Mirabassi / Boltro / Ferris - (((Air )))

Sketch

Comentario: Este trio italo-franco-americano, compuesto por Giovanni Mirabassi (piano), Flavio Boltro (trompeta) y Glenn Ferris (trombón) proporciona una agradable sensación de jazz de sabor mediterráneo con un toque francés, en el que no extraña una interpretación de un tema de George Brassens, Les Oiseaux de Passage. Grabado en marzo de 2003 en el sur de Francia, (((Air))) exhibe las notables cualidades como compositor y arreglista de Giovanni Mirabassi, a sumar a las de pianista de interesantes colorido y melodía, para quien trabajar con Boltro y Ferris debe haber sido un placer al menos tan grande como lo que es oir el disco. No asombra, puesto que el trio Mirabassi/Boltro/Ferris ya se ha impuesto como una referencia del mejor jazz europeo actual. Música tranquila en la que el lirismo y la creatividad se cruzan de punta a punta.

Eduardo Chagas

Enrico Rava - Full of Life

CamJazz

Comentario: Enrico Rava, el músico de jazz italiano más conocido fuera de sus fronteras, es autor de una discografía monumental como líder y acompañante, lo que no le impide continuar grabando con algunos de los mejores músicos disponibles. Para este episodio reunió a un cuarteto exclusivamente italiano, compuesto por el saxo barítono y soprano Javier Girotto, de origen argentino, el afamado contrabajista Ares Tavolazzi, que además de muy rodado en grupos de jazz tocó en Area, grupo de rock progresivo de los años 70 y Fabrizio Sferra, batería que a primera escucha es de los mejores jazzmen de Italia.
El contenido de Full of Life, compuesto por originales y standards, sitúa a este cuarteto sin piano esténticamente entre Don Cherry-Ornette Coleman y la música West Coast de Gerry Mulligan-Chet Baker, personalizada por el lirismo propio de las más recientes producciones de Rava. La excelencias técnica y estilística son las habituales, lo que se torna en un disco bonito de escuchar.

Eduardo Chagas

Paolo Fresu - Scores!

CamJazz

Comentario: Como el título indica, Scores!, el disco más reciente de Paolo Fresu, fue al cine. Recoge la música compuesta por el trompetista italiano para la banda sonora original de dos películas italianas: Il Più Crudele dei Giorni e L´Isola, de Ferdinando Organi y Costanza Quatriglio, respectivamente.

Scores! presenta dos formaciones distintas: en el primer caso, Fresu juntó al Quartetto Alborada y a un grupo de músicos de jazz; el segundo score es servido justamente por el propio trompetista y por Dhafer Youssef, a la voz y oud.

El mayor desafío de este tipo de proyectos concebidos para acompañara al discurso cinematográfico, es el saber si transportan consigo la calidad suficiente para vivier independientemente de las imágenes a las que están pegadas. En este caso concreto, la música de Scores! sugiere que Fresu, consciente del riesgo, intentó crear una obra bien estructurada, con identidad propia y un estatus por encima de la de mera banda sonora. A escuchar.

Eduardo Chagas

MARCUS MILLER & MICHEL PETRUCCIANI – Dreyfus Night in Paris

Composiciones: Tutu (Miller) - 16:36; The King is Gone (Miller) - 17:19; Looking Up (Petrucciani) - 16:32
Músicos: Marcus Miller (bajo eléctrico), Michel Petrucciani (teclado), Kenny Garrett (saxo alto), Biréli Lagrene (guitarra eléctrica), Lenny White (batería y percusión)
Grabado en directo en el Palais Des Sports de París, 7 de Julio de 1994.
FDM 36652-2 http://www.dreyfusrecords.com/

Comentario: Casi diez años después Dreyfus Jazz edita parte del concierto que dicho sello organizara la noche de San Fermín de 1994, y que reunió a un grupo inédito hasta entonces comandado por el malogrado Michel Petrucciani. No obstante la música del disco está muy orientada hacia el material que compuso Marcus Miller para Miles Davis a mediados de los 80. Así, la primera de las tres largas piezas que lo conforman es el mítico Tutu, en una interpretación apasionada e intensa por parte de los integrantes del quinteto. Miller y Garrett parecen tirar bastante del grupo en los dos primeros temas, mientras es Petrucciani quien se ofrece con extremada soltura en su samba Looking Up.

