Por su aportaci\u00f3n musical, por su voz, por su vida, por sus excesos y por sus \u00e9xitos, todo ello en cantidades no precisamente homeop\u00e1ticas. Nilsson hizo muchas cosas antes que nadie y las que hizo despu\u00e9s las hizo, normalmente, mejor. Entre las primeras, grabar a\u00fan en los 60 todas las voces de un disco, incluyendo todos los registros de un coro (voces masculinas y femeninas). Es reconocido por todo el mundo que su voz fue un instrumento musical inigualable, instrumento que se quebr\u00f3 definitivamente a mediados de los 70 por culpa de los excesos varios que a si mismo se inflig\u00eda (luego comentaremos su personalidad). Por otro lado, como arreglista, y en cierto sentido como compositor, demostr\u00f3 hacer las cosas como nadie. Ah\u00ed est\u00e1 el disco Nilsson sings Newman (1969), en el que consigue superar incluso los originales de Randy Newman. Y, no s\u00f3lo eso, como alumno aventajado de tantos talentos (desde The Beatles hasta los cl\u00e1sicos del cancionero norteamericano) demostr\u00f3 hacer las cosas sino mejor igual de bien \u2013aunque con frecuencia, mejor\u2013. Por otro lado, es s\u00f3lo en parte incomprensible que su obra hubiera quedado tanto tiempo arrinconada en el desv\u00e1n de la m\u00fasica pop ya que \u00e9l nunca hizo giras y sus actuaciones en directo fueron muy contadas. Asimismo, tampoco se avino a los t\u00edpicos programas promocionales de las discogr\u00e1ficas. De joven, como autor de canciones para otros, ya hab\u00eda tenido alg\u00fan contacto en Los Angeles con el tinglado del show business, y es algo que dej\u00f3 de interesarle r\u00e1pido. Pero, a\u00fan y sin contar con todo el aparato promocional, entre finales de los 60 y principios de los 70, y los m\u00e1s mayores probablemente lo recuerden, logr\u00f3 encadenar una serie de \u00e9xitos no s\u00f3lo en EE.UU. sino en todo el mundo. Lo que nos lleva a una de las cuestiones clave de Nilsson, y es que fue de esa clase de artistas que logr\u00f3 conciliar una voluntad de ser popular con el deseo de experimentar y probar cosas nuevas.<\/p>\n<p style=\"text-align: justify\">El documental de John Scheinfeld hace un recorrido por toda la trayectoria vital y art\u00edstica de Nilsson, sacando a flote una ingente cantidad de material visual y sonoro, desde grabaciones de TV, entrevistas, filmaciones caseras o de las sesiones de grabaci\u00f3n de los discos y, naturalmente, todo ello pespunteado con las tomas de las entrevistas de rigor con amigos, familiares y artistas (Newman, Van Dyke Parks, Al Kooper, Brian Wilson, el productor Richard Perry, el cineasta Terry Gilliam o los actores Eric Idle y Robin Williams), que lo conocieron. El documental incide bastante en la vida personal de Nilsson, desde su nacimiento en Brooklyn, cuando queda hu\u00e9rfano a\u00fan adolescente y decide cruzar el pa\u00eds para dedicarse a la m\u00fasica en California, sus primeros \u00e9xitos (su versi\u00f3n de \u201cEverybody\u2019s Talkin\u2019\u201d, que el film Cowboy de medianoche har\u00e1 mundialmente famosa), su primer matrimonio y su primer hijo, la incapacidad de ser padre, sus amistades con personajes c\u00e9lebres y excesos de todo tipo, que terminar\u00e1n por pasarle una inaplazable factura, el impacto de la muerte de su amigo Lennon, que le llevar\u00e1 a meterse en una larga campa\u00f1a personal por la reducci\u00f3n de armas de fuego, la bancarrota, su \u00faltima familia y la muerte con 52 a\u00f1os. Una vez m\u00e1s, se