{"id":50466,"date":"2020-05-01T12:00:33","date_gmt":"2020-05-01T10:00:33","guid":{"rendered":"https:\/\/www.tomajazz.com\/web\/?p=50466"},"modified":"2021-11-17T14:22:54","modified_gmt":"2021-11-17T13:22:54","slug":"charles-lloyd-un-mistico-salvaje-y-entranable-por-julian-ruesga-bono-articulo","status":"publish","type":"post","link":"https:\/\/tomajazz.com\/web\/charles-lloyd-un-mistico-salvaje-y-entranable-por-julian-ruesga-bono-articulo\/","title":{"rendered":"Charles Lloyd, un m\u00edstico salvaje y entra\u00f1able [Art\u00edculo] Por Juli\u00e1n Ruesga Bono"},"content":{"rendered":"

Por\u00a0Juli\u00e1n Ruesga Bono<\/strong> (texto) y Antonio Torres Olivera <\/strong>(fotograf\u00edas).<\/p>\n

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Vengo de una tradici\u00f3n de yoguis salvajes. Soy un hombre de blues en un viaje espiritual. El blues surge de una b\u00fasqueda de libertad. Mi camino espiritual es la b\u00fasqueda de la liberaci\u00f3n del alma.<\/em><\/p>\n

Todav\u00eda estoy buscando el sonido. Es mi camino. Me llamo un \u201cbuscador de sonido\u201d … cuanto m\u00e1s profundo me sumerjo en el oc\u00e9ano del sonido, descubro que a\u00fan hay m\u00e1s y m\u00e1s por recorrer. <\/em><\/p><\/blockquote>\n

Charles Lloyd<\/p>\n

Introducci\u00f3n<\/strong><\/h3>\n

El trabajo de Charles Lloyd supone otra aproximaci\u00f3n a la m\u00fasica y a la espiritualidad de la India desde el jazz, aunque su m\u00fasica a lo largo del tiempo se haya impregnado de m\u00fasicas y sonidos de muchas culturas. El saxofonista es continuador del viaje iniciado por John Coltrane y Yusef Lateef, compartiendo la mirada y el inter\u00e9s de \u00e9stos por las m\u00fasicas de India y Medio Oriente. Nacido en Memphis, en 1938, entonces una ciudad con una cultura musical negra conformada por blues, gospel y jazz, su familia ten\u00eda ascendentes africanos, cherokees, mongoles e irlandeses y todo su trabajo musical parecer\u00eda estar impregnado de esa conjunci\u00f3n cultural, impuls\u00e1ndolo a la b\u00fasqueda e integraci\u00f3n de sonoridades complementarias a la m\u00fasica de jazz. En 1956 se traslad\u00f3 a Los \u00c1ngeles para estudiar m\u00fasica en la Universidad del Sur de California donde fue alumno de Halsey Stevens, una de las principales autoridades en Bela Bart\u00f3k. Las noches de su periodo universitario las pas\u00f3 educ\u00e1ndose en los clubes de jazz de Los \u00c1ngeles, tocando con Ornette Coleman, Billy Higgins, Scott La Faro, Don Cherry, Charlie Haden, Eric Dolphy, Bobby Hutcherson y otros m\u00fasicos de jazz instalados en la Costa Oeste en ese momento. Tras su graduaci\u00f3n, pas\u00f3 a formar parte de la banda de Chico Hamilton, entre 1960 y 1964, y de ah\u00ed a tocar con Cannonball Adderley \u2013a la vez que participaba del movimiento contracultural californiano. Durante ese per\u00edodo inicial, public\u00f3 dos \u00e1lbumes como l\u00edder de banda para Columbia, Discovery <\/em>(1964) y Of Course, Of Course<\/em> (1965), este \u00faltimo con Gabor Szabo (guitarra), Ron Carter (contrabajo) y Tony Williams (bater\u00eda), donde ya aparecen evocaciones sonoras hind\u00faes.<\/p>\n

The Charles Lloyd Quartet<\/strong><\/h3>\n

Cuando firma con la discogr\u00e1fica Atlantic forma un nuevo cuarteto, esta vez integrado por Keith Jarrett al piano, Cecil McBee en el contrabajo (sustituido m\u00e1s adelante por Ron McClure) y Jack DeJonette en la bater\u00eda. Una banda de j\u00f3venes virtuosos que combinaban el impulso vanguardista del free jazz y la psicodelia californiana con cadencias y ritmos de m\u00fasicas no occidentales. Entre 1966 y 1968, grabaron ocho \u00e1lbumes para Atlantic Records: Dream Weaver<\/em> (1966), Forest Flower<\/em> (1966), In Europe<\/em> (1966), The Flowering<\/em> (1966), Love-In<\/em> (1967), Journey Within<\/em> (1967), In the Soviet Union<\/em> (1967) y Soundtrack <\/em>(1968). De ellos s\u00f3lo el primero, Dream Weaver,<\/em> fue grabado en estudio, todos los dem\u00e1s son grabaciones en conciertos, y el segundo de los discos, Forest Flower: Live at Monterey<\/em> (Atlantic, 1966), hizo historia al ser uno de los primeros LPs de jazz en vender m\u00e1s de un mill\u00f3n de copias. El \u00e1lbum se convirti\u00f3 en un sorprendente \u00e9xito popular que atrajo al p\u00fablico del mercado masivo de la m\u00fasica rock al jazz, ganando audiencia a trav\u00e9s de su emisi\u00f3n por las radios FMs vinculadas con la contracultura. Forest Flower,<\/em> conect\u00f3 directamente con la audiencia y se convirti\u00f3 en la banda sonora de jazz del movimiento contracultural de la Costa Oeste norteamericana. En el disco, Lloyd, toca el saxo tenor con una fuerte dosis de Coltrane, aunque es con la flauta donde realmente brilla en el \u00e1lbum. La banda hace una m\u00fasica compleja y avanzada, que hoy suena asequible y elegante. Sin propon\u00e9rselo facilit\u00f3 el camino para el \u00e9xito comercial del jazz-rock que vendr\u00eda poco despu\u00e9s.<\/p>\n