Si bien la grabación no rebosa de la cohesión que uno pudiera apreciar en un disco en estudio, es muy interesante escuchar la interacción entre músicos pertenecientes a distintas corrientes. Tanto los titulares del CD como Kenny Garrett rebosan de poderío y decisión, mientras el camaleónico Biréli Lagrene se muestra más efectista que efectivo y Lenny White se defiende con sobriedad y solvencia.

Esta especie de jam session de jazz contemporáneo es tan sólo una de las rarezas y grabaciones inéditas que la casa Dreyfus piensa continuar editando y en las que, en muchos casos, aparece el excelente Michel Petrucciani.

Arturo Mora Rioja, 2004

HORACIO ICASTO TRIO – Debussiana

Composiciones: Jardins Sous La Pluie (Debussy) - 11:09; Concerto Pour Piano et Orchestre en Sol Majeur (Ravel) - 8:45; Sonata Nº. 7, op. 83 (Prokofiev) - 7:43; Prélude Nº. 2 (Gershwin) – 10:13; Pavane Pour Une Infante Défunte (Ravel) – 6:26; María de Buenos Aires (Piazzolla) – 8:45; Debussiana (Icasto) – 8:49
Músicos: Horacio Icasto (piano), Víctor Merlo (contrabajo), Noah Shaye (batería)
Grabado en el Auditorio de Las Rozas (Madrid), 27 y 28 de Julio de 2001.
ENY-7502 http://www.rba.es/musica/

Comentario: Durante los últimos años se ha podido disfrutar por Madrid de innumerables cuartetos comandados por Horacio Icasto y otro músico de enjundia, a saber: Bob Sands, Antonio Serrano, Andrej Olejniczack, Paloma Berganza... Incluso con el primero de ellos quedó plasmada una excelente grabación de la serie En el Central. En esta ocasión el formato es de trío, con la formación más habitual (Víctor Merlo al contrabajo y el georgiano Noah Shaye a la batería). El concepto: recrear composiciones clásicas recientes en un entorno jazzístico. Algo de lo que ya se encargaron en el pasado gente como Jacques Loussier o Claude Bolling, si bien en este caso el resultado es extremadamente satisfactorio. Por un lado la acertada elección de las piezas establece un marco de referencia muy definido. Los temas de compositores modernos como Ravel, Debussy, Gershwin, Prokofiev o Piazzolla guardan una serie de puntos comunes que se ven definitivamente acentuados gracias a la desenfadada interpretación del grupo, provocando una unión estilística sin fisuras gracias a su clara decantación por el lado del jazz.

A destacar el espectacular arranque del Jardins Sous La Pluie de las Estampes de Debussy, tema que abre el disco, la bluesera recreación del Prélude Nº. 2 de George Gershwin y el tema final, la composición original Debussiana. Y a destacar la insultante soltura de Icasto durante todo la grabación. Como dice Carlos Sampayo en las notas del CD: “brillante pianista de formación académica escoge el jazz para manifestarlas y lo hace con naturalidad”. Y tanto.

Arturo Mora Rioja, 2004

LOUIS SCLAVIS - Napoli's Walls

Músicos: Louis Sclavis (clarinete, clarinete bajo, saxos soprano y barítono), Vincent Courtois (cello, electrónica), Médéric Collignon (trompeta de bolsillo, voces, cañas, percusión, electrónica), Hasse Poulsen (guitarra)
Composiciones: Colleur de nuit 10:35, Napoli's Walls 7:21, Mercè 3:07, Kennedy in Napoli 6:25, Divinazione moderna I & II 7:08, Guetteru d'inaperçu 8:23, Les apparences 4:44, Porta segreta 5:03, Il disegno smangiato d'un uomo 7:16
Todas las composiciones por Louis Sclavis
Grabado en diciembre de 2002, Studios La Buissonne, Pernes les Fontaines
ECM 1857 http://www.ecmrecords.com

Comentario: El trabajo del artista Ernest Pignon es la inspiración para el nuevo trabajo-proyecto del clarinetista y saxofonista francés Louis Sclavis. Un trabajo pictórico, en este caso sobre los muros de la ciudad de Nápoles, que pretende ser un recorrido por la historia, mitos, leyendas y gentes de esta ciudad italiana.