tiene la sensaci\u00f3n como espectador de ser aplastados por la cantidad de material de archivo que despliega el documental, pero trat\u00e1ndose del primero dedicado a Nilsson, tal vez no hab\u00eda otra manera de hacerlo. Para acabar, un detalle que ilustra la vida y la imagen que dio, y que nos cuenta Eric Idle del d\u00eda del entierro de Nilsson: mientras estaban en el cementerio en Los Angeles, hubo uno de los temblores de tierra del famoso terremoto de enero de 1994, aquel que, como recordar\u00e1n, hizo caer autopistas enteras como si fueran piezas de un scalextric. Como ironiza Idle, debi\u00f3 ser \u201cporque Harry hab\u00eda llegado al cielo y los bares estaban cerrados\u201d.<\/p>\n<ul>\n<p style=\"text-align: justify\"><img loading=\"lazy\" decoding=\"async\" src=\"http:\/\/www.tomajazz.com\/visiojazz\/inedit\/in-edit_2010_3.jpg\" border=\"1\" alt=\"\" width=\"300\" height=\"169\" title=\"\"><\/p>\n<\/ul>\n<p style=\"text-align: justify\">Cambio de tercio. \u201cDe viaje con Manfred Eicher\u201d es el subt\u00edtulo de Sounds and silence, y algo de eso hay, pues en buena parte del metraje de esta cinta suiza seguimos al productor alem\u00e1n por un mont\u00f3n de lugares y rincones en los que su sello ECM tiene a m\u00fasicos de la escuder\u00eda, desde Estonia a Salta, en Argentina, de Cartago a Copenhague, y por supuesto en Munich. Lo que ya de entrada nos lleva a corregir una idea que siempre se asocia al sello germano, y es la de tener una est\u00e9tica fr\u00eda y que tiende hacia lo noreuropeo. Esto derivar\u00eda de un conocimiento incompleto del trabajo que ha desarrollado el sello, pues si una influencia era palpable en sus inicios en los 70 era, adem\u00e1s de un cierto tipo de jazz norteamericano que entonces se encontraba \u201cexiliado\u201d en Europa, la confluencia entre lo oriental y lo occidental; y s\u00f3lo algo m\u00e1s tarde se tomar\u00eda, s\u00f3lo como una v\u00eda abierta m\u00e1s, esa pretendida \u201cest\u00e9tica\u201d \u2013que no es tal\u2013 n\u00f3rdica. Y este tipo de visi\u00f3n esclarecedora y hasta desmitificadora es uno de los puntos m\u00e1s destacables de Sounds and silence. Nos ayuda a entender cu\u00e1l es la naturaleza real del trabajo que lleva a cabo Eicher, apartando lo superfluo y lo err\u00f3neo. Se nos muestra la dedicaci\u00f3n y entrega que Eicher pone en cada proyecto, en cada momento. Ya sea en una capilla de Tall\u00edn, preparando la grabaci\u00f3n de una pieza con orquesta y coro de Arvo P\u00e4rt; forzando a los t\u00e9cnicos del estudio muniqu\u00e9s a capturar una cualidad del sonido del piano de Nik B\u00e4rtsch antes de que escape por entre los controles de mesa y las excesivas monitorizaciones; ayudando a sonorizar personalmente un concierto de Anouar Brahem en Munich; o bien solucionando una compleja toma sonora de la banda municipal de Bergamo que acompa\u00f1\u00f3 a Gianluigi Trovesi en su proyecto sobre la \u00f3pera. Todos estos viajes son escalas en las que el apasionamiento del productor va reportando sus frutos. En contrapartida, a los m\u00fasicos visitados siempre se les ve confiados con la figura y solvencia de Eicher. O en la misma cuesti\u00f3n gr\u00e1fica, tan marcada e indisociable del sello. Ah\u00ed tambi\u00e9n lo vemos trabajando con sus dise\u00f1adores en su enorme banco de im\u00e1genes y fotograf\u00edas, asign\u00e1ndolas a cada disco con una vocaci\u00f3n m\u00e1s artesanal que est\u00e9tica (otro t\u00f3pico que hay que replantear, pues). Llegados