En ese momento, los grupos de rock californianos desbordaron los l\u00edmites de la m\u00fasica popular urbana con una nueva actitud creativa que se vino a denominar psicodelia, enmarcada por un amplio abanico de fen\u00f3menos muy relacionados entre si a nivel cultural, social y pol\u00edtico. Con la psicodelia apareci\u00f3 una m\u00fasica nueva, derivada por un lado del folk norteamericano y Bob Dylan, por otro del rhythm&blues <\/em>y en su mayor parte del rock de The Beatles y los grupos de la llamada Invasi\u00f3n Brit\u00e1nica \u2013una m\u00fasica construida en torno a los instrumentos el\u00e9ctricos, la amplificaci\u00f3n y la posibilidad de tocar libremente para amplios n\u00fameros de personas al aire libre y en grandes recintos. El rock psicod\u00e9lico fue la expresi\u00f3n m\u00e1s popular de la contracultura y a la vez el movimiento contracultural jug\u00f3 un papel muy importante en la transformaci\u00f3n del rock, estimulando actitudes vitales y creativas fundadas en el desarrollo de la expresi\u00f3n personal y la b\u00fasqueda de nuevas experiencias sensoriales. El rock era apreciado por su libertad creativa, su potencia innovadora, su relaci\u00f3n con los combates culturales de la \u00e9poca y sobre todo como una m\u00fasica que articulaba los valores de una nueva comunidad: tolerancia, hedonismo, autorrealizaci\u00f3n, espiritualidad, reivindicaci\u00f3n del derecho a la diferencia, atenci\u00f3n a la naturaleza y la pr\u00e1ctica de formas de vida alternativas.<\/p>\n

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El decenio comprendido entre la segunda mitad de la d\u00e9cada de los sesenta y la primera de los setenta fue una \u00e9poca de experimentaci\u00f3n cultural y mutaci\u00f3n de valores. Entre 1965 y 1966 surgieron en California algunas bandas con identidad musical propia y capacidad para atraer de manera habitual a sus conciertos a un p\u00fablico af\u00edn que se identificaba con la m\u00fasica y la poes\u00eda de sus canciones. Todos los grupos ten\u00edan en com\u00fan la experimentaci\u00f3n, la b\u00fasqueda y expansi\u00f3n sensorial e intelectual y una actitud de cr\u00edtica y cuestionamiento de lo establecido. Un aspecto importante de la nueva m\u00fasica fue su estrecha asociaci\u00f3n con las drogas psicod\u00e9licas, en especial con el LSD. Jefferson Airplane son quiz\u00e1 su ejemplo m\u00e1s representativo, compusieron temas dedicados al LSD como \u00abWh\u00edte Rabbit\u00bb o \u00abRunning around the World\u00bb. Otros rasgos destacables en la m\u00fasica de la contracultura fueron la exaltaci\u00f3n de la vida en la naturaleza, la vida campestre y lo rural, y la importancia dada a las filosof\u00edas y espiritualidad orientales. Un gran n\u00famero de bandas hicieron una m\u00fasica diferente y creativa: Grateful Dead, Quicksilver Messenger Service, Moby Grape, Love, Frank Zappa & Mothers of Invention, Steve Miller Band, Big Brother and the Holding Company, Iron Butterfly, The Lovin\u00b4 Spoonful, Country Joe and the Fish, The Doors, It’s a Beautiful Day, Santana, Fugs, Steppenwolf, Great Society, Electric Prunes, The Byrds, \u2026,<\/p>\n

Obviamente hay una diferencia entre la experiencia de blancos y negros, entonces y ahora. La Am\u00e9rica blanca podr\u00eda haber estado tratando de abandonar una existencia mundana de clase media y tratar de encontrar un mayor significado en la vida, pero como afroamericanos, no ten\u00edamos nada qu\u00e9 abandonar. No \u00e9ramos parte de esa vida. No puedes saltar por la ventana del s\u00f3tano. Lo que est\u00e1bamos tratando de encontrar era igualdad y libertad.<\/em><\/p><\/blockquote>\n

(Charles Lloyd, recogido por Cormac Larkin)<\/p>\n

En muchos aspectos, la psicodelia fue al rock lo que el free al jazz, lo abri\u00f3 a nuevas experiencias, sonoridades e influencias musicales, diferentes de las que hasta ese momento participaban los m\u00fasicos. El rock psicod\u00e9lico y el free jazz estaban muy pr\u00f3ximos y hubo una generaci\u00f3n de m\u00fasicos que convivi\u00f3 con ambos, compartiendo sus influencias. Los efectos sonoros caracter\u00edsticos de la psicodelia se sustentaban en la exploraci\u00f3n de nuevas texturas de los instrumentos y la distorsi\u00f3n del sonido, en ocasiones flotante, difuminando los l\u00edmites de las notas, creando nebulosas sonoras que envolv\u00edan y elevaban al oyente simulando y estimulando distorsiones perceptuales. Una musicalidad abierta tendente a la expansi\u00f3n de la sensibilidad y los procesos perceptivos. Los temas romp\u00edan y ampliaban el formato caracter\u00edstico de canci\u00f3n alarg\u00e1ndose en extensos desarrollos instrumentales e improvisaciones a la vez que las bandas ampliaban el n\u00famero de m\u00fasicos m\u00e1s all\u00e1 de la formaci\u00f3n com\u00fan del rock -guitarra, bajo, bater\u00eda- a\u00f1adiendo otros instrumentos \u2013orientales, africanos, europeos cl\u00e1sicos, electr\u00f3nicos, etc.- que los abr\u00edan a nuevas sonoridades.<\/p>\n