Recogiendo y transformando la visión del pintor en música, de la mano de Louis Sclavis se dan la mano en la obra multitud de influencias musicales. Sin caer en el collage forzado, la mezcla sin unión o la modernidad forzosa, Louis Sclavis ha logrado en este disco una magnífica muestra de esa música que dicen jazz de raíces europeas. En su trabajo el compositor francés amalgama elementos tanto contemporáneos (con una amplitud que abarca desde el rock, por medio del uso de la electrónica, a la mal llamada música clásica contemporánea) como de raíz (la canción napolitana o la ancestral música mediterránea) pasando por el jazz (en una visión tan amplia como se le quiera otorgar al término).

Como nexo de unión entre unos elementos aparentemente tan diversos aparece el cuarteto de Louis Sclavis. Sin sección rítmica al uso (salvo el cello de Vincent Courtois y las percusiones "ad-hoc" de Méderic Collignon) los cuatro músicos desarrollan las ideas compositivas de tal modo que sin solución de continuidad las influencias se van transformando en un interesante viaje sonoro. No me cabe ninguna duda acerca de la importancia que tiene el papel de los cuatro músicos en el resultado final de la grabación. Louis Sclavis está magnífico a las diversas cañas, del mismo modo que el chelista Vincent Courtois.

Otra de las magníficas referencias de la última hornada (Holland, AEOC, Courvoisier, Trovesi, Evan Parker con Agustí Fernández) del sello ECM. ¡Que todos los finales de año traigan semejante cosecha!

José Francisco Tapiz

Bertrand Denzler "cosecha 2003"

Bertrand Denzler / Hans Koch - Asymétries

Temas: Asymétrie 1 (16:43) / Asymétrie 2 (6:19) / Asymétrie 3 (9:31) / Asymétrie 4 (4:56)
Músicos: Bertrand Denzler – saxo tenor / Hans Koch – clarinete bajo, saxo soprano
Ambiances Magnétiques

Hubbub - Hoop Whoop

Temas: Part I (14:45) / Part II (16:58) / Part III (14:43) / Part IV (6:32)
Músicos: Frédéric Blondy (piano), Bertrand Denzler (saxo), Jean-Luc Guionnet (saxo), Jean-Sébastian Mariage (guitarra), Edward Perraud (batería)
Matchless

49º Nord - Tentacles

Temas: marcelin (9:04) / 18 (6:50) / circuit (4:45) / john (4:58) / saïgon (4:47) / chemin lateral (1:20) / l’autre (5:12) / juillet (2:45) / dimanche matin (14:28)
Músicos: Hasse Poulsen (guitarras), Bertrand Denzler (saxo tenor), Christophe Marguet (batería y percusión)
AV-ART records

Comentario: Saxofonista suizo, residente desde hace algunos años en París, Bertrand Denzler se ha afirmado como una figura emergente en la actual escena improvisada europea.

Estas líneas pretenden dar cuenta de las ediciones discográficas publicadas en 2003 en las que interviene este músico, como actualización del texto que en noviembre de 2003 fue publicado en Tomajazz.

Comencemos por la única formación inédita de las tres obras aquí analizadas: el dúo entre los saxofonistas Bertrand Denzler y Hans Koch. Estos sopladores se conocieron en 1996 en una conducción de Butch Morris y, desde entonces, han colaborado juntos con cierta regularidad. Pero han tenido que esperar hasta 2003 para presentar “Asymétries”, el primer fruto discográfico de esta colaboración que, más importante aún, permite documentar una propuesta estética de un radicalismo extremo. Entre otros aspectos que refuerzan esta idea, destacaría la sonoridad característica y poco diferenciada de estos músicos que no permite su individualización en términos estilísticos, el hecho de que buena parte de los sonidos sean sintetizados y que fácilmente uno puede imaginar que provienen de otros instrumentos que no son saxofones o el clarinete bajo, así como la posibilidad de identificar una serie de excrecencias, vibraciones y sonidos extraños, imposibles de traducirse en una anotación musical.

En “Asymétries” Koch y Denzler se comunican de una forma flexible y desprovista de prejuicios, unas veces privilegiando el diálogo, otras dejando entrever la idea de que se trata de un monólogo a dos voces, dónde cada una sigue su camino independientemente de la otra.