a un punto, Eicher deja claro que para \u00e9l lo importante es la m\u00fasica, y que las t\u00e9cnicas de grabaci\u00f3n y el trabajo con el sonido (\u201cbuscar los rastros de un cometa\u201d) tienen como \u00fanica finalidad el registrarla de la manera m\u00e1s fiable y verista (\u201cacercarse a la realidad\u201d). As\u00ed pues, el sonido como fen\u00f3meno ac\u00fastico puro no es lo primordial para \u00e9l. La grabaci\u00f3n es tan solo la manera en la que obtener otra cosa, la manera de restaurar (o potenciar) su esencia comunicadora. La historia lo dir\u00e1, pero una de las grandes aportaciones de Eicher tal vez sea la de haber recuperado esta noci\u00f3n para el \u00e1mbito de la nuevas m\u00fasicas.<\/p>\n<p style=\"text-align: justify\">Hay que se\u00f1alar la impecable factura del film, que presenta unas dificultades t\u00e9cnicas a la hora de grabar a ciertos m\u00fasicos que son derivadas de la meritoria actitud de los realizadores, en pos siempre de no intervenir y de ser todo lo invisible que se puede ser en un rodaje. Y, por entre medio, algunas perlas recogidas por sus c\u00e1maras, como el ensayo entre Dino Saluzzi y Anja Lechner, en el que el primero le dice a la cellista que no hay por que ir tan al tiempo; una preciosa versi\u00f3n de \u201cThe Lover\u2019s Appeal\u201d del tr\u00edo de Trovesi, Umberto Petrin y Fulvio Maras; o una preciosa improvisaci\u00f3n en el comedor de un hotel entre el mismo Trovesi y el acordeonista Gianni Coscia (entre los que hay una entra\u00f1able discusi\u00f3n sobre si el clarinete es mejor que el acorde\u00f3n o al rev\u00e9s, que parece extra\u00edda de la Prova d\u2019orchestra de Fellini\u2026 como buenos italianos).<\/p>\n<ul>\n<p style=\"text-align: justify\"><img loading=\"lazy\" decoding=\"async\" src=\"http:\/\/www.tomajazz.com\/visiojazz\/inedit\/in-edit_2010_4.jpg\" border=\"1\" alt=\"\" width=\"200\" height=\"286\" title=\"\"><\/p>\n<\/ul>\n<p style=\"text-align: justify\">Vuelta a EE.UU. con THE LAST POETS: Made in Amerikkka, una producci\u00f3n francesa que documenta la reuni\u00f3n que los poets originales (faltaba uno, aunque no se dice por qu\u00e9) llevaron a cabo con motivo de un \u00fanico concierto que ofrecieron en el festival de Banlieues Bleues de 2008, en Par\u00eds. La cinta, de apenas una hora, no es retrospectiva sino que aprovecha los ensayos previos al concierto y el mismo concierto (en el que estuvieron muy bien acompa\u00f1ados por Robert Irving III, Jamaladeen Tacuma, Ronald Shannon Jackson y Kenyatte Abdur-Rahman) para recrearse en los mismos o para charlar con cada uno de los poets. No tiene nada de nost\u00e1lgico pues y lo que pone de manifiesto es la coherencia e integridad de estos tipos. Al final resulta que aquellos locos han resultado ser la gente m\u00e1s sensata, y que buena parte de lo que denunciaban o de lo que advert\u00edan iba a ocurrir, sigue pasando y ha ocurrido. La cr\u00edtica antiimperialista que esgrim\u00edan en los 60\/70, iba tambi\u00e9n dirigida a su propio pueblo, los niggers que segu\u00edan el cuento estando m\u00e1s pendientes de pelearse entre ellos o de follar que de ver lo que estaba pasando, resign\u00e1ndose al destino que les ven\u00eda dado. Esto lo hacen extensible al d\u00eda de hoy, y mientras aceptan que ellos son los padres del hip hop, no transigen con la actitud de muchos raperos actuales, especialmente los del gangsta rap, siempre engalanados en oro, ebrios de champagne y al mando de veloces