Arraigados en el jazz modal y la improvisaci\u00f3n libre, el cuarteto de Lloyd se adentr\u00f3 y explor\u00f3 las complejidades psicod\u00e9licas sin ning\u00fan esfuerzo adicional o aditamento. Fue esta conexi\u00f3n la que hizo que la m\u00fasica de la banda, en conciertos y grabaciones, fuera mucho m\u00e1s que s\u00f3lo presentaciones de jazz. El cuarteto fue la primera banda de jazz en aparecer en el famoso Fillmore West de San Francisco, y en otros espacios del rock como el Avalon Ballroom, compartiendo cartel con Jimi Hendrix, Janis Joplin, Cream, Grateful Dead y Jefferson Airplane. Lloyd, tambi\u00e9n, fue invitado a participar en grabaciones con The Doors, The Birds, The Grateful Dead, Canned Heat y Beach Boys.<\/p>\n

De todos los \u00e1lbumes de este periodo destacar dos grabados en Europa. Uno es In Europe <\/em>(Atlantic, 1966), grabado en el Aulaen Hall de Oslo en 1966 durante la gira del grupo por los festivales de verano europeos. El primer tema del disco, \u00abTagore\u00bb, es sorprendente, con Lloyd en primer plano a la flauta dibujando l\u00edneas mel\u00f3dicas susurrantes sobre las percusiones de DeJohnette y texturas y acordes de Keith Jarrett, obtenidos rasgando y percutiendo las cuerdas en el interior del piano, a modo de un sitar, mientras el bajo de McBee circula repetitivamente en espiral entre el sonido de sus compa\u00f1eros. Los cuatro m\u00fasicos destacan en distintos momentos del concierto consiguiendo un resultado de conjunto deslumbrante. En 1971, la discogr\u00e1fica Atlantic public\u00f3 otro \u00e1lbum con m\u00e1s material de este concierto, The Flowering<\/em>, completado con grabaciones realizadas en julio del mismo a\u00f1o en el Festival de Jazz de Juan-les-Pins, Antibes, Francia. Seg\u00fan relata Wolfgang Sandner en la biograf\u00eda de Keith Jarrett, el \u00e9xito popular del cuarteto de Lloyd fue tal que en tres a\u00f1os realiz\u00f3 seis giras por Europa recorriendo cuarenta pa\u00edses.<\/p>\n

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El otro album es In The Soviet Union <\/em>(Atlantic, 1970),<\/em> grabado en vivo en Estonia, en el Tallin Jazz Festival<\/em>, en plena la Guerra Fr\u00eda, en 1967, y con Ron McClure sustituyendo a Cecil McBee en el contrabajo. La banda de Lloyd fue el primer grupo de jazz de los Estados Unidos en tocar en la URSS por cuenta propia y no a trav\u00e9s del patrocinio del gobierno norteamericano. Su primer concierto fue en Tallin y posteriormente tocaron en Leningrado y Mosc\u00fa. El \u00e1lbum contiene cuatro largos temas, \u00abDays and Nights Waiting\u00bb, firmada por Jarrett; una versi\u00f3n de \u00abSweet Georgia Bright\u00bb que ronda los dieciocho minutos, una composici\u00f3n de Lloyd incluida en Discovery!<\/em>; una canci\u00f3n de cuna escrita por Lloyd para flauta, \u00abLove Song to a Baby\u00bb; y la ex\u00f3tica y desenfrenada \u00abTribal Dance\u00bb.<\/p>\n

La banda se separar\u00eda en 1968 por disputas econ\u00f3micas entre los m\u00fasicos. Jarret y DeJonette pasaron a formar parte de la banda de Miles Davis y sus aventuras el\u00e9ctricas y Lloyd pas\u00f3 a una situaci\u00f3n de semi-retiro. No fue un retiro dram\u00e1tico, como se ha escrito, s\u00f3lo se alej\u00f3 de la escena p\u00fablica apart\u00e1ndose a Big Sur, una regi\u00f3n muy poco poblada al sur de la pen\u00ednsula de Monterey, en California. Fue un per\u00edodo de apartamiento y b\u00fasqueda espiritual en el que viaj\u00f3 y toc\u00f3 en p\u00fablico con menos frecuencia prestando m\u00e1s atenci\u00f3n al trabajo de estudio. Se le puede escuchar acompa\u00f1ando en grabaciones a The Doors, Roger McGuinn, Canned Heat o con los Beach Boys. Trabaj\u00f3 en el circuito de la contracultura californiana grabando discos de folk-rock psicod\u00e9licos –Moon Man<\/em> (Kapp, 1970) es uno de ellos- y fue adentr\u00e1ndose m\u00e1s en profundidad en las m\u00fasicas orientales, grabando \u00e1lbumes como Geeta<\/em> (A&M Records, 1973) y Pathless-path<\/em> (Unity Records, 1979). Este \u00faltimo es sorprendente y de una gran audacia instrumental. Atm\u00f3sferas tranquilas y relajadas, utilizaci\u00f3n de sintetizadores, koto japon\u00e9s, y Lloyd tocando flauta, saxof\u00f3n tenor, piano, clarinete y tambi\u00e9n cantando. Un \u00e1lbum muy espiritual y poco conocido que aporta una idea de como fue esta \u00e9poca de retiro para el m\u00fasico. Al inicio de la d\u00e9cada de 1980 toc\u00f3 y grab\u00f3 con el pianista Michael Petrucciani durante dos a\u00f1os; A Night in Copenhagen<\/em> (Blue Note, 1985), documenta la experiencia, un cuarteto en vivo, grabado con el pianista franc\u00e9s en el Festival de Jazz de Copenhague de 1983. A finales de la misma d\u00e9cada, al recuperarse de una experiencia cercana a la muerte que sufri\u00f3 en 1986, decidi\u00f3 volver a la escena p\u00fablica del jazz. Comenz\u00f3 a tocar en vivo nuevamente y a grabar para ECM Records.<\/p>\n