Este es un trabajo que podrá pecar de intentar un cierto manierismo en la exploración hasta el agotamiento de algunas técnicas instrumentales y, sin duda, una interpretación en la que determinados conceptos de la libre improvisación son llevados hasta sus últimas consecuencias.

Seguimos a continuación con “Hoop Whoop”, de la más reciente etapa de consolidación de Hubbub, proyecto que reúne al propio Denzler con Frédéric Blondy, Jean-Luc Guionnet, Jean-Sébastian Mariage y Edward Perraud y que ya está en su cuarto año de existencia.

No obstante, las afinidades naturales en relación con el compacto que le precede –“UB/ABU”- en cuanto al concepto de improvisación colectiva practicada y a la sapiencia auditiva demostrada por los miembros de este quinteto, el intenso y sublime continuum sonoro que caracterizaba aquella grabación para For4Ears, cede su lugar en “Hoop Whoop” a una mayor fragmentación de la materia sonora. Esto se debe en gran medida a un mayor desarrollo en los solos mostrado por los cinco músicos de este colectivo, pese a que la multidireccionalidad sonora resultante jamás cuestione la entidad colectiva, que se mantiene íntegra. Logramos, por tanto, discernir más fácilmente lo que hace cada uno de los músicos y en qué consiste su contribución para la plasmación de este proyecto musical totalmente improvisado.

Juego de encuentros y desencuentros, lugar de confluencias sonoras, resplandores y sutilezas, son algunos de los ingredientes que Hubbub nos sugiere en “Hoop Whoop”. Como resalta P.-L. Renou en su brillante disertación en las notas que acompañan a este CD, al tratarse de un proceso y no de una obra, la única relación posible que podemos establecer con él es a través de una experiencia vital y apasionada.

Terminamos con el más reciente volumen del proyecto 49º Nord (con Christophe Marguet a la batería, Hasse Poulsen a la guitarra y Denzler al saxo tenor) que, a semejanza de Hubbub, ha conocido su segunda edición discográfica en 2003.

Si la música de 49º Nord ya había logrado en “Animal Language” un nivel muy elevado, ahora en “Tentacles”, consigue alcanzar, sin duda, un punto incluso superior.

Manteniendo la línea estética preconizada en la primera obra, asistimos ahora a una profundización y consolidación de los conceptos inherentes a ésta: estamos ante una música rica en términos de texturas, timbres y dinámicas, que parecen regirse por una fuerza esotérica y sobrehumana, una especie de hormigueo oculto y subterráneo.

Este es un trío peculiar, constituido por tres músicos notables cuya pluralidad de recursos y facilidad técnica son colocadas al servicio de la creación colectiva de un sonido propio y elaborado. Atentos a las manipulación guitarrística de Poulsen en “marcelin”, que recuerda un piano preparado (!), y a “john”, dónde consigue extraer sonidos semejantes a los de una tambura india. Escúchese la diversidad de ataques y de procedimientos de Denzler, como su fraseado hipnótico y circular, impregnado de una tensión inquietante. Escúchese igualmente la inteligencia y sentido de la oportunidad de Marguet, especialmente en “circuit”, dónde trabaja extraordinariamente con los címbalos.
No podría terminar esta reseña sin referirme a “dimanche matin”, la pieza final y más larga, accidentada y desgarrada de este disco: tras una situación inicial en la que predomina el caos y la incertidumbre, el trío parte hacia un “crescendo” que se extiende durante varios minutos hasta llegar al colapso final que se caracteriza por momentos de un éxtasis sonoro absoluto. ¿Qué otro final podría esperarse?

João Aleluia

Más información sobre Bertrand Denzler en Tomajazz

• Bertrand Denzler (Perfiles, Tomajazz, 2003. João Aleluia)
  

Evan Parker - LINES BURNT IN LIGHT / SIX OF ONE / THE SNAKE DECIDES

Músico: Evan Parker (saxo soprano)
Psi Records: http://www.emanemdisc.com/psi.html

Comentario: Me refiero, en comentario breve y conjunto, a los tres discos a saxo soprano solo que el maestro Evan Parker publicó o reeditó entre 2001 y 2003 en su sello Psi Records. (http://www.emanemdisc.com/psi.html )

Hablo de LINES BURNT IN LIGHT (2001), de SIX OF ONE, reedición del LP de Incus (sello fundado por él en 1970), grabado en 1980 y de THE SNAKE DECIDES, otra reedición de material editado por Incus en 1986. Tres discos, tres fases y épocas distintas en la vastísima discografía del saxofonista británico, que incluye varias sesiones de grabación en las que el protagonismo es para un solo instrumento.