coches\u2026 y al resto \u00a1que le den! Al mismo tiempo, recapacitan sobre lo ocurrido en estas \u00faltimas d\u00e9cadas y sobre la irrupci\u00f3n de una clase media de color, para poner en entredicho la obtenci\u00f3n de dicho status. Musicalmente, hay que destacar el br\u00edo que siguen mostrando, la energ\u00eda de su groove, que comprende elementos musicales del sur, de las ciudades del norte y caribe\u00f1os, y ese juego r\u00edtmico con las palabras, haciendo percutir sus sonidos pero tambi\u00e9n sus significados. Efectivamente, los padres del hip hop y de la poes\u00eda callejera. Me quedo con una frase, creo que de Babatunde, que deja entrever, a pesar de todo lo dicho, su optimismo: \u201chay que repensar Am\u00e9rica\u201d. OK, y despu\u00e9s vengan a Europa.<\/p>\n<ul>\n<p style=\"text-align: justify\"><img loading=\"lazy\" decoding=\"async\" src=\"http:\/\/www.tomajazz.com\/visiojazz\/inedit\/in-edit_2010_5.jpg\" border=\"1\" alt=\"\" width=\"200\" height=\"296\" title=\"\"><\/p>\n<\/ul>\n<p style=\"text-align: justify\">Respecto al film sobre The Doors, When You\u2019re Strange, del cineasta y viejo colaborador de Jim Jarmusch, Tom DiCillo, se presentaba como la \u201cvisi\u00f3n\u201d definitiva y una especie de desagravio respecto de la biopic que en 1991 perpetr\u00f3 Oliver Stone sobre el grupo angelino (idea que en realidad hab\u00eda difundido Ray Manzarek, el viejo teclista de la banda). Es cierto que el film de Stone era infecto, superficial y que nos presentaba a un Jim Morrison idiota; pero, cabe preguntarse, \u00bfes que alguien se esperaba otra cosa de dicho proyecto y dicho director? Dejando a un lado esto, el film-documento de DiCillo no logra tampoco, al menos a mi juicio, penetrar en la esencia del grupo que, m\u00e1s all\u00e1 de su m\u00fasica y del contexto en que vivieron, no es otra que la f\u00e9rtil imaginaci\u00f3n po\u00e9tica de Morrison. Sin embargo, el planteamiento de este documental sigue insistiendo en marcar la historia de The Doors con las muescas de esa otra Historia (Vietnam, disturbios raciales, represi\u00f3n policial, estudiantes muertos en Kent State) sin penetrar en el por qu\u00e9 de esa relaci\u00f3n y en c\u00f3mo la estaban exponiendo Morrison y la banda con sus letras y m\u00fasica. Y aunque no se recurre a las consabidas entrevistas con amigos y colaboradores, lo que es de agradecer, la locuci\u00f3n pierde la oportunidad de hacernos entrar en el agitado mundo de The Doors para seguir alimentando los componentes m\u00e1s escandalosos y folkl\u00f3ricos, que si arrestos, melopeas, salidas de tono\u2026 En cuanto a material de archivo, empleado con profusi\u00f3n, hay que decir que el mejor de todos, que es usado para vertebrar visualmente el documental, es el que nos muestra a Jim Morrison protagonizando varias escenas como una especie de autostopista-asesino; pero, al mismo tiempo hay que decir que no es un material ni tan nuevo ni in\u00e9dito, ya que procede de dos mediometrajes que en 1969 realiz\u00f3 Jim Morrison con la ayuda de Frank Lisciandro, Paul Ferrara y Babe Hill. Se trata de Feast of Friends y HWY: An American Pastoral. Es cierto que dichas filmaciones apenas fueron vistas en su momento, pero otros documentales sobre el grupo ya las hab\u00edan empleado parcialmente, caso del estadounidense No One Here Gets Out Alive (Gordon Forbes, 1981) o del franc\u00e9s Le monde tout de suite (Pascal Mercier, 1991). En fin, tuve la sensaci\u00f3n, como en estos dos documentales mencionados, que se volv\u00eda a desperdiciar la posibilidad de hacer un viaje al interior de la obra de The Doors, y especialmente de su piedra de toque, la poes\u00eda de Morrison.