Reencarnaci\u00f3n ECM<\/strong><\/h3>\n

Desde 1989 la producci\u00f3n discogr\u00e1fica de Lloyd se vuelve m\u00e1s regular, igual que sus conciertos, y su nivel de calidad sigue siendo sobresaliente con un sonido m\u00e1s robusto, si cabe, y una extraordinaria sensibilidad mel\u00f3dica. El sonido y la forma de tocar de Charles Lloyd a\u00fana influencias de John Coltrane y Stan Getz en una musicalidad muy personal, abriendo espacios sonoros al jazz con el empleo de m\u00fasicas de culturas no occidentales como componentes mel\u00f3dicos y arm\u00f3nicos. Su m\u00fasica es suave y profunda, melodiosa y espiritual, y ha ido creciendo paulatinamente hasta el d\u00eda de hoy, desarroll\u00e1ndose en un recorrido musical apreciable a trav\u00e9s de su extensa y magn\u00edfica discograf\u00eda.<\/p>\n

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En la primera grabaci\u00f3n con ECM, Fish Out of Water,<\/em> en 1990, es acompa\u00f1ado por tres m\u00fasicos escandinavos, Bobo Stenson al piano, Palle Danielsson, contrabajo y Jon Christensen, bater\u00eda. Inmediatamente despu\u00e9s, en 1991, Anders Jormin se ocupa del contrabajo y en 1993 Billy Hart pasa a la bater\u00eda. Fish Out of Water (<\/em>1990), Notes From Big Sur<\/em> (1992), The Call<\/em> (1993), All My Relations<\/em> (1995) y Canto <\/em>(1997) forman un conjunto de grabaciones hist\u00f3ricas que dan cuenta de la reincorporaci\u00f3n de Lloyd al jazz contempor\u00e1neo. El tono general de estos \u00e1lbumes es la tranquilad y la introspecci\u00f3n, una m\u00fasica sutil y cambiante de una gran belleza. Canto,<\/em> fue el quinto \u00e1lbum y el \u00faltimo que grab\u00f3 con este grupo de m\u00fasicos. En cierto modo sintetiza la experiencia musical vivida y desarrollada por la banda a lo largo de los cuatro a\u00f1os anteriores, llenos de giras y la grabaci\u00f3n de tres \u00e1lbumes. La m\u00fasica de Canto<\/em> mantiene la misma atmosfera de las grabaciones precedentes y, a pesar de su car\u00e1cter introspectivo y espiritual, no es una \u00e1lbum complaciente. Es una m\u00fasica de b\u00fasqueda, que dibuja diferentes paisajes sonoros, de estructuras asim\u00e9tricas y fraseos en\u00e9rgicos, que mantienen al oyente atento, aunque nunca suena fren\u00e9tica o descuidada. La banda se escucha siempre bien ensamblada y coherente, m\u00e1s interesada en crear una din\u00e1mica grupal que en mostrar habilidades individuales, la autoexpresi\u00f3n est\u00e1 subordinada a la conjunci\u00f3n final.<\/p>\n

Lloyd siempre ha proyectado su mundo espiritual en la m\u00fasica. El \u00e1lbum, All My Relations<\/em>, estaba dedicado al maestro hind\u00fa Swami Ritajananda, y se cierra con un tema dedicado al sabio tibetano Milarepa \u2013solo con flauta china. En casi todos los \u00e1lbumes hay temas con t\u00edtulos que aluden al mundo espiritual y la m\u00edstica oriental. Canto<\/em> vuelve a abordar esas referencias espirituales, por ejemplo, \u00abNichiketa’s Lament\u00bb, nos lleva a los libros sagrados hinduistas, los Upanishads, y \u00abTales Of Rumi\u00bb, est\u00e1 inspirado en los escritos del poeta y fil\u00f3sofo suf\u00ed afgano del siglo XIII Jalaluddin Rumi. Este tema es una incre\u00edble pieza de jazz que parece grabada una noche en el desierto, bajo las estrellas, con los m\u00fasicos sentados a la lumbre, tocando hipnotizados por sombras chisporroteantes que bailan en la oscuridad. S\u00f3lo este tema justificar\u00eda el \u00e1lbum. Este primer corte marca la pauta de todo el disco, muchas de las piezas que contiene exploran ideas musicales de extraordinaria belleza a medida que cada instrumento -incluido el oboe tibetano- se va turnando, indagando y tanteando posibilidades sonoras. La media hora larga de escucha que pasa por \u00abCanto\u00bb, \u00abNichiketa’s Lament\u00bb y \u00abM\u00bb, es otro recorrido extraordinario del \u00e1lbum donde los m\u00fasicos dan muestra de la libertad creativa y maestr\u00eda con la que se mueven. Hay mucha riqueza emocional y calidez. En el tema que da t\u00edtulo al \u00e1lbum, el tono de Lloyd es suave y delicado, sin aristas, a veces suena fr\u00e1gil y quebradizo, vulnerable, sumergido en un halo de misterio y emoci\u00f3n; saxo y piano llevan alternativamente las melod\u00edas, mientras la bater\u00eda toca muy abierto y el contrabajo lo mantiene todo anclado. \u00abNichiketa’s Lament\u00bb es un canto f\u00fanebre, a trav\u00e9s de un toque triste y lastimero de Lloyd en el oboe tibetano con un delicado piano final sobre un insistente toque de platillo y contrabajo. \u00abM\u00bb se abre con un solo de bajo de Jormin, melanc\u00f3lico y profundo, y cuando el piano de Stenson aparece infunde calidez al ambiente antes que el saxo de Lloyd entre sonando como un intenso gemido. El piano se abre paso a trav\u00e9s de las aberturas que deja el saxo, emitiendo notas que rozan la melod\u00eda principal sin unirse a ella, simult\u00e1neamente, contrabajo y bater\u00eda lo siguen y cubren, desembocando en un memorable solo de bater\u00eda de Hart. El resto del \u00e1lbum est\u00e1 a la altura desde un registro menos llamativo, pero igualmente situado en la excelencia. Un \u00e1lbum \u00fanico y extraordinario dentro de un conjunto de cinco \u00e1lbumes \u00fanicos y extraordinarios.<\/p>\n