¿Quién es Evan Parker? Se cuenta que cuando era estudiante de botánica escuchó la música de Cecil Taylor, que le cambió la vida y sus opciones musicales. Antes de esto, la escucha de Coltrane y un arrebato de sentido común también fueron determinantes para el curso de su vida. De ahí pasó a involucrarse con la escena improvisada londinense de los años 60, sólo hubo un paso. Conoció a John Stevens, Derek Bailey, Dave Holland, Kenny Wheeler, Trevor Watts y otros, formando con algunos de ellos el célebre Spontaneous Music Ensemble.

Estos fueron los inicios de un ser hipercreativo, que ha colaborado ampliamente con las principales figuras de la improvisación euro-americana acústica, electro-acústica y electrónica. Paralelamente ha ido investigando las (im)posibilidades del saxofón soprano, su principal herramienta, cuyo sonido ha hecho evolucionar como nadie en casi 40 años de carrera.

Especialmente impresionante en la ejecución de Evan Parker, algo que queda bien patente en cualquiera de los tres discos, es la articulación que consigue entre los aspectos físico (su digitación rapidísima, el sonido interminable y ese motor interno capaz de funcionar durante horas sin parar), su pensamiento ágil y su expresión fulgurante, resultados para los cuales ha contribuido la célebre respiración circular, una técnica redescubierta y revalorizada por él, a través de la incorporación de un lenguaje estético y una concepción musical plenamente propias. Parker hace un uso extensivo de la técnica de ejecución simultánea de dos o más líneas melódicas superpuestas, tocadas de forma rápida, continua e ininterrupida, en sucesivas serpientes de humo y color, que toman direcciones polifónicas imprevisibles, creando un fascinante efecto hipnótico.

Con el transcurso de los años, estas técnicas han creado una sensibilidad cambiante en la forma de abordar y comprender el saxo soprano, confiriéndole un estatuto de gran autonomía y un lugar central como fuente sonora, y que ha contribuido a un mejor entendimiento de la música de Sam Rivers, Steve Lacy, Roscoe Mitchell, John Coltrane (por suerte su mayor y más lejana influencia, que le hizo tomar el instrumento en su más tierna edad) y de otros grandes sopranos de la historia del jazz y de la libre improvisación.

Por otra parte –y este es un aspecto central- Parker se interesa y sabe tratar el sonido como pocos. No es casualidad que para sus grabaciones en solitario huya de los estudios y escoja catedrales, iglesias y capillas, espacios cerrados y más amplios –elemento en común en los tres discos aquí analizados- que le permiten interactuar activa y pasivamente con el eco y la reverberación natural de su propio y sonido y así crear ambientes acústicamente ricos. En estos contextos, los elementos de espacio y tiempo acaban por ser los otros músicos, con un papel fundamental en la creación del sonido.

De la escucha conjunta y secuencial de los tres discos se aprecia como los dos más antiguos iluminan al tercero, siendo una especie de ensayos o bocetos de la obra final, ejemplos acabados del arte de la improvisación en cuanto a la técnica de la composición instantánea elevada a una categoría superior.

Algunos detractores, tal vez menos atentos, interesados o familiarizados con el sonido de Parker, afirman que es una música cerebral y artificial, vacía de contenido ya que sólo es técnica por la técnica y, por tanto, inconsecuente. No estoy de acuerdo. La música de Evan Parker nace de la emoción y del pensamiento de un gran artista y como tal, tiende a la universalidad. Y de esa materia, de ese equilibrio entre razón y emoción, según Antonio Damasio es de lo que está hecha el alma humana.

Personalmente, lamento que Evan Parker no utilice más el saxo tenor en este tipo de propuestas. Hasta que publique un nuevo disco a tenor solo, me deleito con los magníficos dúos que ha grabado recientemente con Joe McPhee en Chicago (Okka Disk) y que ha resultado ser uno de los discos más estimulantes de 2003. Música esencial.

Eduardo Chagas

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