<\/p>\n<ul>\n<p style=\"text-align: justify\"><img loading=\"lazy\" decoding=\"async\" src=\"http:\/\/www.tomajazz.com\/visiojazz\/inedit\/in-edit_2010_6.jpg\" border=\"1\" alt=\"\" width=\"300\" height=\"201\" title=\"\"><\/p>\n<\/ul>\n<p style=\"text-align: justify\">Al documental catal\u00e1n Barcelona era un festa (Underground 1970-1980), que trata de reflejar la efervescencia contracultural y libertaria que en esa d\u00e9cada se dio en la capital catalana, le pasa un poco lo que al film anterior, que no consigue zafarse de ciertos t\u00f3picos y generalizaciones que rondan por ah\u00ed. En primer lugar, esa idea de \u201cfiesta\u201d, as\u00ed, sin ning\u00fan matiz, es m\u00e1s que discutible, sobre todo si pensamos en los que se quedaron por el camino. Pero, tambi\u00e9n, porque no es lo mismo la Barcelona en la que se dan las Jornadas Libertarias, en 1977, que la de la ejecuci\u00f3n de Puig Antich, en 1974. Entre otras cosas, porque en \u00e9sta hay miedo, en aqu\u00e9lla no (o no tanto). En todo caso, en una Barcelona y en otra siempre hubo esperanza, es verdad, pero eso ya no es fiesta. Por otro lado, entre los que aparecen entrevistados en el documental, las aportaciones son muy irregulares. Tenemos desde gente que dice cosas juiciosas (Montesol, Onliy\u00fa, Pau Riba), hasta los que no sueltan m\u00e1s que chorradas (Mariscal). Tambi\u00e9n hay intervenciones que desconciertan, como alguna de Quim Monz\u00f3 (\u201cs\u00f3lo han quedado los buenos\u201d, que seg\u00fan \u00e9l eran los que trabajaban), que podr\u00edamos situar entre el chascarrillo y un espasmo que aunque \u00e9l no quiera lo mueve al absurdo (ab: hacia; surdo: persona que se maneja mejor con la mano izquierda para lo que sea que haga con ella. Fuente: Accidents Polipo\u00e8tics). Y entre todo ello, demasiado anecdotario personal. Pero, el principal problema, insisto, es lo dispar de esos a\u00f1os, ese corte entre \u00e9pocas. Esta dificultad la pon\u00eda de manifiesto recientemente el fil\u00f3sofo Miguel Morey en un art\u00edculo en el suplemento \u201cCultura\/s\u201d de \u201cLa Vanguardia\u201d: \u201cCuando llegue el momento de analizar en profundidad lo que fue aquella Barcelona de la transici\u00f3n, los analistas se encontrar\u00e1n con no pocas sorpresas, tanto por la complejidad y riqueza de lo que tuvo lugar como por la disparidad entre el modo nost\u00e1lgico con el que perduran aquellos a\u00f1os prodigiosos (\u2026) y la evidencia de la dur\u00edsima represi\u00f3n que acompa\u00f1\u00f3 los \u00faltimos coletazos del r\u00e9gimen franquista\u201d. Pues bien, esta \u201cfiesta\u201d no acaba de captar esa \u201ccomplejidad y riqueza\u201d a la que se refiere Morey, as\u00ed de sencillo. Creo que, como ocurrir\u00eda con un macro festival que hubiera tenido lugar hace a\u00f1os, ser\u00eda m\u00e1s interesante conocer la opini\u00f3n y vivencias de la audiencia que las de los que se encontraban sobre el escenario pues, para retratar una \u00e9poca con ciertas garant\u00edas hay que contar con una buena legi\u00f3n de \u201csin nombre\u201d. Nos queda, eso s\u00ed, el buen contingente de material gr\u00e1fico que el documental no deja de sacar en pantalla, desde c\u00f3mics, arte, revistas y fotograf\u00edas, hasta material videogr\u00e1fico de la \u00e9poca procedente de los archivos de Video- Nou y de otros colectivos similares. Aunque tambi\u00e9n hay alguna trampa, como poner im\u00e1genes del film del festival ingl\u00e9s de Isle of Wight, aunque se mencione la procedencia: si no se tiene acceso al material de Canet, por ejemplo, no se pone nada y punto.