El papel del pianista sueco Bobo Stenson en la m\u00fasica del cuarteto de Lloyd fue fundamental durante m\u00e1s de un decenio. Junto a Lloyd, es el \u00fanico m\u00fasico presente en los cinco \u00e1lbumes. El recorrido musical de Stenson es muy parecido al de Lloyd, con un profundo conocimiento de la tradici\u00f3n del jazz moderno conseguido a trav\u00e9s de su participaci\u00f3n en las bandas de Dexter Gordon, Stan Getz y Sonny Rollins en giras por los pa\u00edses n\u00f3rdicos. Adem\u00e1s, hab\u00eda participado en trabajos vanguardistas en el jazz sueco con el saxofonista Bernt Rosengren, tambi\u00e9n en trabajos de Don Cherry y George Russel y co-liderado el popular Jan Garbarek-Bobo Stenson Quartet \u2013con dos discos hist\u00f3ricos Witchi-Tai-To<\/em> (ECM, 1974) y Dansere<\/em> (ECM, 1976). Sus trabajos en torno a la m\u00fasica india en la banda sueca Rena Rama y del Medio Oriente con el percusionista turco Okay Temiz en el grupo Oriental Wind le hab\u00edan otorgado una particular autoridad y reputaci\u00f3n en su interpretaci\u00f3n del jazz modal. Con Lloyd, Stenson, continu\u00f3 elaborando y refinando una paleta de recursos, amplia y rica, llena de matices y versatilidad. Esc\u00fachese \u00abSong\u00bb en el \u00e1lbum The Call<\/em>. Su compa\u00f1ero, el contrabajista sueco Anders Jormin se incorpor\u00f3 a la banda de Lloyd en 1991 y fue ganando relevancia a cada grabaci\u00f3n. Fue Stenson, quien lo recomend\u00f3 a Lloyd para la banda, hab\u00edan tocado juntos en varias formaciones y colaborado en trabajos individuales de uno y otro. En Canto<\/em>, el contrabajo es quien apuntala y ancla la sonoridad del cuarteto. Jormin posee una musicalidad particularmente l\u00edrica, adem\u00e1s de una gran destreza con el arco y una habilidosa digitaci\u00f3n, que lo hac\u00edan encajar perfectamente en el cuarteto. Las dos partes de \u00abPilgrimage to the Mountain\u00bb (Peregrinaci\u00f3n a la Monta\u00f1a) en el \u00e1lbum Notes From Big Sur,<\/em> comienzan con sendos solos de Jormin que destaca con un brillante toque de arco. Otros dos momentos a destacar del contrabajista son \u00abCape to Cairo suite (Hommage to Mandela)\u00bb y \u00abHymne to the mother\u00bb en All My Relations.<\/em><\/p>\n

\"\" \"\"<\/center>Despu\u00e9s de estos primeros cinco \u00e1lbumes con ECM, Lloyd pasa a trabajar con m\u00fasicos norteamericanos y graba, Hyperion With Higgins <\/em>(1999), Voice In The Night<\/em> (1999) y The Water Is Wide<\/em> (2000) con Brad Mehldau al piano, John Abercrombie a la guitarra, Larry Grenadier en el contrabajo y Billy Higgins a la bater\u00eda. La pianista Geri Allen reemplaz\u00f3 en el piano a Mehldau en Lift Every Voice <\/em>(2002) y en Jumping the Creek <\/em>(2005). Los \u00e1lbumes posteriores a Canto<\/em>, tienen un sonido diferente y una musicalidad menos evanescente, m\u00e1s din\u00e1mica y melodiosa. La sustituci\u00f3n de Stenson y Jormin se not\u00f3 de forma considerable en su m\u00fasica, que continu\u00f3 creciendo y acerc\u00e1ndose m\u00e1s al blues y a muchos temas cl\u00e1sicos del jazz moderno.<\/p>\n

En 1998, Billy Higgins que era amigo de Lloyd desde su \u00e9poca universitaria, hab\u00eda reemplazado a Hart en la bater\u00eda. \u00abNo hab\u00edamos tocado juntos desde finales de la d\u00e9cada de 1950 y, sin embargo, era como si no nos hubi\u00e9ramos perdido un d\u00eda juntos. Compartimos la amistad m\u00e1s profunda dentro y fuera del escenario. Lo extra\u00f1o much\u00edsimo, pero tambi\u00e9n siento su presencia cada vez que toco\u00bb. La excelente relaci\u00f3n de amistad y entendimiento musical entre los dos m\u00fasicos dio lugar a un \u00e1lbum doble a d\u00fao: Which Way Is East<\/em>, grabado en 2001 y publicado en 2004 por ECM. En t\u00e9rminos art\u00edsticos es uno de los \u00e1lbumes m\u00e1s interesantes que ha grabado Lloyd. Ambos m\u00fasicos se sumergen en la m\u00fasica investigando y buscando recursos sonoros y probando instrumentos con momentos que rozan lo m\u00e1gico. Contiene fant\u00e1sticos di\u00e1logos de saxo y bater\u00eda e incursiones en el piano por parte de los dos m\u00fasicos. Billy Higgins canta en portugu\u00e9s, interpreta una canci\u00f3n tocando el guimbri (instrumento de tres cuerdas utilizado en la m\u00fasica norteafricana), toca un blues acompa\u00f1\u00e1ndose de una guitarra, y utiliza todo tipo de percusiones. Lloyd canta, toca saxofones alto y tenor, flautas, piano, tarogato \u2013instrumento de viento h\u00fangaro de origen turco-, oboe tibetano, percusi\u00f3n y maracas. Re\u00fanen y a\u00fanan, sucesiva o simult\u00e1neamente, tantas m\u00fasicas que termina siendo un collage sonoro y sensorial fascinante.<\/p>\n

Como compositor intento llegar a un lugar donde la m\u00fasica, aunque sea una afirmaci\u00f3n muy personal, sea lo suficientemente abierta para dejar filtrar una dimensi\u00f3n universal. El m\u00fasico puede conseguir expresar las experiencias y la sabidur\u00eda anteriores a trav\u00e9s de su instrumento pero con la condici\u00f3n de vivirlo realmente. Me siguen interesando mucho las posibilidades de expresar lo imposible. Contemplo mi m\u00fasica como un ni\u00f1o que he llevado conmigo durante mucho tiempo. Puedo quedarme sentado y meditar, sentarme al piano, caminar por la monta\u00f1a o nadar en el oc\u00e9ano y dejar que la composici\u00f3n venga muy lentamente como si tuviera que dar la luz a algo. Una vez nacidos estos ni\u00f1os es interesante comprobar que tienen vida propia. Para m\u00ed, componer m\u00fasica es dejar una huella, entrar en un proceso que siempre tiene que ver con la inspiraci\u00f3n y el consuelo. Es algo que siempre me ha entusiasmado y sorprendido, sobre todo cuando veo el mundo y la sociedad que vivimos. La cercan\u00eda del arte es cada vez m\u00e1s dif\u00edcil en la sociedad y el mundo modernos. <\/em><\/p><\/blockquote>\n

(De una entrevista realizada por Christian Steulet a Charles Lloyd, publicada en TomaJazz)<\/p>\n

\"\"<\/p>\n

El baterista Eric Harland se uni\u00f3 al cuarteto de Lloyd en 2002, despu\u00e9s del fallecimiento de Billy Higgins, y tambi\u00e9n form\u00f3 parte del tr\u00edo Sangam, organizado por Lloyd en 2004 junto al maestro de tabla india Zakir Hussain. Sangam <\/em>(ECM, 2006), es un \u00e1lbum grabado en directo por el tr\u00edo en un concierto homenaje a Billy Higgins celebrado en Santa B\u00e1rbara, California, en 2004, despu\u00e9s de la muerte de \u00e9ste. Sin ensayos previos, los m\u00fasicos tocan a partir de temas originales de Lloyd ya conocidos en discos anteriores, excepto una pieza firmada por Hussain. M\u00fasica india, blues, gospel y sugestivas percusiones que sirven de soporte a las l\u00edneas mel\u00f3dicas de los saxofones y flautas de Lloyd, circulando por sonoridades indias y jazz. Una m\u00fasica que suena fluida, sutil y meditativa unas veces e hipn\u00f3tica y repetitiva otras; suscitando diferentes estados de \u00e1nimo a trav\u00e9s de los cambios de texturas sonoras que saxo o flauta van creando al dialogar con las percusiones o las que crean las diferentes percusiones entre ellas. Toda una experiencia. Otro \u00e1lbum lleno de momentos memorables a sumar y destacar en la discograf\u00eda de Lloyd.<\/p>\n

Desde 2007, ha configurado un cuarteto, m\u00e1s o menos estable, junto al pianista Jason Moran, Reuben Rogers en el contrabajo y Eric Harland en la bater\u00eda. Este cuarteto ha grabado los \u00e1lbumes Rabo de Nube<\/em> (ECM, 2008), Mirror<\/em> (ECM, 2010) y Athens Concert<\/em> (ECM, 2012), este \u00faltimo con el a\u00f1adido de la cantante griega Maria Farantouri, y acompa\u00f1ados adem\u00e1s por el m\u00fasico de lira Socratis Sinopoulos y un segundo pianista, Takis Frazio. El \u00e1lbum fue grabado en un anfiteatro griego en Atenas, en un programa que inclu\u00eda canciones de Mikis Theoedorakis, m\u00fasica tradicional griega, y piezas originales de Lloyd.<\/p>\n