<\/p>\n<p style=\"text-align: justify\">Retrospectiva de D.A. Pennebaker y Chris Hegedus<\/p>\n<ul>\n<p style=\"text-align: justify\"><img loading=\"lazy\" decoding=\"async\" src=\"http:\/\/www.tomajazz.com\/visiojazz\/inedit\/in-edit_2010_7.jpg\" border=\"1\" alt=\"\" width=\"200\" height=\"245\" title=\"\"><\/p>\n<\/ul>\n<p style=\"text-align: justify\">Dentro de la restrospectiva dedicada al documentalista D.A. Pennebaker, que a partir de mediados de los 70 formar\u00eda binomio con Chris Hegedus, elegimos como muestra el largometraje Monterey Pop (1968) en detrimento de su gran obra de esos primeros a\u00f1os que es Don\u2019t Look Back (1965), el m\u00edtico film sobre la gira brit\u00e1nica de Bob Dylan que, adem\u00e1s de ser probablemente el primer documental de rock de la historia (al menos tal y como entendemos hoy el g\u00e9nero), en muchos aspectos \u2013t\u00e9cnicos, cinematogr\u00e1ficos, documentales\u2013 sigue hoy insuperado. La raz\u00f3n para ello es que hace un par de a\u00f1os se edit\u00f3 una estupenda caja de dos DVD que conten\u00eda el film en s\u00ed y un mont\u00f3n de secuencias in\u00e9ditas y material complementario, y que por tanto el aficionado ya conocer\u00e1. Por otra parte, Monterey Pop fue tambi\u00e9n un hito, ya que inaugur\u00f3 el subg\u00e9nero del \u201cfilm-festival\u201d, del que la obra m\u00e1s emblem\u00e1tica sigue siendo Woodstock (Michael Wadleigh, 1970). Sin embargo, el film de Pennebaker, filmado en el festival californiano de Monterey en 1967, adem\u00e1s de adelantarse en un par de a\u00f1os, ser\u00eda tambi\u00e9n un gran \u00e9xito en las pantallas estadounidenses y brit\u00e1nicas; y mostrar\u00eda una forma de realizar por parte de Pennebaker harto distinta de la de los realizadores de Woodstock, debido sin duda a que \u00e9l, junto a sus amigos Richard Leacock y los hermanos Maysles (algunos de ellos tambi\u00e9n operadores de c\u00e1mara en este film), fueron los impulsores del movimiento del \u201ccine directo\u201d en los EE.UU. a principios de los 60, una forma documental que supuso una renovaci\u00f3n tanto t\u00e9cnica como \u00e9tica respecto de sus precedentes.<\/p>\n<p style=\"text-align: justify\">Originariamente el proyecto sobre el festival de Monterey deb\u00eda ser para la televisi\u00f3n. Cuando Pennebaker y sus colaboradores visionaron los rushes de material, se dieron cuenta de que merec\u00eda la pena hacerse un largometraje cinematogr\u00e1fico con todo ello. Y no se equivocaron. Ya desde los cr\u00e9ditos de inicio, realizados de un modo casero y a contracorriente, nos damos cuenta de que vamos a ver un trabajo hecho con esp\u00edritu amateur pero con rigor y un gran sentido del cine. Sin contar con apenas infraestructura t\u00e9cnica, Pennebaker y su equipo registraron el acontecimiento poniendo el \u00e9nfasis en lo realmente significativo para ellos. Por un lado, captando breves impresiones del recinto, de las actividades dentro de \u00e9l (los chiringuitos, el camping) y de los asistentes (reacciones, en los sacos de dormir), y creando una escuela que seguir\u00e1n todos los film-festivals posteriores, desde Woodstock hasta nuestro Canet Rock (1976). Del otro, filmando a los m\u00fasicos de un modo muy preciso, con un gran surtido de primeros planos y planos medios, con leves variaciones, que les permiten resaltar m\u00e1s la persona que el personaje. Las filmaciones de las actuaciones est\u00e1n desprovistas de cualquier teatralizaci\u00f3n, lo que es otro punto a su favor. Hay, por encima de todo, un inter\u00e9s informativo loable, pero por la \u201cinformaci\u00f3n\u201d tal y como entonces se entend\u00eda.