Un \u00e1lbum sobresaliente es Hagar\u2019s Song<\/em> (ECM, 2013), otro d\u00fao, esta vez grabado con el pianista Jason Moran, un miembro clave en el \u00faltimo cuarteto. Moran se hab\u00eda convertido en uno de los pianistas m\u00e1s audaces de la escena neoyorquina y hab\u00eda destacado trabajando con Greg Osby y artistas visuales como Adrian Pipers. Tambi\u00e9n est\u00e1 interesado en conectar diferentes espacios culturales y estilos en su m\u00fasica. A la sonoridad construida por Lloyd aporta transparencia y unas atm\u00f3sferas m\u00e1s cristalinas y luminosas. En Hagar\u2019s Song,<\/em> muestra su versatilidad y capacidad de adaptaci\u00f3n sin perder la audacia que lo caracteriza. Material de Dylan, Gershwin, Ellington, Wilson, Hines, y otros autores junto a la pieza central del \u00e1lbum \u00abHagar Suite\u00bb, un conjunto de temas compuestos por Lloyd y dedicados a su tatarabuela. El compositor explica: \u00abHagar era mi tatarabuela. Cuando supe su historia, me conmovi\u00f3 profundamente. La suite refleja su vida, desde que fue secuestrada de sus padres a la edad de diez a\u00f1os en el sur de Mississippi y llevada hasta Tennessee y vendida a otro due\u00f1o de esclavos, que la viol\u00f3 cuando ten\u00eda catorce a\u00f1os. Luego fue vendida al esposo de su hija para ser su esclava personal. Es una historia complicada y compleja: la historia de tantos vendidos o intercambiados como esclavos. La esclavitud es lo suficientemente horrible, pero arrebatar a una tierna ni\u00f1a a sus padres, eso me duele hasta la m\u00e9dula. Digo \u201ces\u201d en referencia a la esclavitud porque la trata de esclavos todav\u00eda existe en los confines del mundo actual. \u201cHagar Suite\u201d refleja las etapas de la vida de mi tatarabuela: la p\u00e9rdida de la familia, la soledad y lo desconocido, sus sue\u00f1os y penas, y las canciones para sus hijos reci\u00e9n nacidos\u00bb.<\/p>\n

\"\"<\/p>\n

Con <\/strong>Blue Note <\/strong><\/h3>\n

En 2015 Lloyd cambi\u00f3 de discogr\u00e1fica y pas\u00f3 a la prestigiosa e hist\u00f3rica Blue Note Records. El primer \u00e1lbum publicado es Wild Man Dance Suite <\/em>(Blue Note, 2015), una suite en seis partes encargada por el Festival Jazztopad de Wroclaw, Polonia y que se grab\u00f3 en su presentaci\u00f3n en el mismo Festival en noviembre de 2013. Para este nuevo proyecto Lloyd cuenta con una nueva formaci\u00f3n con la que no hab\u00eda tocado antes, el pianista Gerald Clayton, el bajista Joe Sanders y el baterista Gerald Cleaver, adem\u00e1s de Sokratis Sinopoulos, virtuoso de la lira griega, y Mikl\u00f3s Luk\u00e1cs, maestro de cimbalom h\u00fangaro, que aportan color y texturas r\u00edtmicas a las composiciones de Lloyd.<\/p>\n

En I Long To See You<\/em> (Blue Note, 2016), Lloyd nos presenta a The Marvels, un nuevo grupo de compa\u00f1eros, esta vez centrado en las guitarras e integrado por los ya conocidos Eric Harland en la bater\u00eda y Reuben Rogers al bajo, con el a\u00f1adido de Bill Frisell a la guitarra y Greg Leisz en la guitarra steel; haciendo una mezcla de jazz, blues, country y rock que llega a momentos impresionantes, como la emocionante versi\u00f3n que hacen de \u00abLa Llorona\u00bb con la guitarra el\u00e9ctrica de Bill Frisell como solista. En el segundo \u00e1lbum que graban parece que rozan la excelencia, Vanished Gardens<\/em> (Blue Note, 2018). Una m\u00fasica amable, de bonitas y entra\u00f1ables melod\u00edas, que nace de la colaboraci\u00f3n entre el saxofonista y la cantante country Lucinda Williams. Composiciones de ambos m\u00e1s otras de Thelonious Monk y Jimi Hendrix. Como en I Long To See You,<\/em> vuelven a entretejer diferentes m\u00fasicas estadounidenses en un nuevo y emocionante h\u00edbrido musical. Sobresale la excelente musicalidad y sonido del grupo en los temas instrumentales, pero cuando Lucinda Williams canta lo hace con la misma magia evocadora que desprende el grupo. El disco se cierra con una incre\u00edble versi\u00f3n de \u00abAngel\u00bb, de Jimi Hendrix. Un \u00e1lbum para disfrutar; sencillo, simple y esplendido.<\/p>\n

Entre los dos discos anteriores con The Marvels, Lloyd public\u00f3 el \u00e1lbum, Passin ‘Thru <\/em>(Blue Note, 2017), grabado en un concierto celebraci\u00f3n del d\u00e9cimo aniversario del nuevo cuarteto con Moran, Rogers y Harland. En el concierto revisaron la carrera de Lloyd, composiciones de toda la vida musical del saxofonista, incluida la canci\u00f3n que da nombre al \u00e1lbum, grabada en 1963 cuando era miembro del quinteto de Chico Hamilton. Tambi\u00e9n presentaron otra nueva versi\u00f3n de \u00abDream Weaver\u00bb, el t\u00edtulo del \u00e1lbum debut de su cuarteto en 1966.<\/p>\n