<\/p>\n<p style=\"text-align: justify\">Respecto a las actuaciones en s\u00ed, empezar diciendo que me resulta inexplicable que no se incluyera en el montaje final el tema de Quicksilver Messenger Service \u201cDino\u2019s Song\u201d, que existe pues corre por la red. Y respecto a lo que s\u00ed hay, hablar del concierto de Hendrix, que ha quedado como un icono no s\u00f3lo de esta pel\u00edcula sino del rock en general, y concretamente en la c\u00e9lebre versi\u00f3n que hizo con su Experience de \u201cWild Thing\u201d, en la que el guitarrista acaba arrodillado quemando su Stratocaster. En ese momento, Hendrix destroz\u00f3 el tema, la guitarra y me temo que una cierta manera de entender el rock, para siempre. Un inter\u00e9s especial, al menos para m\u00ed, ten\u00eda el ver la actuaci\u00f3n de Jefferson Airplane, que en la pel\u00edcula aparecen interpretando dos temas, \u201cHigh Flyin\u2019 Bird\u201d y \u201cToday\u201d. La leyenda dice que Jean-Luc Godard qued\u00f3 prendado de estos fragmentos y propuso a Pennebaker realizar un proyecto que, en el estilo de su anterior One plus one, deb\u00eda ser un retrato de los EE.UU. tomando como ejes el Black Panther Party, un banquero de Wall Street y el trabajo de Jefferson Airplane. El proyecto deb\u00eda titularse \u201cOne A.M. (One American Movie)\u201d, y aunque se film\u00f3 lo suficiente para acabarlo, el realizador franc\u00e9s dej\u00f3 el montaje en manos de Pennebaker para regresar a Europa. Finalmente, Pennebaker hizo One P.M., algo as\u00ed como \u201cOne Pennebaker Movie\u201d, aunque Godard, con su habitual iron\u00eda, lo rebautiz\u00f3 como \u201cOne Parallel Movie\u201d. Pero, volvamos a la cuesti\u00f3n, \u00bfqu\u00e9 pudo interesar tanto a Godard de los de Frisco? Pues, varias cosas. De entrada sus letras, comprometidas y de mucha calidad, cualidades ambas que raramente se dan juntas. Y, tambi\u00e9n, porque representan como nadie la idea de \u201ctrabajo colectivo\u201d: tanto musicalmente, con su reasignaci\u00f3n de lo solista en el contexto del grupo; como en las letras, escritas por el equipo que formaban Balin, Kantner y Slick. Por no hablar de su irresistible sentido del ritmo. Todo lo cual se aprecia bien en su breve aparici\u00f3n en Monterey Pop. Hay que decir tambi\u00e9n que de la ingente cantidad de material no utilizado por Pennebaker en el montaje final, surgir\u00edan a\u00f1os m\u00e1s tarde dos pel\u00edculas consagradas a las actuaciones individuales que en Monterey dieron la Jimi Hendrix Experience (Jimi plays Monterey, 1986) y Otis Redding (Shake: Otis at Monterey, 1989), adem\u00e1s de muchos extractos para otros de sus films.