\"\"<\/p>\n

Charles Lloyd ha publicado este a\u00f1o su \u00faltimo \u00e1lbum hasta la fecha, 8 Kindred Spirits [Live From The Lobero] <\/em>(Blue Note, 2020). El 15 de marzo de 2018, celebr\u00f3 su 80\u00ba cumplea\u00f1os en su lugar de residencia habitual, Santa B\u00e1rbara, California, con un concierto junto a m\u00fasicos amigos en el Lobero Theatre de esta ciudad. El concierto fue grabado y ha sido publicado en varios formatos. El m\u00e1s asequible consiste en la grabaci\u00f3n de la primera mitad del concierto en un CD o doble LP. Otra edici\u00f3n consiste en una caja con la grabaci\u00f3n completa del concierto en dos CDs o triple LP, m\u00e1s un DVD y un libreto de 96 p\u00e1ginas. Nos centramos en el CD que recoge la primera mitad del concierto, casi una hora, y que en cuatro temas celebra la carrera de Loyd. Comienzan abordando una vez m\u00e1s \u00abDream Weaver\u00bb, el tema que dio t\u00edtulo a su primer \u00e1lbum con Atlantic, grabado en 1966 con Jarrett, DeJohnette y McBee, y aqu\u00ed desarrollado magn\u00edficamente por la banda, que est\u00e1 formada por el baterista Eric Harland, el bajista Reuben Rogers, el pianista Gerald Clayton y el guitarrista Julian Lage. Le sigue \u00abRequiem\u00bb, en versi\u00f3n ampliada, m\u00e1s reflexiva y conmovedora que la original publicada en el \u00e1lbum Notes From Big Sur,<\/em> de 1992, y que la posterior versi\u00f3n de Voice in The Night<\/em>, de 1998. El tercer tema es la canci\u00f3n tradicional mexicana \u00abLa Llorona\u00bb, aqu\u00ed el piano inicial da a la canci\u00f3n una musicalidad muy camer\u00edstica, m\u00e1s cercana a la grabaci\u00f3n publicada en Mirror <\/em>que a la bell\u00edsima versi\u00f3n publicada en el primer \u00e1lbum de estudio con The Marvels. El \u00e1lbum termina con \u00abParte 5. Ruminations\u00bb, tambi\u00e9n m\u00e1s extensa que la original publicada en 2017, en Passin ‘Thru.<\/em> Otro repaso a la carrera de Lloyd que no aporta ninguna novedad, pero que deja una m\u00fasica esplendida y magistral, un \u00e1lbum ideal para los seguidores del saxofonista.<\/p>\n

\"\"<\/p>\n

El desarrollo de la m\u00fasica de Lloyd a lo largo de su carrera ha ido en crecimiento constante. Su gran logro ha sido acercarse a otras m\u00fasicas desde el jazz, sin abandonarlo, marcando un campo creativo mucho m\u00e1s rico y amplio, con sonoridades y formas complementarias, \u2013sin direccionamientos ni idearios previos. Escuchar a Lloyd es sumergirse en una experiencia sensible llena de detalles y encuentros sorprendentes, siempre circulando en torno a volubles formas de belleza. Un ir y venir paseando, de lo conocido a lo diferente, de la sencillez a la complejidad, de lo simple a lo audaz. Sensibilidad y carisma son palabras que se podr\u00edan a\u00f1adir al intentar definir su forma de concebir y hacer m\u00fasica.<\/p>\n

Tomajazz. Texto: \u00a9 Juli\u00e1n Ruesga Bono<\/strong>, 2020
\nFotograf\u00edas: \u00a9 Antonio Torres Olivera<\/strong>, 2019<\/p>\n

Referencias<\/strong><\/h3>\n

Chinen, Nate
\n2019: Playing Changes. Jazz para el nuevo siglo<\/em>. Alpha Decay, Barcelona.<\/p>\n

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\n2008: Tocando el horizonte. La m\u00fasica de ECM<\/em>. Global Rhythm Press, Barcelona.<\/p>\n

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\nhttps:\/\/www.irishtimes.com\/culture\/music\/charles-lloyd-s-tradition-of-jazz-truth-and-love-1.1992234<\/a><\/p>\n

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\n1975: El rock \u00c1cido Californiano<\/em>. Ediciones J\u00facar, Gij\u00f3n.<\/p>\n

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\n2008: \u00abIntercambios\u00bb en M\u00e1s all\u00e1 del rock<\/em>. Ruesga Bono, Juli\u00e1n; Cambiasso, Norberto (edits). INAEM, Madrid.<\/p>\n

Sandner, Wolfgang
\n2019: Keith Jarrett, una biograf\u00eda<\/em>. Libros del Kultrum.<\/p>\n

Steulet, Christian
\n1999: \u00abPalabras sobre la liberaci\u00f3n\u00bb. Entrevista publicada originalmente en franc\u00e9s en \u00abViva La M\u00fasica\u00bb y en castellano en TomaJazz, traducido por Juan Carlos Hern\u00e1ndez y Diego S\u00e1nchez Cascado. Consultado 17\/4\/20. https:\/\/tomajazz.com\/web\/?p=50489<\/a><\/p>\n

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Juli\u00e1n Ruesga Bono repasa en el art\u00edculo Charles Lloyd, un m\u00edstico salvaje y entra\u00f1able, la carrera del octogenario saxofonista y flautista. Acompa\u00f1an el texto las fotograf\u00edas de Antonio Torres Olivera.
\nContin\u00faa leyendo<\/a><\/span><\/p>\n","protected":false},"author":1,"featured_media":50467,"comment_status":"open","ping_status":"closed","sticky":false,"template":"","format":"standard","meta":{"jetpack_post_was_ever_published":false,"_jetpack_newsletter_access":"","_jetpack_dont_email_post_to_subs":false,"_jetpack_newsletter_tier_id":0,"_jetpack_memberships_contains_paywalled_content":false,"_jetpack_memberships_contains_paid_content":false,"footnotes":""},"categories":[17854,24822,15517,1038],"tags":[14520,25541,8565,603,25542],"class_list":["entry","author-pachi","has-excerpt","post-50466","post","type-post","status-publish","format-standard","has-post-thumbnail","category-julian-ruesga-bono","category-articulos","category-textos","category-contenidos","tag-antonio-torres-olivera","tag-articulos-de-jazz","tag-charles-lloyd","tag-julian-ruesga-bono","tag-perfiles-de-jazz"],"jetpack_featured_media_url":"https:\/\/tomajazz.com\/web\/wp-content\/uploads\/2020\/04\/image001-1.jpg","jetpack_likes_enabled":true,"jetpack_sharing_enabled":true,"jetpack-related-posts":[{"id":73326,"url":"https:\/\/tomajazz.com\/web\/charles-lloyd-trio-de-trios-2023\/","url_meta":{"origin":50466,"position":0},"title":"Charles Lloyd: Tr\u00edo de tr\u00edos. 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