<\/p>\n<ul>\n<p style=\"text-align: justify\"><img loading=\"lazy\" decoding=\"async\" src=\"http:\/\/www.tomajazz.com\/visiojazz\/inedit\/in-edit_2010_8.jpg\" border=\"1\" alt=\"\" width=\"300\" height=\"155\" title=\"\"><\/p>\n<\/ul>\n<p style=\"text-align: justify\">Y vamos a acabar este cap\u00edtulo final sobre Pennebaker mencionando otro de sus films importantes de los 70, Ziggy Stardust and the Spiders from Mars, de 1973. Como Monterey Pop, tambi\u00e9n se centra en un concierto, el que David Bowie ofreci\u00f3 en el Hammersmith Odeon de Londres la noche del 3 de julio de 1973, concierto con el que cerrar\u00eda esa gira y, al mismo tiempo, con el que dar\u00eda por finiquitada la \u00e9poca de Ziggy Stardust. El camale\u00f3nico Bowie nos es mostrado entre el escenario y sus constantes visitas al camerino para cambiarse de vestuario, y nada m\u00e1s que eso. No hay entrevistas, no dice nada a c\u00e1mara, sencillamente su actividad y su trabajo. Pero, eso le basta a Pennebaker para montar un magn\u00edfico retrato de un artista y de un rockero complejo como pocos. El mundo din\u00e1mico, pl\u00e1stico y muy teatral del londinense es filmado por entre sus intersticios, evitando lo espectacular y qued\u00e1ndose en ese \u00e1mbito personal y cercano que permite apreciar, mejor que ninguna entrevista, la determinaci\u00f3n de Bowie por hacer borr\u00f3n y cuenta nueva en su carrera. Como dice su canci\u00f3n \u201cOh, You Pretty Things\u201d: Don&#8217;t you know you&#8217;re driving your \/ Mamas and papas insane \/ Let me make it plain \/ You gotta make way for the homo superior. Y a otra cosa.<\/p>\n<ul>\n<p style=\"text-align: right\">\u00a9 2010 Jack Torrance<\/p>\n<\/ul>\n<p style=\"text-align: justify\">\nLas fotograf\u00edas, salvo la portada del disco de Johnny Mercer, son fotogramas o los carteles de cada una de las pel\u00edculas comentadas<\/p>\n","protected":false},"excerpt":{"rendered":"<p>Fecha: 29 de octubre a 7 de noviembre de 2010 Lugar: Cines Aribau Club y Multisalas Aribau (Barcelona) Pel\u00edculas comentadas:Johnny Mercer: The Dream\u2019s on Me (Bruce Ricker y Anthony Wall; Reino Unido, 2010; 100\u2019) Who is Harry Nilsson (and why is everybody talkin\u2019 about him?) (John Scheinfeld; EE.UU., 2010, 116\u2019)<span class=\"more-link\"><a href=\"https:\/\/tomajazz.com\/web\/in-edit-beefeater\/\">Contin\u00faa leyendo<\/a><\/span><\/p>\n","protected":false},"author":4,"featured_media":0,"comment_status":"open","ping_status":"closed","sticky":false,"template":"","format":"standard","meta":{"jetpack_post_was_ever_published":false,"_jetpack_newsletter_access":"","_jetpack_dont_email_post_to_subs":true,"_jetpack_newsletter_tier_id":0,"_jetpack_memberships_contains_paywalled_content":false,"_jetpack_memberships_contains_paid_content":false,"footnotes":""},"categories":[17868,11],"tags":[969,970,16099,77,16100],"class_list":["entry","author-autor1","post-1436","post","type-post","status-publish","format-standard","category-jack-torrance","category-dvds","tag-2010-jack-torrance","tag-in-edit-beefeater","tag-toma-jazz","tag-tomajazz","tag-tomajazz-toma-jazz"],"jetpack_featured_media_url":"","jetpack_likes_enabled":true,"jetpack_sharing_enabled":true,"jetpack-related-posts":[{"id":2779,"url":"https:\/\/tomajazz.com\/web\/in-edit-beefeater-2010-8o-festival-internacional-de-cine-documental-musical-de-barcelona\/","url_meta":{"origin":1436,"position":0},"title":"IN-EDIT BEEFEATER 2010. 8\u00ba Festival Internacional de Cine Documental Musical de Barcelona","author":"Tomajazz","date":"24 octubre, 2010","format":false,"excerpt":"Esta octava edici\u00f3n del festival In-Edit sigue con sus secciones habituales: dos oficiales \u2013internacional y nacional\u2013 a competici\u00f3n, dos tem\u00e1ticas (una dedicada a los cineastas D.A. 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